Nocturne Cinéphage

Podeis encontrarme en....

2006-07-01T13:37:00.003+02:00

http://www.gencinexin.com

Nos vemos alli, Saludos.

Blog jodido

2006-02-03T23:06:00.000+01:00

parece que no me responde muy bien el blog últimamente, para colmo ahora se me han borrado los enter de todos los posts o de casi todos, por ahora, no habrá actualizaciones en este blog. Os mantendré informados. Saludos

[Música] Maná - En el muelle de San Blás

2006-01-29T16:35:00.000+01:00

Un placer postear aquí una de mis canciones favoritas. Aquí os la dejo para que no os olvideis de ella ^^

Ella despidió a su amor Él partió en un barco en el muelle de San Blás él juró que volvería y empapada en llanto ella juró que esperaría miles de lunas pasaron y siempre ella estaba en el muelle esperando Muchas tardes se anidaron se anidaron en su pelo y en sus labios. Llevaba el mismo vestido y por si él volviera no se fuera a equivocar los cangrejos le mordían su ropaje, su tristeza y su ilusión pero el tiempo se escurrió y sus ojos se le llenaron de amaneceres y del mar se enamoró y su cuerpo se raizó en el muelle Sola sola en el olvido sola sola con su espíritu sola sola con su amor el mar sola en el muelle de San Blás Su cabello se blanqueó pero ningún barco a su amor le devolvía y en el pueblo le decían le decían la loca del muelle de San Blás una tarde de Abril la intentaron trasladar al manicomio nadie la pudo arrancar Y del mar nunca jamás la separaron Sola sola en el olvido sola sola con su espíritu sola sola con su amor el mar sola en el muelle de San Blás Sola en el olvido Sola con su espíritu Sola con su amor el mar Sola sola en el olvido sola sola con su espíritu sola sola con su amor el mar sola en el muelle de San Blás Se quedó Se quedó Sola, sola Se quedó Se quedó con el sol y con el mar Se quedó ahí Se quedó hasta el fin se quedó ahí se quedó en el muelle de San Blás Sola, sola, sola

Videos Musicales (2): Coldplay - Fix You

2006-01-25T21:31:00.000+01:00

Qué gran canción, qué gran grupo, sientense y disfruten de una de las canciones del año. ... y qué gran directo xD Saludos

Memorias de una geisha (Memoirs of a geisha) Rob Marshall (2005)

2006-01-25T07:22:00.000+01:00

Memorias de una geisha es un film que a pesar de todos los pesares (rodada en inglés en vez de japonés, casting asombroso pero casi en su totalidad chino en vez de japonés, etc...), me ha gustado bastante, técnicamente muy buena (una fotografía fabulosa), musicalmente formidable (John Williams ayudado por el violin de Perlman y el cello de Yo-Yo Ma) y con un casting en estado de gracia (Zhang Ziyi soberbia, Michelle Yeoh con una presencia increíble, la gran Gong Li en un personaje oscuro e insaciable y Ken Watanabe está genial aún tener un papel secundario). La dirección de Marshall aún siendo mejorable es buena y mucho mejor que en su anterior y mediocre film Chicago. El film desborda una sensación de belleza increíble, las localizaciones (aún no ser muchas en Japón) son fabulosas. El diseño de producción, maquillaje y el vestuario una absoluta gozada.

No pasará a la historia ni estará calificada lógicamente como una de las grandes pero a mi me pareció muy disfrutable y con momentos tremendos, con una realización que aunque mejorable está muy bien y un vestuario antológico. Mi crítica ampliada en BLOGDECINE.COM

Brokeback Mountain - Ang Lee (2005)

2006-01-22T21:13:00.000+01:00

Brokeback Mountain es tratada como si de una historia de amor habitual, es decir heterosexual, se tratara, sin ningún tipo de ornamento especial ni nada por el estilo y ahí radica el respetoy la exquisitez dada al conjunto.

El film es en extremo maduro, elegante, profundo y de una clase simplemente asombrosa. Recuerda por su sobriedad a los clásicos, de echo realmente parece un clásico que se ha colado en la actualidad. El trabajo de Ang Lee en la dirección, Rodrigo Prieto en la fotografía y Gustavo Santaolalla en la música es simplemente perfecto.

Heath Ledger, Jake Gyllenhaal y Michelle Williams: inmensos. Una enorme obra maestra que demuestra la fuerza del amor verdadero como bien dice su frase en el poster original "Love Is A Force Of Nature".

Mi crítica ampliada en BLOGDECINE.COM

Boys don't cry - Kimberly Peirce (1999)

2006-01-19T19:30:00.000+01:00

El viaje que inició Teena Brandon (Hilary Swank) tras su marcha de Lincoln es un viaje en busca de la felicidad, en busca de ese cambio tan ansiado, en busca de oportunidades nuevas. Y es un viaje con retorno, con retorno a casa, con retorno a los recuerdos, a una vida mejor, con las puertas abiertas... del cielo. Lana (Chloë Sevigni) vuelve a Lincoln, hace ese viaje por carretera con el que sońaba Teena, pero no lo hace sola, ya que ella la conserva en su memoria, pues jamás olvidará ni querrá a nadie tanto como a una mujer tan valiente como Teena Brandon.

Leer mi crítica ampliada en BLOGDECINE.COM

Jarhead - Sam Mendes (2005)

2006-01-15T12:03:00.000+01:00

Gracias Sam Mendes Gracias Jake Gyllenhaal Gracias Peter Sarsgaard Gracias Jamie Foxx Gracias Roger Deakins Gracias Thomas Newman Gracias a todos por esta OBRA MAESTRA. Próximamente crítica ampliada.

Recordando Scarlett....

2006-01-14T19:32:00.000+01:00

Vivien Leigh en Lo que el viento se llevó (Gone with the wind) - Victor Fleming (1939), realizó, en mi opinión, la mejor o una de las mejores actuaciones femeninas que jamás se han visto en la pantalla. Está enorme. Creo que esta gran actriz , que unia una arrebatadora belleza y un talento indudable, merece un post, y también lo merece esa extraordinaria, madura y colosal película.

Coffee & Cigarettes - Jim Jarmush (2003)

2006-01-14T12:29:00.000+01:00

Jarmush nos regala de nuevo otra joyita. Cortos con nexo juntos en un film. Tabaco + Café + 1 "tabla de ajedrez" = este film. Puro humor jarmush. Leer mi critica ampliada en BLOGDECINE.COM

Videos Musicales (1): NIN - Only

2006-01-13T23:56:00.000+01:00

Novedades en el blog: :O :O Ahora también hay cabida para la música en Nocturne Cinéphage. Aquí os dejo con el videoclip de Only del último trabajo de Nine Inch Nails titulado With teeth:

Hoy, en la 2, a las 22:30...

2006-01-12T17:21:00.000+01:00

The horror..., the horror...

Coppola + Storaro + Brando + Sheen + Duvall + Hopper = OBRA MAESTRA Ni se os ocurra perderosla (quién no la haya visto aún, claro) Apocalypse Now - Francis Ford Coppola (1979)

El silencio de un hombre ( Le Samuraï ) Jean-Pierre Melville (1967)

2006-01-11T09:37:00.000+01:00

Melville a diferencia de los Truffaut, Resnais, Chabrol, Bresson, Rohmer y compañía es quizás un director semiolvidado por la inmensa mayoria, en un caso similar al también extraordinario Henri-Georges Clouzot. Melville consiguió en el año 67 una de las cumbres del polar francés: El silencio de un hombre (Le samuraï), una obra rica en detalles, rodada de forma sublime, un film de cine noir a la vieja usanza pero con modernidad que aún hoy en dia asombra por su dinamismo, elegancia y exquisitez. El film técnicamente es sublime (dirección, fotografía, etc..), la actuación de Alain Delon colosal y un final maravilloso y redondo. En definitiva, estamos ante una obra maestra del séptimo arte. Leer mi crítica ampliada en BLOGDECINE.COM

Trailers

2005-12-31T11:36:00.000+01:00

Para celebrar la salida del 2005 y la entrada del 2006 os dejo aquí con algunos trailers cojonudos, a disfrutarlos (y a descubrir estas pelis para quien no las conozca), pero antes os dejo un video de mis amigos los chinos XD, esta gente está fatalllll XD (no olvideis visitar su blog: http://twochineseboys.blogspot.com/): Ahora sí, los trailers: MY SASSY GIRL: Maravillosa comedia romántica. Una de las peliculas más divertidas que he visto jamás, y una de esas peliculas especiales.

A BITTERSWEET LIFE: Fantástica película violento-artística. Una joya.

INITIAL D: Tunning made in Hong-Kong. De los creadores de la trilogía Infernal Affairs.

SAMARITAN GIRL: De Kim Ki-Duk, uno de los dioses de Corea del Sur. Película fantástica y dura a la vez.

Feliz 2006 !!!!

Una mala jugada (He got game) - Spike Lee (1998)

2005-12-30T19:07:00.000+01:00

Denuncia. Religión. Ilusiones. Esperanza. Miedo. Rechazo. Amor. Juego. Gracias Spike Lee.

Doce fuera de casa (Cheaper by the Dozen 2)Adam Shankman (2005)

2005-12-28T15:26:00.000+01:00

Sí si, hoy es el día de los inocentes pero para mi fue el otro día, menuda broma pesada esta peli, la cual vi casi por obligación esta "pelicula" que creo que ni con 10 años me hubiese hecho reir.

La película no tiene ningún momento a destacar, los actores / trices de lo peorcito del panorama cinematográfico y una historia con más tópicos que señales de tráfico en una autopista. Eso es nada más y nada menos lo que nos ofrece esta secuela. Decir que no he visto su antecesora y ni falta que que hace. De hecho durante el visionado de la misma me lo pasé pipa (entre que me acababa el saco de palomitas) contando los tópicos que se daban, al final tristemente perdí la cuenta, pero eran números astronómicos. Y es que un servidor ODIA a Steve Martin. No solo no es un buen actor de comedia sino (y lo que es peor) es un lamentable actor de drama. Y es que este tipo, en en el 90% de sus pelis hace de padre y tiene un nieto/a o un hijo/a que se casa y con esa musica al final para emocionar falsamente=manipular al espectador, y digamoslo, estamos hasta los cojones de sus pelis sr Martin XD. A parte de la "chispa" del sr. martin, tenemos a la que hace de su mujer, una actriz que ya solo solo y solo hace cine familiar (para eso estudió arte dramático?) Bonnie Hunt. Por lo menos no pretende hacer reir como el Steve.

El mejor de la cinta es Eugene Levy, un tipo que no es que sea gracioso, pero que sin duda sus personajes son muy tontos y se convierten en casi entrañables. Muchos le recordaran por el padre de jason Biggs en la horrorosa, grosera y lamentable trilogía de American Pie. Los demás son secundarios, tenemos a Piper Perabo (que se dedica solo a cantar por favor), Hilary Duff & Carmen Electra (ya sabemos para lo que están no?), Tom Welling (si con Smallville se convirtió en el tío más soso e inexpresivo de la tele, ahora vuelve para regalarnos una de sus actuaciones maravillosamente vacías, dios no kiero verlo en el remake de la niebla que me da algo xD). Menos mal que salio de la nada mi querida Jaime King, una de esas bellezas infravaloradas y arregló el patio algo, pero poco se podía hacer ante tal despropósito.

Lo peor que puede tener una peli de risa es que no te rias en todo su metraje. Vale, es una pelicula para niños (bueno, yo me considero uno de ellos.. debe ser que soy raro.. xD), pero coño, que humor más tonto, predecible, infantil y bobito. Si quereis ver una película llena de momentos con más tópicos que lechuga tiene una ensalada, con actores que estan ahi solo por el cheque (incluido los niños XD) y con un Steve Martin simplemente insufrible y es que su actuación es LAMENTABLE XD, gastaros el dinero que tanta falta hace en esto. Peter Sellers perdonale, porque este es el elemento que va a substituirte como inspector Clouseau. Que Dios nos pille confesados. Adam Shankman sigue así :) Lo siento Adam, pero sinceramente pienso que tu película es un autentico despropósito XD.

No hay puntuación visible, porque no le doy ni una estrella de lo mala que es ^^.

Felices Fiestas !!! [Actualizado]

2005-12-23T11:25:00.000+01:00

Bueno, no está de más aparcar un poco las reseñas y dedicar un post a felicitaros las fiestas, pero siempre con un toque cinéfilo. Y más si un servidor va a estar ausente un tiempo. No es que me agrade Chevy Chase, todo lo contrario xD, pero bueno, es una "bonita" postal navideña, ante todo atípica y que encima consigue que no me aparte del monotema que existe en este blog. Espero que no acabéis igual que este pobre y circunstancial Papá Noel. Felices Fiestas y que os traigan muchas cosas (si puede ser útiles).

Actualización: la verdad es que quedaba algo soso toda esta felicitación, así que os obsequio con 2 videos navideños muy muy cachondos (y frikis). Ale a disfrutarlos. (Vía: 7 Samurais)

Trabajo Basura (Office Space) - Mike Judge (1999)

2005-12-22T16:12:00.000+01:00

Ayer me dispuse a revisionar esta comedia divertidisima, y comprobé que sigue funcionando como el primer día. Comedia dirigida y escrita por Mike Judge, basada en los cortos animados de Milton, también de Mike Judge. Recordemos que Judge también es el creador de Beavis and Butt-head.

La sinopsis del film es la siguiente: Agobiado por un trabajo estresante, aburrido y monótono, Peter Gibbons (Ron Livingston) decide ir un día a la consulta de un conocido hipnotizador para solucionar de paso los problemas que tiene con su novia. Un extraño acontecimiento en medio de la sesión de hipnosis hace que Peter se tome su vida laboral con otra mentalidad. Ahora llega tarde a trabajar, sólo juega al ordenador y decide pasar más tiempo con su nueva novia (Jennifer Aniston). Pero en contra de lo que podía pensarse. ¡Peter es ascendido!. Al mismo tiempo ve como sus mejores amigos son despedidos. Juntos tramarán un plan perfecto para destruir la empresa y hacerse ricos a costa de ella. Pero hasta los planes perfectos fallan, dando lugar a un montón de divertidísimas situaciones.

Si si, a mi también me gusta la comedia que os pensabáis? :P Pero solo la buena comedia. Trabajo Basura es una buena comedia llena de personajes de lo más friki y con situaciones divertidísimas y ninguna, repito, ninguna chorrada típica de estas producciones.

A lo que me lleva seriamente a recomendar y por supuesto a reinvindicar esta pequeña gran comedia, llena de frikis memorables, de jefes patéticos, de impresoras destrozadas XD, de pirómanos sin remedio, etc... El protagonista, Ron Livingston (que creo que no tiene nada que ver con el explorador), lo hace muy bien, justito pero bien, mola cantidad verlo entrar con chanclas y camisa al curro y sudar del jefe.

El film en si, es sencillo, es el paso de un tio responsable a pasota de los buenos XD, arropado por sus colegas (a cual más .... ejem) Michael Bolton, un compi que es programador el cual tiene que aguatar todos los puñeteros dias que le digan si es familiar del, como bien dice, jodido cantante. Interpretado por David Herman, doblador habitual de la serie Futurama.

Luego tenemos a otros elementos como, Bob Slydell, un tipo que se toma su trabajo con excesivo cachondeo. Interpretado por el siempre colosal John C. McGinley, el cual solo mirarle el careto ya te ries. En la captura siguiente el de la izquierda.

Otro personaje mítico de la cinta es Milton, interpretado por Stephen Root, el cual es un tipo (con sus manías) al cual despidieron hace 5 años pero aún nadie se lo ha dicho y se traspapeló y aún siguen pagandole su nómina. En 2 semanas le han hecho cambiarse de sitio 4 veces y le quitan constantemente su apreciada grapadora roja. Un genio de la tontería XD.

La que hace de novia (Jennifer Aniston), muy normalita. Pasable actuación. Y para acabar tenemos al jefe, Bill (Gary Cole), un tipo asqueroso e idiota a la vez cuyo vocabulario es muy reducido, ya que en cada frase suele usar el "esto...", "Emmm....",o el "Si....". Pobre hombre XD. Parece que tenga la taza pegada a la mano, debe dormir con ella y todo, este es peor que Pepe Navarro.

En fin, estamos ante una pelicula sin excesivas pretensiones, cojonuda, divertida, amena y con unas actuaciones buenas. Situaciones creíbles (la mayoría), típicas de empresa grande, con gags muy muy buenos. Sin dudarlo, lo mejor de Trabajo Basura son sus personajes y como explican su "utilidad" en la empresa ^^. El protagonista es un tio que vive la mar de bien, consigue la novia que quería, se levanta tarde todos los dias, ve la serie Kung-Fu desde la cama, lleva chanclas al trabajo, juga al tetris todo el día, no le habla a su jefe y encima le ascienden.

Decididamente, yo de mayor quiero ser Peter Gibbons XD.

Mel Gibson's Apocalypto Teaser

2005-12-21T16:32:00.000+01:00

Tras las maravillosas El hombre sin rostro, Braveheart y La pasión de Cristo, Mel Gibson vuelve a ponerse tras las cámaras para traernos Apocalypto, su nuevo film sobre la cultura maya. Con actores desconocidos, volverá a usar lenguas muertas con subtítulos y posiblemente dote al film de la elegancia de sus anteriores trabajos. Aquí os dejo con el teaser/trailer de tan esperada producción: TEASER DE CINE

Thora Birch.. te echamos de menos !

2005-12-20T15:26:00.000+01:00

Que vuelva a hacer peliculas de calidad Thora Birch, una de las actrices jóvenes con más talento (y más guapas, porque no decirlo :P). Inolvidables sus personajes para American Beauty, Ghost World o The Hole entre otras.

Score Recomendado: Brokeback Mountain

2005-12-20T14:29:00.000+01:00

Os recomiendo que escuchéis esta gran banda sonora, compuesta por el gran Gustavo Santaolalla (21 Gramos) para el film de Ang Lee: Brokeback Mountain. Minimalista, elegante, maravillosa.... como debe serlo el film.

Un post dedicado a todos vosotros !!

2005-12-19T13:17:00.000+01:00

Bueno, quiero dedicar un post a mi lista de links tan preciada y haré un comentario por cada página. Todos son igual de recomendables. Ahí vamos ;) 7 Samurais: Fantástica página de cine, con muchos apartados, críticas y últimamente con muchos links de video impagables XD jeje. ¡Adiós Espantapájaros!: Un blog reciente con innegable calidad, con reseñas interesantes y excelente gusto. No dudo en dejar comentarios, puesto los films que se exponen suelen ser de mi agrado e interés ;) Allzine: Una de las mejores páginas en español sobre cine asiático. Maravillosos subtítulos hacen estos fans. Asia-Team: Junto a Allzine la mejor página sobre cine asiático en español. Cantidad de fichas, subitulos, bsos, etc... Asiandb: Base de datos de films asiáticos. Cahiers Du Cinéma: La web de una revista cinematográfica histórica, y una de las mejores, por no decir la mejor, de Francia. Cine 100%: Fabuloso blog, con criticas semanales y comentarios muy interesantes. Cinexilio: Un foro de exiliados cinéfilos xD fantástico, se echa en falta algo más de dinamismo y participación, pero siempre es interesante leer lo que se escribe por allí. Crónicas Ibéricas: El blog del amiguete Rafalet :P Un blog que trata de muchas cosas, diria que no tiene género, bueno catalogemoslo como de género friki XD. Un blog muy bueno, divertido y ameno. DivxClásico: Una maravilla de página y foro. De lo mejorcito de cine en españa. Dvd Active: Antigua Dvdanswers, una de las mejores páginas de UK sobre novedades en dvd y reviews. El Blog de Vasni: Blog personal de mi amiga Mª Elena AKA Vasni :P Curioso, divertido y sobre todo original ;) El Cultural: Web sobre el excelente suplemento cultural de los jueves con el diario El Mundo. El ojo que todo lo vé: Sin comentarios XDD De los blogs que más me he reído. Está muy bien y es muy divertido. El País de los eternos hielos: Otro blog personal interesante y con cosas. El Rincón del Friki: Un blog de un friki del cine asiático entre otras cosas. El sótano del miedo: Otro blog de cine de obligada visita. Actualidad y calidad. Espacio Filmica (Sonia Blanco): Reflexiones sobre medios audiovisuales y comunicación por Sonia Blanco. Imdb: La madre de todas las bases de datos de cine, aún con algunos errores, es una de las páginas memorables de cine. Las puntuaciones no son mucho de fiar por eso. Keyser Soze's Place: Un blog portugués sobre cine, de calidad. Kodywood: La web de Kodama, antiguo compi de dvdenlared, con fantásticas novedades y muchas cosas sobre cine asiático y anime. La habitación de la esfera negra: Un blog personal y de cine interesante. La Ruina de la familia: Un blog muy cachondo y con cosas muy interesantes de cine entre otra cosas. Está muy bien. Los Sueños: La web de mi queridísima Ester :) Muy interesantes artículos e interpretaciones de los sueños. Mad World: El blog de Forfy, con cosas muy interesantes sobre cine, cómics, etc.... Además es fan de Donnie Darko, como yo :P Maelocinema: Fantástico blog sobre cine y música. Ejemplares reseñas y un gusto musical refinado y excelente. Impagables sus mp3 del radioblog ;) Moonfleet: Al igual que maelocinema, un fabuloso blog sobre cine, con críticas bien realizadas y con notícias de última hora. Sin duda, siempre que puedo dejo mis comentarios. Morgana: Otro blog personal, en este caso, de mi querida Amelia aka Morgana aka Micaela :P Nos habla de sus cosas, y de tango ! :) Mudodvd: Los mejores foros de la red sobre dvd, sin discusión. Qué aprenda la competencia :P Orient Xpress: Uno de los mejores blogs que he visto sobre cine asiático. Completo y exhaustivo. Roger Ebert's Site: La web del crítico estadounidense Roger Erbert. Está en inglés, interesante. RoseBud: Un blog sobre cinéfilos y cinéfagos jeje. Tijeretazos: Suplemento digital de cine maravilloso. Grandes artículos. Tren de Sombras: Revista digital ejemplar sobre cine. Una habitación con vistas: Otro blog de cine completísimo y con constantes novedades. Universos Paralelos: Blog sobre cine, música, etc... muy interesante también. Zoo Magazine: Imparable está este blog sobre multitud de temas: cine, música, informática, tecnología, deportes, etc... Zonadvd: Qué decir ya de esta página. La número uno a nivel español sobre dvd, análisis, novedades, notícias, etc... Sus reviews de ediciones son de una calidad abrumadora. saludos y gracias !

War of the worlds - Steven Spielberg (2005)

2005-12-18T13:59:00.000+01:00

Tras la edulcorada y sensiblera La terminal, para algunos muy capriana (sí, de acuerdo) pero para muchos entre los que me incluyo irreal y demasiado fantasiosa, el amigo Steven ahora con La Guerra de los Mundos (War of the worlds) cierra su particular trilogía espacial formada por la fabulosa Encuentros en la 3a fase (la mejor) y ET el extraterreste (dejémosla en infantil xD) como antecesoras.

Hice un comentario hace unos meses sobre War of the Worlds y le di un 5 pelado, con esta revisión ha mejorado bastante la opinión de esta película, lo que reafirma que algunas pelis a veces se deben ver como mínimo 2 veces para valorarlas en su justa medida, y además depende del momento en que se vean, todo eso influye lógicamente. El film original del año 53, aún teniendo el encanto de esas producciones, la verdad es que me pareció bastante predecible, un guión flojo y las actuaciones un tanto malas, por no decir, malísimas. A lo que me lleva decir que el remake de Spielberg supera en creces a la insuficiente original, que aún ser entretenida es demasiado insulsa.

War of the worlds es ante todo un film de terror. Aún ubicandose obviamente en el género de la Ciencia-Ficción, tanto por las formas como por la historia, estamos ante algo terrorificamente real y Spielberg realmente consigue inquietar y asustar al espectador de forma sutil, inteligente y muy sugerente.

El film se inicia con un excelente prólogo (narrado por Morgan Freeman de forma sorprendente y con tono a los films de los años 50) en que nos explica que hemos sido observados y estudiados durante años y años, deseando nuestro preciado planeta y que ha llegado la hora de la invasión. A partir de eso, entramos en unos minutos que aportan más bien poco y que sirven de mini presentación de los personajes. Se nos presenta a la familia ya separada, como madre a Miranda Otto, como padre a un descuidado Ray (Tom Cruise) y su hijo e hija (Dakota Fanning), una niña algo hiperactiva. Tras esos pocos minutos, asistimos a lo que sería el primer ataque. Primero Spielberg usa lo que yo llamaría terror sugerente, esas luces en el cielo, ese sonido atronador que cada vez se va oyendo más cerca y cerca, hasta que llegan a la casa de los protagonistas. La escena de la nave saliendo de las entrañas de la tierra es colosal, y la carrera de Cruise hacia su casa por las calles es un portento técnico y visual, ya no solo en lo referente a efectos visuales sino en dirección.

Spielberg nos muestra un ataque directo, crudo y ante todo realista y lo hace usando planos secuencia (incluso siguiendo personajes principales fuera de plano) y travellings que quitan el hipo. Sin olvidar los maravillosos contrapicados del film, que hay muchísimos. Una autentica gozada para los que apreciamos el trabajo de dirección. Más adelante, y siguiendo con los planos secuencia del tio Steven, tenemos la escena de la escapada en coche de la ciudad sorteando vehiculos y gente con unos movimientos descritos por la camara absolutamente maestros e inteligentísimos. Otas escenas a recordar y destacar son: cuando D. Fanning se acerca al río y van apareciendo poco a poco más cadáveres, un elemento muy identificativo del cine de terror. Gran escena fotografiada perfectamente por el gran Janusz Kaminski con esos reflejos en el rostro.

la escena del ferry, fabulosamente montada y dirigida.

la escena en que Cruise debe elegir entre su hijo o su hija. Maravillosa, en donde por primera vez en mucho tiempo debe decidir algo como padre, y algo tan duro.

Tras una mitad del film en mi opinión fantástica, llegamos a posiblemente una de las mejores partes en cuanto a guión de la cinta, la parte del sótano con un Tim Robbins en un papel secundario pero muy intenso y bastante bien construído. Un personaje atormentado, que ha perdido a toda su familia, y es la representación del odio de América, la locura humana y a los extremos que se puede llegar.

Todas esas escenas son maravillosas, tensas, silenciosas, pulidas, y de nuevo extraordinariamente rodadas.

La parte en que Ray (T. Cruise) mata al personaje de Robbins, es puro cine. La sugerencia ante lo explicito. La maestría de un superdotado del cine. la fotografía es fantástica jugando mucho con el contraste y con las sombras. Las escenas del sótano tienen un trabajo de la luz sublime. En general, todas las escenas nocturnas gozan de calidad fotográfica.

Otra escena maravillosa, es la "lluvía" de ropa. Una escena preciosa y terrible a la vez. Puro cine en realidad. Nos recuerda fotográficamente a aquel bosque de AI.

El final es otro defecto del film, que en mi opinión sobraba. Esa escena otoñal con toda la familia reuniéndose y un hijo resucitado me pareció lamentable y fuera de lugar. De hecho, y esto ya estaba en la novela de Wells, la forma que tienen de morir los extraterrestres me parece un poco inverosimil y estúpida, y más, si llevan años y años estudiando el planeta y siguen sin conocer algo tan importante como las bacterias. A parte de esto, la película es una auténtica lección de cine a nivel de dirección, una lección de como se debe hacer un film de suspense, de terror rural como le llamaríamos, al igual que Señales. Curioso es el caso de este film y Señales de Shyamalan, ya que ambas me decepcionaron mucho en cine y luego al revisionarlas me encantaron.

War of the words como he dicho es un film de terror en todo su esplendor, con muchos temas como pueden ser la familia, el miedo, la lucha interior de todos nosotros, el caos, .... Spielberg es un director que sabe meter tensión a las escenas, un director que es alucinante como planifica cada toma. Su labor como director casi siempre es intachable. Ojalá muchos rodasen como él. En mi opinión debería estar nominado al oscar por este film. Su dirección es inmejorable.

También muy destacable y por supuesto nominables son los efectos digitales, especiales, ya que son algo asombrosos. El sonido es media película, colosal tratamiento del sonido y efectos sonoros. Debería ganar el oscar en este apartado. Las localizaciones otra cosa buenisima de la cinta, ver esa escena del avión y todo los destrozos al lado de la casa de Ray (Tom Cruise). Las actuaciones, son bastante regulares. Tom Cruise en su papel de padre no querido no es en ningún momento creíble, Dakota Fanning aún pasandose media película gritando, está fabulosa como siempre (de obligada visión es verla en Yo soy Sam o Man on fire que estaba de oscar) y Tim Robbins en un papel muy secundario, pues está genial y muy convincente , los demás actores (Miranda Otto, etc..) muy testimoniales. El gran problema de las actuaciones es que no creo que hagan identificarse mucho emocionalmente al espectador. A destacar como actuación mala la de Cruise, ese hombre ya no tiene remedio. Compite con Mel Gibson al premio a la mejor sobreactuación XD

El guión y la historia son bastante mejorables, y yo personalmente hubiera variado sustancialmente el final. El film es muy oscuro y trágico y eso me gusta muchísimo, esa visión catastrófica, pero el final lo hubiera hecho mucho más abierto y potencialmente de culto jeje, eso sí, el epilogo está bastante bien. Aunque personalmente prefiero finales abiertos y que no den detalles de casi nada, son mejores a la larga. Spielberg convierte War of the worlds posiblemente en uno de sus films más oscuros, tenebrosos, terroríficos y radicales de su filmografía, aunque yo me quedo antes con mi querido Tiburón, una de las mejores peliculas de suspense / terror que ha dado esto del cine.

Humor cinéfilo XD

2005-12-16T12:30:00.000+01:00

Navegando por mundodvd me he encontrado con esta tira cómica. Ampliar para poder leer mejor.

Goya 2005

2005-12-15T14:37:00.000+01:00

Aquí van las nominaciones: PELÍCULA 7 vírgenes La vida secreta de las palabras Obaba Princesas DIRECTOR Alberto Rodríguez por 7 vírgenes Benito Zambrano por Habana Blues Isabel Coixet por La vida secreta de las palabras Montxo Armendáriz por Obaba DIRECTOR NOVEL Asier Altuna y Telmo Esnal por Aúpa Etxebeste Guillem Morales por El habitante incierto José Corbacho y Juan Cruz por Tapas Santiago Tabernero por Vida y color ACTRIZ PROTAGONISTA Adriana Ozores por Heroína Candela Peña por Princesas Emma Vilarasau por Para que no me olvides Natalie Poza por Malas temporadas ACTOR PROTAGONISTA Manuel Alexandre por Elsa y Fred Oscar Jaenada por Camarón Eduard Fernández por El método Juan José Ballesta por 7 vírgenes ACTRIZ DE REPARTO Elvira Mínguez por Tapas Pilar López de Ayala por Obaba Verónica Sánchez por Camarón Marta Etura por Para que no me olvides ACTOR DE REPARTO Carmelo Gómez por El método Javier Cámara por La vida secreta de las palabras Fernando Guillén por Otros días vendrán Enrique Villén por Ninette ACTRIZ REVELACIÓN Bárbara Lennie por Obaba Isabel Ampudia por 15 días contigo Micaela Nevárez por Princesas Alba Rodríguez< style="color: rgb(255, 153, 0);"> ACTOR REVELACIÓN Álex González por Segundo asalto Luis Callejo por Princesas Pablo Echarri por El método Jesús Carroza por 7 vírgenes GUIÓN ORIGINAL Alberto Rodríguez y Rafael Cobos por 7 vírgenes Eduard Cortés y Piti Español por Otros días vendrán Fernando León de Aranoa por Princesas Isabel Coixet por La vida secreta de las palabras GUIÓN ADAPTADO José Luis Garci por Ninette Marcelo Piñeyro y Mateo Gil por El método Montxo Armendáriz por Obaba Roberto Santiago por El penalti más largo del mundo MÚSICA Eva Gancedo por La noche del hermano Juan Antonio Leyva, José Luis Garrido, Equis Alfonso, Dayan Abad, Descemer Bueno, Kiki Ferrer y Kelvis Ochoa por Habana Blues Pablo Cervantes por Ninette Roque Baños por Frágiles CANCIÓN ‘Laura’, de Sin fin, el retorno del rock. De Dani Martín ‘Los malos amores’, de La noche del hermano. De Eva Gancedo y Yamil. ‘Llora por tus miserias’, de Bagdad Rap. De Mario Goitán ‘Me llaman calle’, de Princesas. De Manu Chao FOTOGRAFÍA Javier Aguirresarobe por Obaba José Luis Alcaine por Otros días vendrán José Luis lópez-Linares por Iberia Raúl López Cubero por Ninette DIRECCIÓN DE PRODUCCIÓN Ernesto Chao y Eduardo Santana por Habana Blues Esther García por La vida secreta de las palabras Puy Oria por Obaba Tino Pout por Camarón DIRECCÓN ARTÍSTICA Félix Murcia y Federico G. Cambero por Para que no me olvides Gil Parrondo por Ninette Julio Estaban y Julio Torrecilla por Obaba Marta Blasco por Segundo asalto VESTUARIO Biña Daigeler por Princesas Janty Yates pr El reino de los cielos María José Iglesias por Camarón Sonia Grande por Hormigas en la boca MAQUILLAJE Y PELUQUERÍA Jorge Hernández y Fermín Galán por El calentito Nacho Ruiz Capillas y Carlos Hernández por Princesas Poillette y Annie Marandin por Los Dalton cotra Lucky Luke Romana González y Josefa Morales por Camarón MONTAJE Fernando Pardo por Habana blues Iván Aledo por El método Julia Juaniz por Iberia Miguel González Sinde por Ninette SONIDO Carlos Bonmati, Alfonso Pino y Pelayo Gutiérrez por Obaba Eladio Reguero y David Calleja por Los nombres de Alicia Miguel Rejas, Alfonso Raposo y Polo Aledo por Princesas Miguel Rejas y José Antonio Bermúdez por Ninette EFECTOS ESPECIALES David Martí, M. Ribe, F. Cordon, F. Berges y R. Solórzano por Frágiles J.R. Molina, P. Núñez, A. Núñez, A. Ojeda y C. Martínez por Las llaves de la independencia Reyes Abades, C. Lozano, A. Esteban, P. Núñez y A. Núñez por Un rey en La Habana Reyes Abades, C. Remacha, A. Esteban y P. Urrutia por Obaba PELÍCULA EXTRANJERA DE HABLA HISPANA Alma máter Iluminados por el fuego Mi mejor amigo Rosario Tijeras PELÍCULA EUROPEA El hundimiento El jardinero fiel Los chicos del coro Match Point PELÍCULA DE ANIMACIÓN El sueño de una noche de San Juan Gisaku PELÍCULA DOCUMENTAL Cineastas contra magnates Iberia 13 entre mil 20 años no es nada Año tras año estos premios confirman su escasa calidad y validez. Sin duda, me parece un poco lamentable que cintas de la calidad de El método o El aura, no cuenten con apenas o ninguna nominación. Qué bueno lo de la nominación a mejor vestuario para El reino de los cielos XDD una peli yanki pero rodada en españa, por tanto española. vaya tela ! Que Frágiles no esté nominada a mejor sonido ni fotografía es un tanto vergonzoso, ¿porqué siguen sin reconocer al gran Xavi Giménez?. Tampoco entiendo demasiado como se nomina a Javier Cámara pero no a Sarah Polley en La vida secreta de las palabras. También se echa en falta en las nominaciones a Darío Grandinetti por Segundo asalto. Sinceramente, creo que el film de Coixet debería llevarse los más importantes premios. Una película absolutamente magistral.

Brokeback Mountain arrasa en los premios

2005-12-13T07:37:00.000+01:00

El film de Ang Lee presumiblemente ejemplar, sigue los pasos de su anterior y exitosa Crounching Tigger Hidden Dragon (de la cual prepara la esperada precuela), y parece que estamos ante algo maestro. La lucha entre la cinta de Ang lee y la de Clooney ya empezó en Venecia y llegará a los oscars, 2 films posiblemente casi perfectos en un mismo año. Sin olvidarnos de Munich, Crash, Match Point, A history of violence o Syriana. El 2005 ha sido un grandísimo año de buen cine.

FESTIVAL DE VENECIA León de Oro a la Mejor Película para Brokeback Mountain NEW YORK FILMS CRITICS AWARDS Best Picture: Brokeback Mountain Best Director: Ang Lee, Brokeback Mountain Best Actor: Heath Ledger, Brokeback Mountain Best Actress: Reese Witherspoon, Walk The Line Best Supporting Actor: William Hurt, A History of Violence Best Supporting Actress: Maria Bello, A History of Violence Best Animated Film: Howl's Moving Castle Best Screenplay: The Squid and the Whale Best Documentary: Grizzly Man and White Diamond Best Foreign Film: 2046, Wong Kar Wai Best Cinematography: Christopher Doyle, 2046

Estos premios son de bastante fiabilidad, Heath ledger dicen que hace una de esas actuaciones remarcables en años, tanto él como Jake Gyllenhaal y Michelle Williams, sobre los 2 premios a A history of violence, ya lo dije en mi crítica sobre dicho film que Maria Bello, William Hurt y Ed Harris eran merecedores de premios. Sobre Witherspoon, desde Election de Payne ya dije que cuando quiere trabaja muy bien. Miyazaki vuelve a alzarse con premios en EEUU tras Spirited Away. Werner Herzog triunfa (como lo hizo en Sitges) con su documental (Grizzly Man) sobre un tío que se va a vivir con los osos al monte. Y WKW (Wong Kar Wai) gana (muy merecidamente por cierto) el premio a la mejor película extranjera por 2046, así como su exquisita fotografía de Doyle.

SAN FRANCISCO: Best Picture: Brokeback Mountain Best Director: Ang Lee, Brokeback Mountain Best Actor: Heath Ledger, Brokeback Mountain Best Actress: Reese Witherspoon, Walk the Line Best Supporting Actor: Kevin Costner, Upside of Anger Best Supporting Actress: Amy Adams, Junebug Best Screenplay: Good Night, and Good Luck Best Documentary: Grizzly Man de Werner Herzog Best Foreign Film: Cache de Michael Haneke

La cosa para mejor peli extranjera para que va a estar entre 2046, Paradise Now y Cache. Posiblemente 3 grandes pelis (2046 que la he visto sí lo es y las otras 2 lo parecen), pero esta gente ha visto OldBoy de Park Chan-Wook (se estrenó allí en el 2005) ? o simplemente la eluden por su violencia?.

NATIONAL BOARD OF REVIEW: Best Film: Good Night, And Good Luck (And, in alphabetical order) Brokeback Mountain Capote Crash History of Violence Match Point Memoirs of a Geisha Munich Syriana Walk the Line BEST FIVE FOREIGN-LANGUAGE FILMS OF 2005 Best Foreign-Language Film: Paradise Now (And, in alphabetical order) 2046 Balzac and the Little Chinese Seamstress Downfall Walk on Water BEST FIVE DOCUMENTARIES OF 2005 Best Documentary: March of the Penguins (And, in alphabetical order) Ballets Russes Grizzly Man Mad Hot Ballroom Murderball Best Animated Feature: Tim Burton’s Corpse Bride Best Director: Ang Lee, Brokeback Mountain Best Actor: Philip Seymour Hoffman, Capote Best Actress: Felicity Huffman, TransAmerica Best Supporting Actor: Jake Gyllenhaal, Brokeback Mountain Best Supporting Actress: Gong Li, Memoirs of a Geisha Best Acting By An Ensemble: Mrs. Henderson Presents Breakthrough Performance Actor: Terrence Howard, Crash, Get Rich or Die Tryin’ and Hustle & Flow Breakthrough Performance Actress: Q’Orianka Kilcher, The New World Best Directorial Debut: Julian Fellowes, Separate Lies Best Adapted Screenplay: Stephen Gaghan, Syriana Best Original Screenplay: Noah Baumbach, The Squid and the Whale Best Film or Mini-Series Made for Cable TV: Lackawanna Blues Career Achievement: Jane Fonda Career Achievement in Film Music Composition: Howard Shore Outstanding Achievement in Special Effects: King Kong Billy Wilder Award for Excellence in Direction: David Cronenberg William K. Everson Award for Film History: George Feltenstein Producer of the Year Award: Saul Zaentz Special Recognition of Films That Reflect Freedom of _Expression: Innocent Voices and The Untold Story of Emmett Louis Till Special Mention for Excellence in Filmmaking: (Listed Alphabetically) Breakfast on Pluto Cape of Good Hope The Dying Gaul Everything Is Illuminated Hustle & Flow Junebug Layer Cake Lord of War Nine Lives The Thing About My Folks The Upside of Anger WASHINGTON: Best Film Munich/Universal Best Actor Phillip Seymor Hoffman Capote Best Actress Reese Witherspoon Walk the Line Best Supporting Actor Paul Giamatti - Cinderella Man Best Supporting Actress Amy Adams - Junebug Best Director Steven Spielberg Munich Best Original Screenplay Paul Haggis and Bobby Moresco - Crash Best Adapted Screenplay Dan Futterman - Capote Best Foreign Film Kung Fu Hustle/Sony Pictures Classic Best Animated Feature Wallace & Gromit in The Curse of the Were-Rabbit/DreamWorks Best Documentary Enron: The Smartest Guys in the Room/Magnolia Pictures Best Breakthrough Performance Terrence Howard - Hustle & Flow Best Ensemble Crash/Lions Gate Best Art Direction The Chronicles of Narnia: The Lion, the Witch and the Wardrobe/Buena Vista

Estos últimos premios apuestan más por Munich de Spielberg que por el trailer sinceramente pinta a obra maestra. Me alegro de ese premio merecidísimo para Paul Giamatti en una actuación asombrosa para Cinderella Man. También veo justos los premios para Crash. Lo que no me cabe en la cabeza es Mejor film extranjero: Kung Fu Hustle... esta gente ha visto cine extranjero? porque esto es como dar el oscar a mejor película a Rambo. En fin...

Fotogramas #7

2005-12-13T07:34:00.000+01:00

Entrevistadora: Vamos Frank, ¿Qué está haciendo? Frank T.J. Mackey (Tom Cruise): ¿Que qué estoy haciendo? La estoy juzgando en silencio. No tengo palabras para definir a esta obra monumental, cualquier elogio se quedaría en poco, desde su estreno (1999) es una de mis películas favoritas, llena de escenas memorables como esta. Y es que como PT Anderson hay pocos!! Obra maestra. Magnolia - Paul Thomas Anderson (1999)

Richard Pryor nos dejó

2005-12-11T20:25:00.000+01:00

Ayer Richard Pryor, uno de esos actores cómicos inolvidables que con los años se convirtió en leyenda, falleció de un ataque al corazón. Por desgracia llevaba ya mucho tiempo luchando contra su enfermedad: esclerosis múltiple.

Siempre recordaré sus películas con Gene Wilder, y lo bien que nos lo hizo pasar a todos con sus chorraditas jeje. Gracias maestro, descansa en paz.

Independent Spirit Awards 2006

2005-12-11T10:23:00.000+01:00

Los Independent Spirit Awards adoptan una nueva norma por la que si una película cuesta más de 20 millones de dólares no podrá aspirar a ser candidata a a dichos premios. En mi opinión unos premios bastante más fiables que los oscars. Las nominadas son:

Mejor película * Brokeback mountain * Capote * Good night, and good luck * The squid and the whale * The three burials of Melquiades Estrada Mejor director * Ang Lee (Brokeback mountain) * George Clooney (Good night, and good luck) * Greg Araki (Mysterious skin) * Rodrigo García (Nine lives) * Noah Baumbach (The squid and the whale) Mejor guión * Ayad Akhtar, Joseph Castelo & Tom Glynn, por The war within * Guillermo Arriaga, por The three burials of Melquiades Estrada * Noah Baumbach, por The squid and the whale * Dan Futterman, por Capote * Rodrigo García, por Nine lives Mejor ópera prima * Crash, de Paul Haggis * Lackwanna blues, de George C. Wolfe * Tu y yo y todos los demás, de Miranda July * Thumbsucker, de Mike Mills * Transamerica, de Duncan Tucker Mejor primer guión * Kenneth Hanes, por Fixing Frank * Miranda July, por Tu y yo y todos los demás * Angus MacLachlan, por Junebug * Sabina Murray, por The beautiful country * Duncan Tucker, por Transamerica Premio John Cassavetes a la Mejor película de bajo presupuesto (<500.000>) * Brick, de Rian Johnson * Conventioneers, de Mora Stephens * Jellysmoke, de Mark Banning * The puffy chair, de Jay Duplass * Room, de Kyle Henry Mejor actriz de reparto * Amy Adams, por Junebug * Maggie Gyllenhaal, por Happy endings * Allison Janney, por Our very own * Michelle Williams, por Brokeback mountain * Robin Wright Penn, por Nine lives Mejor actor de reparto * Firdous Bamji, por The war within * Matt Dillon, por Crash * Jesse Eisenberg, por The squid and the whale * Barry Pepper, por The three burials of Melquiades Estrada * Jeffrey Wright, por Flores rotas Mejor actriz * Felicity Huffman, por Transamerica * Dina Korzun, por Forty shades of blue * Laura Linney, por The squid and the whale * S. Epatha Merkenson, por Lackawanna blues * Cyndi Williams, por Room Mejor actor * Jeff Daniels, por The squid and the whale * Philip Seymour Hoffman, por Capote * Terence Howard, por Hustle & flow * Heath Ledger, por Brokeback mountain * David Strathaim, por Good night, and good luck Mejor director de fotografía * Robert Elswit, por Good night, and good luck * John Foster, por Keane * Adam Kimmel, por Capote * Chris Menges, por The three burials of Melquiades Estrada * Harris Savides, por Last days Mejor película extranjera * The death of Mr. Lazarescu, de Cristi Puiu (Rumania) * Temporada de patos, de Fernando Eimbcke (México) * Contra la pared, de Fatih Akin (Alemania, Turquía) * Paradise now, de Hany Abu-Assad (Palestina, Holanda, Alemania, Francia) * Tony Takitani, de Jun Ichikawa (Japón) Mejor documental * Enron: the smarlest guys in the room, de Alex Gibney * Grizzly man, de Werner Herzog * La Sierra, de Scott Dalton & Margarita Martínez * Romántico, de Mark Becker * Sir! No Sir!, de David Zeiger

El regalo de Silvia - Dionisio Pérez (2003)

2005-12-10T18:18:00.000+01:00

Silvia (Bárbara Goenaga) es una adolescente que ha tomado la decisión más importante de su corta existencia, quitarse la vida para donar sus órganos. Antes de hacerlo, deja claro su deseo en el vídeo diario en el que ha grabado sus confesiones más íntimas durante el último año.

De esta manera, tres personas reciben los órganos de Silvia. Carlos (Luis Tosar), un hombre con un incierto futuro laboral y una familia a su cargo, recibe el corazón. A Inés (Adriana Domínguez), una joven ciega de nacimiento, le transplantan sus córneas. Y Mateo (Víctor Clavijo), un joven que vive al límite de la ley, recibe el hígado de Silvia. El regalo de Silvia está formada básicamente por 4 personajes cada uno con su historia y como pilar básico , que decide el tono emocional de la cinta, es el diario grabado en vídeo de Silvia. Un diario en donde cuenta sus problemas, sus ilusiones, sus alegrías, sus enfados, su desesperación y su tristeza. Su verdadero regalo es la vida. Ella no sabe como utilizar su vida, sabe que jamás será feliz y a parte haga lo que haga siempre hay problemas añadidos, prefiere vivir dando vida a los demás, regalar sus organos para dar felicidad.

Las historias a diferencia de muchas películas por ejemplo independientes, no se interrelacionan, no hay un nexo de unión etre todas ellas, no son las típicas historias entrecruzadas al estilo Robert Altman, Paul Thomas Anderson o Jim Jarmush entre otros. Son historias independientes pero con cosas en común, es decir, complementarias. Empecemos por el inicio del film, tras unos títulos de créditos fantásticos amenizados con la música de Jorge Aliaga, se inicia con Silvia relatando su momento anímico y mostrando felicidad por haber encontrado por fin el verdadero sentido a su vida: morir para salvar a los demás, dar la felicidad que ella no puede alcanzar a otros que si puedan. Abandonar su existencia infeliz para otorgar vida y prolongar la salud ajena.

A partir de ahí, se inician las 3 historias, 3 personajes los cuales han sido donados con órganos de Silvia: corazón, córneas e higado. En el film, ninguno de esos 3 personajes sabe usar con cabeza sus respectivos "regalos". Eso viene a decir que todos nosotros no apreciamos lo que tenemos ni la propia vida hasta que no ocurre algo grave, a los personajes les pasa exactamente igual. La historia de INÉS: El proceso de aprender a observar A Inés (Adriana Domínguez) le acaban de trasplantar las córneas. Es una forma de volver a vivir, de descubrir ese mundo imaginado por el tacto, de dibujar visualmente su entorno mediante ese continuo devenir de colores. En su historia, tenemos grandes planos, planos secuencias que muestran perfectamente la forma de abrir el campo como si fueramos Inés y descubrieramos la inmensidad del mundo y de los colores.

Los colores son muy presentes en su historia, desde el vestido naranja de su amiga Macarena (Katyna Huberman), el azul intenso del mar, los tonos del acuario (este tramo elegantisimamente rodado con steadycam). Dicho historia pasa de la oscuridad y casi desenfoque a tonos más claros y abiertos (ver ese final por ejemplo). También destacable es como Inés aprende a usar la mirada por primera vez, saber que la mirada es también seducción, y que es lo único que jamás miente (como también comenta Silvia en su videodiario). Ver esa escena en la cama con Román (Ginés García Millán) en donde dice en la oscuridad: "Quiero verte".

Es un episodio sobre como juzgamos con solo observar, sobre como miramos el mundo y como nos dejamos llevar siempre por las trampas que nos hace la vista en nuestras vidas, que muchas veces son puras ilusiones. La historia de MATEO: Como aprender a rectificar o como enderezar una vida marginal Mateo (Víctor Clavijo) acaba de ser operado de trasplante de hígado. Su problema con el alcohol ya viene de lejos. Él vive en un entorno marginal, lleno de delicuencia y barrios obreros pobres. Al recibir el "regalo" de Silvia no lo valora, y al verse algo forzado por su personas del entorno, pues decide dejarse llevar , volver a beber, y de nuevo recaer en la delicuencia. En un trabajo, se queda inconsciente debido a sus problemas hepáticos y al haber consumido alcohol sin control, es detenido por la polícia y encarcelado un tiempo. Al salir decide de una vez por todas cambiar de aires y salir de todo eso. Se hace amigo de Rubén (Pablo Galán), un chico muy joven que ya está metido en ese mundo de la delicuencia, y él se siente como su protector y no quiere permitir que le suceda algo como a él, porque se ve reflejado en él ya que también empezó muy joven en eso.

Es un episodio que lleva a la reflexión, quizás el que más, y de nuevo la fotografía ayuda, y de qué manera, a mostrar el estado de los personajes. Aquí nos encontramos una fotografía de tonos ocres, amarillos, industriales, como de algo viejo, algo que ya no sirve, algo turbio. Una fotografía que es la representación gráfica del sitio donde vive Mateo, un sitio marginal. La historia de CARLOS: Como no valorar lo que se tiene y las consecuencias de las ansias de poder Carlos (Luis Tosar) es una persona a la que acaban de operar a vida o muerte y al fin se le ha podido realizar con total éxito el transplante de corazón. Él lleva el corazón de Silvia. A parte de eso, está viviendo una etapa laboral complicada, se siente ante la necesidad de conseguir algo decente ya que se siente responsable de su mujer e hijas. Ello le lleva a una fábrica a trabajar en una cadena de montaje de alimentación. Hace amistades con sus compañeros y parece que la vida no le va del todo mal. Le proponen ascender a encargado con lo que cobraria más y le darian total seguridad de continuar en la empresa. Él acepta y se compra una casa enorme en un lujoso barrio, podriamos decir que con ese trabajo "hipoteca" a su familia.

Su nuevo puesto no es lo esperado, deberá despedir a muchos de sus compañeros. Su corazón se volverá frío, su existencia monótona. De ahí los planos realizados por el director en este episodio, simples, directos, con un encuadre cerrado, bastante quietos como si se tratara del trabajo de Carlos e incluso la fotografía usada: tonos azulados y metálicos, metálicos por la fábrica y azulados por el cambio de carácter de Carlos, de ese corazón helado. las consecuencias del ansia de poder y de mejorar le llevan a enemistades. Aunque su fondo es bueno, todo ello lo hace por su familia.

A pesar de que pueda parecer un autentico cabrón, no es así, sufre muchísimo con todo esto e incluso le lleva a un amago de infarto. Pero finalmente sale de todo eso. El pilar del film: SILVIA Entiendo perfectamente a Silvia, entiendo que no le guste el mundo y que piense en suicidarse por ayudar a los demás, aunque en este último punto no estoy demasiado de acuerdo, no se ayuda a nadie con eso. Normalmente las personas que más sufren son muchas veces las que más valen y por las que merece la pena vivir en este mundo. Su diario conmueve y hace reflexionar sobre la absurda competencia del mundo actual y esta sociedad tan materialista y superficial.

Quizás si esta chica tuviera a gente a quien realmente le importara sería más feliz, mucho más. Su diario sirve de "guión anímico" para las demás historias, que en parte todas tienen algo de Silvia. El tramo/s en que sale Silvia está en un tono documentalista tipo camara de video claro está para diferenciarlo del resto de historias y dotarle realismo. Dionisio Pérez realiza un trabajo realmente sorprendente, poco conocido lamentablemente y sólido. Una historia de vidas que no se entrecruzan sino que son complementarias, una película sobre muchísimas cosas con multitud de detalles a destacar. Me parece fabulosa la decisión de rodar de forma algo diferente técnicamente hablando las 3 historias y el diario. La elección de usar diferentes fotografías para las historias es otro gran acierto y además tiene un porqué el uso de dichos tonos. Las actuaciones son maravillosas. Empezando por Bárbara Goenaga, que nos presenta una Silvia fabulosa. Sola ante una cámara (siempre mirando a cámara con la dificultad que conlleva eso) realiza sus monólogos ante cámara, una terapia "recetada" por su psicólogo. Una actriz que a mi me encanta ya no solo por su siempre excelente trabajo en el cine sino también por su belleza diferente.

Luis Tosar como siempre impresionante. Un actor de los que ya no quedan. Capaz como nadie de hacer desde personajes bondadosos hasta crueles. En esta película no es ya una sorpresa que esté genial, es lo normal en el gran Luis Tosar. Víctor Clavijo posiblemente tenga aquí una de sus mejores actuaciones, y es una de las más destacables del film. Un personaje llenísimo de matices, que tras su máscara de tipo duro tenemos a una persona con corazón y que valora a sus amistades y a quienes le quieren. Lo cierto es que tampoco me ha sorprendido, ya sabía de la calidad de Clavijo. Una gran interpretación que fue justa nominada al goya a mejor actor revelación. Me consta que se preparó muchísimo para este papel, entrevistandose con enfermos de hígado, transplantados y médicos expertos en el tema. Adriana Domínguez como Inés tampoco baja el nivel, ver cualquier escena del paso de ceguera a la visión. Fantástica esa escena por la calle tocando las ropas y cerrando los ojos. El resto del reparto ya secundarios, pues bien sin más. La música de Jorge Aliaga también muy acorde con el tipo de drama que se nos cuenta. El regalo de Silvia es una pequeña gran película y posiblemente semidesconocida pero en mi opinión funciona y está llena de cosas para elogiarla. Una película en donde me he sentido identificado en muchas cosas, algunas tristemente otras no tanto, y es que en el fondo esto es lo que busco en el cine: mensaje. Adiós Silvia.

Ciclo Martin Scorsese

2005-12-10T11:11:00.000+01:00

Quiero hacer un gran homenaje a ese director que partío de la nada, recordemos que tuvo una infancia muy dificil en la Little Italy en donde solo había religión y mafia, una persona que se cuestionó si encauzar su vida hace la fe (estuvo a punto de ser cura) o hacia el cine, sus 2 grandes pasiones, y gracias a dios (y nunca mejor dicho) cogió el camino de cineasta y nos entregó toda una obra llena de films ya míticos.

Martin Scorsese es uno de los pocos directores autores que quedan en activo, un director capaz de hacer clásicos contemporáneos consecutivamente, y en cuya obra encontramos elementos claros de él como pueden ser la religión, la redención, las clases sociales, el auge y el fracaso, etc... Espero que este ciclo, que constará de críticas sobre los films de la lista siguiente, sea disfrutado por aquellos a quienes adoran a este director pero también por aquellos a quien no les gusta y que quizás puedan darle una segunda oportunidad o aquellos que no conocen su obra y les haga interesarse por ella. La lista del ciclo será la siguiente (toda su obra en cine, no incluye sus documentales):

¿Quién llama a mi puerta? (Who's That Knocking at My Door?) - 1967
El Tren de Bertha (Boxcar Bertha) - 1972
Malas calles (Mean Streets) - 1973
Alicia ya no vive aquí (Alice doesn't live here anymore) - 1974
Taxi Driver - 1976
New York New York - 1977
Toro Salvaje (Raging Bull) - 1980
El rey de la comedia (The king of comedy) - 1983
After Hours - 1985
El color del dinero (The color of money) - 1986
La última tentación de Cristo (The last temptation of Christ) - 1988
Uno de los nuestros (Goodfellas) - 1990
El cabo del miedo (Cape fear) - 1991
La edad de la inocencia (The age of innocence) - 1993
Casino - 1995
Kundun - 1997
Al límite (Bringing out the dead) - 1999
Gangs of New York - 2002
El aviador (The aviator) - 2004
Lo próximo: The Departed - 2006

Confío en que os guste y sirva de homenaje a un director que me ha enseñado tanto como Martin.

Marie Antoinette de Sofia Coppola - Trailer & Fotos

2005-12-10T10:52:00.000+01:00

Uno de los films más esperados del 2006: Marie Antoinette y ya tenemos su trailer que aunque sea en Med-Res nos hace una idea de lo que puede ser. Fantásticas escenas, fantástica soundtrack (aunque solo sea para el trailer) y el inigualable 'toque S.Coppola' podemos ver en este avance. Os dejo con el trailer y las fotos:

TRAILER DE CINE

Hotel Rwanda - Terry George (2004)

2005-12-09T15:36:00.000+01:00

Hace once años, mientras el país de Ruanda caía en la locura, un hombre prometió que protegería a la familia que amaba y acabó por encontrar el valor para salvar a más de 1.200 personas. Hotel Rwanda narra la ejemplar historia del héroe de la vida real Paul Rusesabagina (Don Cheadle), gerente de un hotel de Ruanda que hizo acopio de su valentía y astucia para liberar a más de mil refugiados de una muerte cierta durante la guerra civil entre tutsis y hutus. Mientras el resto del mundo cerraba los ojos, Paul abría su corazón y demostraba que un hombre bueno puede cambiar las cosas. Hotel Rwanda es una notable película que a banda de su ya de por si calidad, estamos sobre todo ante un film necesario. Una película sobre uno de los mayores genocidios de la historia y a la vez injustamente olvidado. El trabajo de T. George es pulido, sabio y que nos adentra en el horror eludiendo imagenes macabras y sabiendo siempre que enseñar o no, usando la sugerencia y el miedo, nunca cae en mostrar algo de forma explícita, más bien está en terrenos donde circula la elegancia. Hotel Rwanda pudo ser una extraordinaria película, pero se queda en un notable film. Creo que debería haber sido una radiografía sobre el momento vivido en Ruanda, más detalles sobre algo de la importancia de la muerte del presidente del país, más informnación sobre el conflicto y sobre algunos de sus personajes que quizás estén regularmente construídos y en ocasiones se echa en falta un tono más documentalista. Se centra casi en exclusiva en lo ocurrido en el hotel y a sus "habitantes" cuando creo que podría ser un acierto haber dado una visión algo más general de esta guerra étnica y hacer algo totalmente maestro. Aún así, estamos ante un film maravilloso, con un ritmo narrativo fantástico, una banda sonora muy adecuada, emotiva y bien orquestada y con unas actuaciones brutales. Este film es uno de esos films que deberían verse por obligación en Versión Original, y si digo esto es por apreciar al 100% las impresionantes actuaciones de Don Cheadle, un actorazo de esos que crean escuela, con una actuación desgarradora, llena de emotividad, se deja literalmente la piel en pantalla, lleva todo el peso del film, su acento africano dado a su personaje dota de un increíble realismo. Sin duda, él es el film. Una nominación al oscar merecidísima. La actriz que hace de su mujer (Sophie Okonedo) también realiza una actuación bastante destacable, pero ni muchísimo menos está al nivel de Cheadle. Otros actores como Nick Nolte o Joaquin Phoenix están bastante regular, uno por tener un perdonaje algo plano y para nada complejo, y el otro por tener una actuación absolutamente casi testimonial. Nadie hace sombra a Don Cheadle en este film, un personaje que cuesta de olvidar. Hotel Rwanda es ante todo una película de mensaje, y muy visual. Esas escenas nocturnas de ese camino devastado lleno de cadáveres realmente conmueve, o ver esos conflictos, ese falta de compromiso de las Naciones Unidas y del resto del mundo ante tal genocidio, esa desesperación de un hombre que daria la vida por los suyos y que convierte ese hotel en una especie de Arca de Noé salvadora, esa escena buscando a su família por el hotel pensando que se han suicidado vale oro. Es increíble hasta que límites puede llevar la xenofobia, la locura y la irracionalidad en época de guerra civil. ¿Como se puede matar a niños a machetazos? En definitiva, el conflicto entre hutus y tutsis es una de las etapas más sangrientas, desagradables, miserables y lamentables de la historia de la humanidad. Sin dudarlo, Paul Rusesabagina (Don Cheadle) es uno de esos héroes desconocidos, semiolvidados como fue por ejemplo Oskar Schindler que en mi opinión son merecedores de los más altos elogios por su humanidad y su ayuda en tiempos difíciles. Personas como ellos hacen que la vida en este mundo pueda tener sentido, y hacen que la esperanza continúe dentro de todos nosotros. Ojalá más gente fuera como ellos. Cerca de 1 millón de personas murieron, vidas arrebatadas, familias eliminadas, vidas rotas por desalmados. Es dificil decir esto, pero la vida continúa y solo cabe esperar que jamás se vuelva a repetir nada similar, para ello, este film es una buena excusa, y de ahí que sea tan necesario, ya que se debe conocer la historia para no repetirla y no caer en los mismos errores.

Fotogramas #6

2005-12-06T15:51:00.000+01:00

Fantástica la escena de "los teléfonos" en una de las mejores comedias románticas de los últimos años, dirijida por Richard Linklater de forma soberbia, recordemos que está prácticamente en tiempo real, por tanto, hay mucho plano secuencia y largo y claro está eso es un alarde técnico brutal, e interpretativamente colosal, tanto Ethan Hawke como Julie Delpy están en estado de gracia. Ganó el Oso de plata al mejor director en el Festival de Berlín.

Antes de amanecer (Before Sunrise) - Richard Linklater (1995)

Films a descubrir: Paradise Now

2005-12-05T06:37:00.000+01:00

Dos jóvenes palestinos, Khaled y Said, amigos desde la infancia, son reclutados para inmolarse en un atentado suicida en Tel Aviv. Después de pasar una última noche con sus respectivas familias y sin poder despedirse de ellas, les atan bombas al cuerpo y les llevan hasta la frontera con Israel. Pero las cosas no salen como se esperaba y acaban por separarse. Cada uno deberá enfrentarse a su destino y a sus convicciones. La película, rodada en Nablus, muestra el día a día de personas en circunstancias desesperadas. Explora las razones legítimas que llevan a enfrentarse a la ocupación. Esta polémica cinta que aún no he visto pero auguro que seguramente tendrá calidad, ha estado en la sección oficial del Festival de Berlín en donde ganó nada más y nada menos que 2 premios entre los que se incluyen premio de la crítica, Premio ángel azul al mejor film europeo, tb ha ganado el premio Amnistía internacional, ha estado seleccionada en el Festival de San Sebastián en la sección Zabaltegi. Además también fue seleccionada en festivales como Toronto y Sundance. Se comenta que es muy posible que sea nominada a mejor película extranjera, aunque viendo los temas que trata, permitanme dudarlo. Por calidad es posible que se lo merezca, pero ya sabemos lo políticos que son esos premios. Os dejo con el trailer del film: TRAILER DE CINE HI-RES

Fotogramas #5

2005-12-04T13:04:00.000+01:00

Esta memorable escena en la historia del cine, al verla solo podemos pensar en una cosa: TRAICIÓN. Grandisima película de apertura de la extraordinaria trilogía de Vietnam de Oliver Stone. Qué grandes Willem Dafoe, Tom Berenger y Charlie Sheen.

Platoon - Oliver Stone (1986)

Próximos lanzamientos en dvd:

2005-12-03T20:56:00.000+01:00

Bueno bueno bueno.... se me cae la baba con lo que nos va a llegar. Tarde de perros: Edición Especial (2 dvds): Por fin se dignan a editar films de Lumet en condiciones... tengo ganas de ver a Pacino en esta peli en digital y en VO claro :)

La hija de Ryan: Edición Especial (2 dvds): Poco a poco vamos completando la filmografía del gran David Lean, yo ya tengo unas cuantas y estaba esperando que saliera esta gran película, y por lo que veo, saldrá en condiciones.

Grupo Salvaje: Edición Especial (2 dvds): Una de las mejores películas que he visto. Un excelente western filmado de forma maestra por el gran Peckinpah.

The frighteners: Edición Especial & Extendida (4 dvds): Película friki de Peter Jackson que debería estar en todas las dvdtecas que se precien. Maravillosos personajes :P

Fanny & Alexander Edición Limitada (4 dvds): Uno de los mejores Bergman.. eso si, la versión para televisión es ultralarga, hay que verla bien despiertos. Gallipoli: Edición Especial: Estupendo film de Peter Weir con Mel Gibson.

El Show de Truman: Edición Especial: Colosal película en todos los sentidos. ya era hora que saliese una edición especial de este film.

Único Testigo: Edición Especial: Fantástica edición para este clásico moderno.

Misión Imposible: Edición 10º Aniversario: La de De Palma es posiblemente la mejor de la trilogía, esperemos que la edición esté a la altura.

Vivir Edición Remasterizada: Mi película favorita junto a 2001 de Kubrick y me dicen que van a sacar una edición remasterizada :o :o Ojalá sea el máster Criterion... rezaré para ello :P

Millenium Actress: Un film anime que llega con un retraso monumental. Por el trailer pintaba cojonuda.

Ben-Hur: Edición Especial (4 dvds): Un clásico del cine. Absolutamente imprescindible film de Wyler.

Final Fantasy VII: Advent Children: Edición Especial (2 dvds): Saldrá en dvd en Enero del 2006. haber que tal la pelicula.

y muchas más.... Larga vida al dvd, ...no tiene mucho sentido decir esto porque el HD-DVD y el BlueRay están a la vuelta de la esquina, pero bueno... yo de mientras, seguiré comprando mi (hasta ahora) formato favorito :)

Mo gik AKA The Promise: Posters & Trailer

2005-12-03T12:51:00.000+01:00

Chen Kaige vuelve a la carga con una superproducción fantástico-épica protagonizada por Hong Chen, Cecilia Cheung y el siempre excelente Hiroyuki Sanada. Por los posters y el trailer el film puede ser dos cosas, o una producción épica interesante con trasfondo fantástico o una tortura visual sin ton ni son como a veces ocurre en el cine hongkonés (The legend of Zu) o japonés (Casshern). De aquí unos meses saldremos de dudas, pero no me fío demasiado xD TRAILER DE CINE

Match Point - Woody Allen (2005)

2005-12-02T20:32:00.000+01:00

Obra mayor. Eso es lo que es Match Point dentro de la filmografía de Woody Allen. Una película sumamente inteligente y quizás atípica si miramos trabajos anteriores del director. Un film sobre el juego de la vida, sobre su azar. Sobre la importancia de dar un buen o mal paso en tu vida, sobre el papel esencial de la suerte en nuestras vidas, sobre la fina línea de una red que separa lo bueno de lo malo, la suerte del fracaso. No llega a extremos absolutamente maestros como nos presentaba el azar Paul Thomas Anderson en su monumental Magnolia, pero aún así estamos ante posiblemente una de las mejores películas del año. Si hay justícia debería estar nominada a unos cuantos oscars. Una película ante todo valiente en los tiempos que corren, ya era hora que el bueno de Woody se arriesgase. Enhorabuena campeón jeje. Bueno, de hecho, creo que su cambio a mejor empezó ya con Melinda & Melinda una estupenda película que yo la califico de "película dual y complementaria", son 2 peliculas en 1, con dialogos algo complementarios y una dirección sencilla pero sólida. De dicha película, a recordar la genial creación doble de Radha Mitchell (oscar para ella ya ! xD), que ya estaba estupenda en Man on fire por ejemplo. Volviendo a Match Point, Allen nos ofrece un relato sobre el poder de la pasión unida a la obsesión. ¿Mantener una vida segura pero infeliz, o jugarsela?. La metáfora del juego en el film está presente siempre, y eso la hace especial.

Que él sea jugador no es casual, .. ¿Porque los mejores jugadores van a saber afrontar todos sus "partidos"? A veces el mejor es a la vez el peor, a veces la suerte del ganador se convierte en tu ruina personal, a veces el corazón no existe y depende tanto del azar de la vida que el amor se transforma en horror. Match Point es una jugada sobre la vida, es un saque que no sabes si pasará la red o no, una red que separa la normalidad de la anormalidad, lo racional de lo irracional, la bondad de la locura. Woody Allen sinceramente vuelve a entregarnos una obra rica en detalles, en momentos dignos de reservar en nuestra memoria ya sea por su quizás no aparente profundidad, por su plasmante realismo, por la belleza de su simpleza.

Desde que Allen rueda en UK todo le va mejor, ya pasó con Melinda & Melinda que era una buena película, pero permitanme decirlo, Match Point es lo más cercano a una obra maestra. Allen siempre ha sido un extraordinario director de actores y en esta ocasión no iba a ser menos. Impresionantes están Jonathan Rhys-Meyers y Scarlett Johansson y muy convincentes. Sobre el final ,de hecho, creo que el protagonista tuvo mala suerte dentro de la buena suerte. El castigo de la conciencia es mucho mayor, así, que que el anillo no pasará la barra/red es una excelente metáfora de punto perdido, y muchos dirán... No, porque luego se lo encuentra otro que es un ladrón y es a quien acusan y él se queda inmpune, cierto... pero sigue siendo un punto perdido. En el fondo será un desgraciado toda su vida atormentado por su conciencia, aún teniendo família e hijos, ¿Hay algo peor que eso?. Es mi opinión, y bravo a Woody Allen porque se aparta del resto de su filmografía y por fin hace una obra mayor como esta dentro de sus últimamente anteriores films menores y algo mediocres, a excepción de Melinda & Melinda que es estupenda claro. Una joya que estoy seguro que muchos infravalorarán.

Jack Sparrow comes back !

2005-12-02T19:12:00.001+01:00

Bueno.... los piratas han vuelto y con más personajes, más localizaciones y más todo. En verano del 2006: Pirates of the Caribbean: Dead Man's Chest. Pronto, cuando tenga más tiempo, comentaré por aquí la primera parte, que tras darle varias oportunidades al final me resultó una digna película de aventuras, quizás con un humor en ocasiones un pelín infantil, pero bueno, siendo de Disney y teniendo detrás a terroristas del cine como Bruckheimer, salió algo bastante decente. Y unas actuaciones de Depp y Rush absolutamente memorables. Aquí os dejo el teaser que promete ofrece algo tan divertido y tremendamente entretenido como su antecesora. A disfrutar de este teaser.... eso sí, ojalá se carguen al personaje del tomatito Bloom... que tio más malo XD Teaser de cine "Y ahora, rumbo al horizonte. ¡Brindad compañeros! yo-hou! Un gran pirata soy!"

AUTUMN REMEMBRANCE: Lo próximo de Zhang Yimou para el 2006

2005-12-01T15:05:00.000+01:00

Vuelve el Yimou intimista y minimalista que tanto gusta a los cinéfilos, y supone también un inciso a su futura trilogía Wuxia (Hero, House of flying daggers, y otra película que hará con Jackie Chan y según comentan será revolucionaria en el género). Esta vez cuenta en el reparto con Chow Yun-Fat y su antigua musa y excelente actriz Gong Li. Por primera vez en unos cuantos años no aparece Zhang ZiYi en un film suyo. Todo lo que haga Yimou siempre es de calidad, o casi siempre, a los que no conzcais demasiado a este director echar un vistazo a obras suyas de tanta calidad como pueden ser La linterna roja, Ni uno menos, El camino a casa, Sorgo Rojo, Happy Times, Hero o La casa de las dagas voladoras. Aquí os adjunto imagenes del rodaje y sus localizaciones de tan esperada producción.

"ABISMO" por Ramón Cervantes

2005-11-29T17:51:00.000+01:00

Aquí os dejo este texto corto de mi gran amigo Ramón Cervantes, que es un autentico placer publicartelo y que puedas colaborar en este blog. Yo tengo mis impresiones sobre el relato, pero creo que está abierto a unas cuantes interpretaciones todas ellas igualmente válidas.

Sé que no es nada relacionado con cine, pero bueno, creo que mi amiguete ramón se merece este post :) "ABISMO" por Ramón Cervantes A Teresa

Lo había decidido. Sin marcha atrás. Estaba sola. Sus ojos brillantes, mirando al horizonte. Su cuerpo firme, como una bailarina de ballet. Sus pies, pegados a la barandilla.

Bajo ella, el vacío. Cerró los ojos, despegó los pies de la barandilla y el tiempo se detuvo.

Mientras caía, pasaron por su memoria los recuerdos: la sorpresa que se llevó cuando su madre la llevó al circo a ver los payasos; el beso que le dio aquel chico que tanto le gustaba a escondidas en el patio del colegio; cuando la eligieron reina de las fiestas; el día que entró a formar parte del coro; un chico al que prometió llamar; el momento en que veía a su madre salir de quirófano y, al cogerle de la mano, le prometió que nunca la abandonaría.

Fue entonces cuando sintió una fuerte presión en su cintura que tiraba de ella. La cuerda que rodeaba su cuerpo la dejó colgando, tambaleándose de un lado a otro, como el péndulo de un reloj de cuco que vuelve a ponerse en marcha.

Lady in the water

2005-11-25T17:22:00.000+01:00

Ya queda menos para ver lo último de M.Night Shyamalan, un extraordinario director que sus proyectos siempre son esperados y posteriormente deslumbrantes. En este caso estamos ante un film totalmente atípico en la discografía del hindú, con un punto de partida argumental raro pero.. no me digan que no puede ser fantástica esta película. Shyamalan en la dirección, Paul Giamatti y Bryce Dallas Howard como protagonistas, James Newton-Howard como músico, Christopher Doyle en la fotografía, uno de los mejores fotografos a nivel mundial que trabaja casi en exclusica para el cine asiático, en una película que creo que será extraordinaria, tengo ese presentimiento. Ahora disfrutad del sugerente teaser con la bella música de Josh Groban para Il Postino. TEASER DE CINE

COLDPLAY... en directo

2005-11-24T20:29:00.000+01:00

Sé que este es un blog de cine, pero tenía que dedicarles un post a mis amiguetes de Coldplay, un grupo ya mítico del panorama actual a pesar de llevar tan pocos años.

20 Nov 2005- Barcelona- Palau Sant Jordi: El Día que por fin vi a ColdPlay en concierto Tras no muchas horas de cola pero un frio polar de cojones, empezamos la carrera literalmente dicho hacia el interior de tan bonito recinto para posicionarnos lo más adelante posible para disfrutar mejor del espectáculo. Los que hicimos cola tuvimos nuestro premio: estar delante y verlo perfectamente. Primero los preparativos... apareció el Rijkaard por ahi , con su sosería habitual , en donde se cantó el oe oe oe por la colosal victoria en tierras blancas. Y luego a las 20:15 salio el loco de Chris Martin ante la locura colectiva xD a presentar a los teloneros Goldfrapp. La chica salió con una energia que un poco más y tira pal suelo xD pero bueno, dieron potencia y contundencia al asunto, y despertaron al personal con su música electrónica. Luego vinieron los reyes del mambo: Coldplay, el cuarteto británico se inició con la excelente Square One y siguió con más éxitos como Politik, Speed of Sound, In my place, White Shadows, Fix You, etc.... El concierto simplemente fue orgásmico, brutal y memorable. Si, es verdad, solo duro casi hora y media,... pero que hora y media dios. Cachondeo con el barça-madrid, globos volando durante Yellow, juego de luces y video espectacular, Chris Martin por las gradas cantando In my place, todo el palau cantando Fix You,.... Su música llenó todo el Palau y convirtió esa noche en algo inolvidable. Gracias.

Plan de vuelo (Flightplan) - Robert Schwentke (2005)

2005-11-15T07:02:00.000+01:00

Jodie Foster, desgradiadamente para nosotros, llevaba unos 2 años sin aparecer por pantalla salvo ese papel secundario y no menos excelente en el film francés Largo domingo de noviazgo de Jeunet, y eligió Flightplan para volver. Estamos ante un thriller, bien llevado por parte del director, con tramos decentemente rodados, con actuaciones irregulares y después explicaré porque y con un guión que, permitanme decirlo, creo que es inverosímil, no es que sea rematadamente malo pero tampoco es bueno. Para empezar partimos de la premisa siguiente: una madre llamada Kyle Pratt (Jodie Foster)acaba de perder a su marido y junto a su hija suben a un avión hacia Nueva York para enterrar a su marido. En el transcurso del vuelo Berlin-Nueva York desaparece la hija de Kyle (Foster) que intentará encontrarla desesperadamente en todos y cada uno de los rincones del gigantesco avión. La madre desolada y presa del pánico, remueve donde sea para conseguir encontrar a su hija. Visto que las azafatas no le hacen excesivo caso, exige hablar con el Capitán Rich (Sean Bean) que tras muchas discusiones si realmente ella subió o no con su hija, autoriza que se busque a la niña. En ese momento aparece en escena también el agente de seguridad Carson (Peter Sarsgaard). A partir de ahi se complicará tremendamente la situación hasta casi poner en peligro la seguridad del avión y la de su tripulación.

En Flightplan hay varias cosas que no me convencieron. Para empezar su guión, que como he dicho antes no es rematadamente malo, pero es totalmente inverosímil. A parte de ello, el supuesto plan de vuelo me parece no solamente lleno de posibles problemas secundarios, sino que por su elevadísimo riesgo y su limitadisimo margen de error no me cabe en la cabeza como se llevó a cabo, es más, es que el plan me parece bastante estúpido y muy dificil de controlar. Aún así, el film me pareció entretenidísimo, lleno de momentos angustiantes, más o menos bien rodada, decentemente fotografiada, con una música por parte de Horner nada novedosa como es una triste costumbre en él últimamente, unos efectos digitales de 4 duros, etc...

Momentos como el enfrentamiento con los árabes es muy real y actual, en este tipo de situaciones en donde el terrorismo está en mente de todos, pero sin duda el momento por excelencia del film es la entrada de Jodie Foster hacia su asiento seguida del agente Carson y todo los ocupantes del avión levantandose y aplaudiendo mirandola como si se tratase de una chiflada, una enferma mental, fantástica escena.

La atmosfera de suspense en el film hay que reconocer que está conseguida.

La película tiene más de una referencia pero la más clara de todas es sin duda Panic Room de Fincher, justamente con Foster también, ya que a parte de las innegables similitudes en cuanto a trama y manera de presentar el suspense, también incluso diría que la dirección bebe del Fincher de Panic Room, guardando las distancias claro.

2 ejemplos claros pueden ser el plano secuencia digital que recorre los 2 pisos del avión guarda muchísimas cosas parecidas al de la cinta de Fincher cuando va desde el piso de arriba de la casa hacia la puerta en donde están los ladrones. Otro ejemplo sería el ralentí que se produce cuando Foster recuerda porque le sonaba una persona del avión, que a la vez nos recordó a todos esa bella y estilista escena de Panic Room cuando va a coge el movil Foster y se le cae una lampara y los ladrones empiezan a subir el piso. Ambas escenas también muy DePalmianas, aunque claro, la del film de Fincher está a años luz en planificación a la citada escena de el film del alemán. Sinceramente, en mi opinión, Panic Room es bastante mejor como film que Flightplan. Las actuaciones son irregulares. En cuanto a Jodie Foster, nada que acatar, está fabulosa, impresionante como siempre. Ojalá al año hiciese más películas. Una buena actuación No podemos decir lo mismo de Peter Sarsgaard, un actor que últimamente va de más a menos, recordemole en su estupenda actuación en El precio de la verdad, en cambio en Flightplan más ya que una mala actuación, casi habría que pensar en un serio error de casting. No se le ve cómodo en su papel, no actúa, simplemente se pasea por la pantalla. Decepcionante actuación de Sarsgaard para su incursión en el cine comercial. El resto, Sean Bean, Erika Christensen etc... pues cumplen con su función y poco más.

Tampoco me ha convencido su final, que lo esperaba que sorprendiera más o que fuera más perverso xD.

Una pelicula recomendable, mil veces mejor que cosas como Vuelo Nocturno de Craven aunque con más pretensiones, y que hará pasar una tarde fantásticamente tensa. Eso sí, el poster es horroroso.

De Palma's The Black Dahlia

2005-11-14T16:42:00.000+01:00

El 2006 tiene algunos platos fuertes, para mí uno de los mayores, es la adaptación al cine de la novela de James Elroy (L.A. Confidential) The Black Dahlia, dirigida ,casi seguramente de forma maestra, por Brian De Palma. El siguiente es el poster francés del film.

Tras la estupenda y cinéfilamente orgásmica Femme Fatale, de nuevo se adentra en el thriller, en el cine negro , algo con lo que De Palma puede jugar y muy bien, y con un buen reparto que va desde las excelentes Scarlett Johansson y Hilary Swank, el casi siempre convincente Aaron Eckhart y el algo limitado Josh Hartnett que espero que me sorprenda en este film.

Yo voy preparandome el babero para el 2006 para cuando se estrene la última de ese señor llamado De Palma que sin duda es la verdadera estrella de sus películas. ¿Habrá plano secuencia inicial de nuevo? Yo creo que sí :)

Universal España: LAMENTABLE

2005-11-14T13:07:00.000+01:00

Indignado, eso es lo que estoy, tras comprobar que Universal Iberia España sigue haciendo de las suyas y continúa con su falta de respeto al consumidor.

Srs de Universal, no somos tan tontos como parece, sabemos lo que compramos y no nos podran engañar con sus ediciones aparentemente (y solo aparentemente) especiales. Una lástima que películas del calibre de estas haya que comprarlas fuera cuando en el país vecino mismo las tienen en condiciones.

Recordemos casos tan sonados como el primer pack de regreso al futuro (fallos en encuadre de la 2a y 3a pelicula de la saga), ET el extraterrestre E.Coleccionista (no se incluye el audio original en español), se reeditan las ediciones anteriormente distribuidas por Columbia exactamente igual, es decir, sin incluir subtítulos en español ni subtitular extras, etc... y cuando parecía que llevaban un tiempo haciendo más o menos bien las cosas, de nuevo vuelven a las chapuzas. Los Casos: Psicosis Edicion 45 Aniversario y Matar un ruiseñor: Edición Especial. Ambas. clásicos, obras maestras absolutas del cine y miren lo que han hecho....

Para empezar, el caso de Psicosis (de la cual han editado en 2-3 años aproximadamente 4 ediciones), la edicion especial en cuestión consta de 2 discos, pues bien se ha usado el primer disco de la edicion anterior, es decir, de nuevo con esa lamentable imagen y peor sonido, cuando en Zona 1 poseen en esta edicion conmemorativa un nuevo dvd con el film remasterizado de imagen y sonido. Inadmisible.

En el caso de Matar un ruiseñor EE es ya gravísimo, ya que a parte de no tener mejora anamórfica y no ser el mismo máster del dvd editado no solo en EEUU sino en el resto de Europa, NO CONTIENE SUBTITULOS EN CASTELLANO. De nuevo, nos quedamos sin el master del resto del mundo, y continuamos teniendo el mismo de la patética edicion anterior, solo porque unos señores han decidido quitarse de encima las copias que quedaban. Lo de los subtítulos es tercermundista, y claro está, no los incluye tampoco en los extras que lleva el disco 1. En fin, creo que voveremos a comprar tras un tiempo en play.com, la edicion de UK que es como dios manda y no este timo. Lamento que hoy en día aún pasen estas cosas, porque somos muchos los que vemos los films en VOSE, aunque crean que no.

Lo más esperado: Sympathy for lady Vengeance

2005-11-06T09:59:00.000+01:00

Lo último de Park Chan-Wook, que cerrará su trilogía de la venganza, es de las películas más esperadas en mucho tiempo. Estamos hablando de Sympathy for Lady Vengeance, que cerrará tras las estupendas Sympathy for Mr. Vengeance y OldBoy. Un portento de director, perfeccionista, estilista, fantástico, y con un casting que reune de lo mejorcito de Corea del Sur.

Existen 2 versiones del film (en color y en B/N), en las salas se proyectará la de color, pero en el dvd coreano (Z3) es posible que se incluyan ambas versiones.

Aquí os dejo con los posters, fotos y el increíble trailer del film... y que se estrene yaaaa!!! TRAILER de cine: AQUÍ

Próximos estrenos...

2005-11-05T11:13:00.000+01:00

De entre los próximos estrenos apuntan como interesantes:

KING KONG de Peter Jackson de duración aprox 175 minutos (una burrada) y que está teniendo problemas de última hora con el equipo técnico ya que Howard Shore se ha desvinculado del proyecto y ahora James Newton Howard será el encargado de en 2 semanitas acabar la faena que dejó pendiente su antecesor. A pesar de ser un remake (cosa que le suele restar puntos) , cuenta con un casting fabuloso (Watts, Brody, Black, etc...) y con unos efectos digitales de Weta Digital a priori brutales. El poster de dicho film ha tenido cantidad de evoluciones, el gorila Kong ha sido de lo más mutante que se ha visto en los últimos tiempos, pero en fín, esperemos que el film sea entretenido y que merezca la pena , pero sobretodo que no falte al respeto al gran clásico.

Trailer de cine AQUÍ

STAY de Marc Forster, director de la excepcional Monster's Ball y la decente Finding Neverland, ahora nos llega un nuevo thriller psicológico y toques fantásticos. Interpretada por los excelentes Ewan Mcgregor (Star Wars, Moulin Rouge, Trainspotting,..), Naomi Watts (Mulholland Drive, King Kong, 21 Gramos,...) y Ryan Gosling (The Believer, El mundo de Leland, El diario de Noa,...). Como mínimo será interesante viendo el equipo técnico y artístico, promete.

Teaser de cine AQUÍ

Birth (Reencarnación) - Jonathan Glazer (2004)

2005-11-03T06:24:00.000+01:00

NOTA: Este texto contiene Spoilers sobre el film.

“Si yo perdiera a mi esposa y al día siguiente un pajarito se parara en mi ventana, me mirara a los ojos y me dijera: 'Sean, soy yo, Anna. Regresé'. ¿Qué le podría decir? Creo que le creería. O querría creerle. No podría deshacerme del pájaro. Pero fuera de eso, no. Yo soy un hombre de ciencias. No creo en supersticiones.” Con esta sutil metáfora (o contradicción) y a continuación con un majestuoso plano secuencia se abre el film, mostrándonos bellos parajes naturales y la muerte de un hombre, con un elegantísimo movimiento hacia la oscuridad/muerte (túnel). El movimiento que describe la cámara es desde el propio tunel hacia atrás, es el propio personaje quien se aproxima a la muerte, simbolizada metafóricamente en esta escena por el túnel. La música orquestada en estos minutos es clarísimamente deudora del gran Bernard Herrmann.

Plano secuencia inicial

Diez años más tarde, Anna (Nicole Kidman) va a contraer próximamente matrimonio con Joseph (Danny Huston). Durante la celebración del cumpleaños de su madre Eleanor (Lauren Bacall) se presenta un niño (Cameron Bright) el cual quiere hablar con en privado. “Soy yo, Sean” le dice el niño a ella, como si él fuese la reencarnación de su difunto esposo.

Fiesta de cumpleaños de Eleanor (Bacall)

Tras decirle eso y enviarle una carta recomendando a que no se case con Joseph , tenemos la escena en que el padre de Sean le dice: “Quiero que le digas que nunca la volverás a ver ni a molestar”, todo ello delante de Anna . El niño repite una y otra vez: “No, no puedo”. A continuación ella totalmente seria ya, le dice: “No quiero que me vuelvas a molestar”. En ese momento sufre un desmayo. A partir de ahí tenemos una de las mejores escenas rodadas durante este año, la escena del primer plano de Anna (Nicole Kidman). Su expresión transmite preocupación, nerviosismo interno, ansiedad, tristeza, confusión, estado de shock etc. Casi 2 minutos de primer plano sin apenas pestañear ni derramar una sola lágrima consigue transmitir al espectador todas esas emociones. Un alarde de escena y una actuación asombrosa.

El famoso primer plano de Anna (Nicole Kidman)

Otra escena fantástica es la del encuentro entre Sean y Anna en el parque, justamente en el lugar donde murió su marido. Pero esta vez, si os fijais, y usando de nuevo un juego metafórico, el niño (Sean) sale de la oscuridad (túnel) a la luz (vida), una metáfora clarísima de alguien reencarnado. Sean desea demostrarle mediante pruebas o detalles que es realmente su difunto marido y que la quiere, aunque no se da cuenta que está dañando a Anna. Anna le ha costado muchísimo olvidar y superar la pérdida de su marido, y como les dice Anne Heche y a Peter Stormare (amigos de su difunto marido), no quiere volver a enamorarse de él. Como escena polémica, la de la ducha con ese cara a cara entre Nicole Kidman y Cameron Bright. Una escena formalmente soberbia. Anna, acaba enamorándose de Sean, viendo en ese niño a su difunto marido ya que es imposible que sepa tanto de su vida, de sus intimidades, de su familia,... Más adelante, vemos el primer encuentro entre Clara (Anne Heche) y Sean (Cameron Bright), la cual le lleva al lavabo y le da su dirección nueva. He aquí una de las claves del film con la frase: “No le digas nada a Anna”, que no se refiere a la dirección, sino a su relación de amante con ella (premisa aún no dicha en el film por cierto).

La expresión de Sean lo dice todo.

Encuentro en el lugar del fallecimiento.

Anne Heche el día de la celebración por el anuncio de la próxima boda entre Anna y (recordad, al inicio del film), iba a entregarle a ella las cartas de amor que le escribía a su marido y que éste le había entregado sin abrir para demostrarle su amor, porque en el fondo la odia, pero finalmente cambia de idea y las entierra. Todo ello lo ve Sean y las recoge. Ese es un punto que permite al espectador quizás pensar en falsas ideas e hipótesis ya que realmente el film juega constantemente en si Sean es una reencarnación o no del difunto marido de Anna. Birth es una de las mejores películas sobre lo que realmente significa renunciar por amor, renunciar a amar a alguien para no dañar. Un film sobre el amor verdadero y el que nunca muere. Mi interpretación del film es que el niño sí es una reencarnación de Sean, aunque el film apunte en ocasiones a que no lo es. Alguna gente puede pensar que Birth es una estupidez de película, sin sentido y con un argumento del todo tramposo, pero no lo creo así. ¿Quién sabe acerca de la reencarnación? Como es? Qué es lo que más recuerdas o que es lo que se olvida? Que es lo que hace que en nuestra vida memoricemos? , son las cosas bellas y las más horribles. No es solo una sucesión de dejà vú's. Por eso, me lleva a la conclusión de que para Sean lo que realmente le importaba era su amor por Anna, su esposa, que justamente es lo que más le interesa al niño.

La polémica escena de la ducha.

El film deja muy abiertas algunas posiblidades y eso es fabuloso en el cine, hacer partícipe al espectador de una obra, otorgarle el derecho de reflexionar sobre un film en donde se dan las pistas necesarias para cada uno poder tejer una estructura perfectamente tan válida como la de otra persona. El niño recoge las cartas dejadas por Anne Heche, y la abre y las lee. Con ello, el espectador puede pensar... es un niño paranoico, con problemas y que se ha enamorado de Anna y no ha encontrado mejor manera de acercarse a ella o llamar su atención que acerse pasar por su marido. Pero aquí viene una pregunta: ¿en las cartas de amor, acaso dice que Sean ha muerto? Como sabe tantas cosas de los demás familiares. Lo curioso es que en un principio puede parecer que no conozca nada de Anne Heche, justamente la única que persona que seguro no sale en dichas cartas, pero ¿por qué al inicio del film, Sean la sigue? La escena de la ducha hacía el final del film revela lo dicho, esa mirada triste del niño nos viene a decir que está mintiendo para no dañar a Anna. Prefiere que se enfade con él, antes que sepa que la engañaba. Una escena formidable y que resume el film. Anteriormente hay otra escena en la ducha mucho más polémica y que vista la naturalidad del personaje de Sean, realza la hipotesis de una verdadera reencarnación. Sean prefiere seguir con su vida de niño y hacer creer a Anna que todo fué una farsa a romper la memoria de su difunto marido, que en el fondo es él reencarnado. Finalmente, y tras la boda entre Anna y Joseph (Danny Huston), ver esa escena final en la playa, con Anna en lágrimas porque claramente en el fondo sabía que ese niño era Sean y que siempre le amará.

Anna realmente llega a creer que ese niño es su marido.

La dirección de Glazer (Sexy Beast) es brutal, de una sobriedad abrumadora. Su film sin duda me resulta muy kubrickiano (ver ese ambiente similar a Eyes Wide Shut), un film de corte clásico, también es bastante hitchcokiano en algunos aspectos. Planos secuencia, primeros planos de 2 minutos, planos cenitales, picados y contrapicados,.... un sinfín de grandes planos rodean esta película, en una dirección , en mi opinión, de absoluta escuela. La fotografía de Harris Savides es estupenda también, siempre con tonos algo oscuros y siniestros (cualquier momento en la casa de Anna, que me recordó fotográficamente a La semilla del diablo de Polanski). Buen trabajo fotográfico.

Las actuaciones son impresionantes y merecedoras de premios. Hay claramente 2 nombres destacables: Nicole Kidman y Cameron Bright. La primera por realizar de nuevo una de esas interpretaciones memorables y que increíblemente no estuviera en los oscars. El segundo por su madurez a pesar de su edad, por transmitir tantos sentimientos y emociones en tan solo una mirada, por su manera tan espectacular de llevar a cabo un personaje tan sumamente dificil y complejo. Del resto del casting destacan Anne Heche, en un pequeño pero intenso papel y Danny Huston cuyo personaje pasa de la felicidad mayor que se pueda conseguir a un día a día tormentoso y lleno de dudas, rabia y celos. Fantásticas creaciones ambas.

La escena de la renuncia por amor

la escena de la impotencia y amargura de Anna.

La música del francés Alexandre Desplat (La joven de la perla, Hostage) es deudora del gran compositor Bernard Herrmann, con toques de Vértigo entre otras, muy adecuada banda sonora para la historia que se mueve entre el minimalismo y la clasicidad. Finalmente, solo decir que Birth me ha parecido una grandiosa película, injustamente infravalorada, que no creo que solo pretenda ser un thriller, sino que es una bella historia de amor y renuncia de corte fantástico. Muy buena.

Fotogramas #4

2005-11-02T20:27:00.000+01:00

Esa antológica y sorprendente escena de baile de Napoleon Dynamite (John Heder), uno de los nerd más nerd de la historia XD. Increíble secuencia. Qué aprenda John Travolta :P Napoleon Dynamite - Jared Hess (2004)

Films a descubrir: Mirrormask

2005-11-01T18:41:00.000+01:00

MIRRORMASK (2005) Director: Dave McKean Intérpretes: Stephanie Leonida, Gina McKee, Rob Brydon, Jason Barry, Stephen Fry,... Helena, que siempre ha soñado con abandonar el puesto de palomitas en el circo de sus padres, nunca podía imaginar que un día acabaría despertando en un mundo paralelo poblado por las más extrañas criaturas y en el que las fuerza de la oscuridad pretenden acabar con la paz del fantástico reino en el que se ha visto recluida. Helena deberá encontrar un objeto de enorme poder para despertar a la Reina Blanca y lograr volver a casa. Un cuento fantástico que reúne los talentos del archiconocido guionista de novelas gráficas Neil Gaiman, el polifacético artista multimedia Dave McKean y la célebre compañía de Jim Henson. Tiene una pinta estupenda, la vuelta al cine de la compañía de Jim Henson con las últimas tecnologías. Veremos a ver cuando se estrene. Os dejo con el estupendo trailer. Trailer de cine: AQUÍ

Una historia de violencia (A history of violence) - David Cronenberg (2005)

2005-10-31T18:17:00.000+01:00

Tom Stall (Viggo Mortensen) lleva una vida feliz y tranquila con su mujer abogada y sus dos hijos en la pequeña ciudad de Millbrook (Indiana) hasta que una noche su existencia idílica se ve destrozada cuando frustra un violento intento de robo en su restaurante. Tom percibe el peligro y salva a sus clientes y amigos matando en defensa propia a dos criminales buscados por la justicia. Aplaudido como un héroe, la vida de Tom cambia de la noche a la mañana y de repente se encuentra convertido en el centro de atención de todos los medios de comunicación. Incómodo con esta fama no buscada, intenta volver a su vida normal, pero un hombre amenazante y misterioso llega a la ciudad para enfrentarse a él porque cree que Tom es el hombre con quien tiene una cuenta pendiente del pasado. Mientras Tom y su familia luchan contra este error de identificación e intentan afrontar la transformación de sus vidas, se verán obligados a plantear sus relaciones y los temas que les dividen. Una historia de violencia la defino como una absoluta bofetada de realidad y confirma que David Cronenberg es uno de esos autores dignos de reconocimiento ya. Spider supuso una extraordinaria aproximación al tema de la locura y la esquizofrenia interesantísima, ahora en Una historia de violencia aborda una historia de personajes en busca de la redención, con personalidades desdibujadas, con enfrentamientos entre lo familiar y lo violento, y quizás muchos digan que se aparta más de lo fantástico y se acerca más al género negro, en parte es cierto, pero conserva muchos elementos que la hace una obra muy cronenbergiana sin duda. El film es soberbio en todos los aspectos, en su ritmo (en absoluto crescendo), en su violencia cruda, realista, directa y que supone un acierto mostrarla de esa forma, en las actuaciones, en la madurez de la cinta, en el aroma clásico que desprende, en las references cinéfilas que hay. En fín, un enorme film sobre el entorno familiar y el pasado del cual en ocasiones es tristemente imposible escapar.

Sin dudarlo, estamos ante una película maravillosa formalmente y rodada de forma maestra, ver ese excepcional inicio (dificil de ver hoy en día por su inmensa sobriedad), la escena del jardín que es demoledora, la escena de sexo en las escaleras entre Mortensen y Bello es una de esas escenas que se recuerdan en mucho tiempo ya que representa perfectamente como ha cambiado su relación de pareja en los últimos días, en donde la violencia se apodera también del sexo, mostrándonos su lado más agresivo que nos recuerda a films como La pianista de Michael Haneke salvando las distancias (y menos mal jeje), cualquiera de los planos de tiroteos montados de forma perfecta y directa, las escenas con William Hurt que son de lo mejor del film y sin dudarlo ese final, esa forma tan elegante de acabar el film, esto es cine señores y señoras, qué final tan sutil, sublime y absolutamente minimalista. Finales así hacen que uno adoren el cine. Las actuaciones son maravillosas, profundas. Desde Viggo Mortensen que incluso me ha sorprendido, con un papel de un tipo que pasa en instantes de ser sensible y pacífico a alguien totalmente letal e imprevisible. Maria Bello me encanta. Es una actriz de un talento grandioso, una interpretación de una fuerza increíble. Vista en The Cooler donde está maravillosa, también sale en la recién estrenada The Dark.

William Hurt tiene uno de esos papeles que a pesar de ser cortos son de una intensidad enorme y está lleno de matices haciendonos creer un personaje muy bien construído por cierto. Ed harris, qué decir de él ya? Es uno de los grandes, y como villano lo borda siempre. Su perfomance (incluído física gracias a un estupendo trabajo de maquillaje) es fabulosa, llegando a inquietar como ya hizo en otros muchos films. En mi opinión como mínimo deberían estar nominados al oscar Maria Bello, Ed Harris y William Hurt, los 3 están cojonudos. A parte claro de la dirección, guión, montaje, efectos sonoros, etc...

El film aún siendo en ocasiones algo explicito en mostrar la violencia, es muy sugerente con muchas cosas, por ejemeplo en ese final SPOILERS lleno de miradas, de silencios, de segundas oportunidades, de aceptar a alguien que ya no es quien era, lo que es como si hubiera un extraño en la mesa , se le da para que se sirva pero con ambiente enrarecido. Y es que en el fondo .. Tom (Mortenesen) había dado tanto por su família durante todos esos años que la redención y el perdón se dan en esa mesa en donde de nuevo vuelven a ser una familia aunque solo sea por momentos. Esa mirada final vale oro. Eso es cine de verdad. FIN SPOILERS

Una joya que solo apreciarán algunos, ya que estoy segurísimo que muchas personas la calificarán que no es para tanto, o que es muy corta, o que se esperaban más, o que es un rollo... nada de eso señores/as, estamos ante una obra absolutamente rozando la maestría, con una realización de aupa y unos actores y atrices en estado de gracia. Tras Spider y ésta, por favor, nominen a ese puto genio llamado Cronenberg joder XD La violencia está presente en nuestras vidas, de alguna forma u otra, y sobretodo es innato en el ser humano por autentica desgracia. Eso es A history of violence.

El Método - Marcelo Piñeyro (2005)

2005-10-30T18:17:00.000+01:00

Basado en la obra de teatro homónima con el añadido Grönholm, para su traslado al cine lógicamente se necesitaba un gran casting y un excelente director, pero sobretodo un buen director de actores. Sin duda, Marcelo Piñeyro, director de las estupendas Cenizas del paraíso, Plata quemada o Kamchatka, lo es.

Para el film se contó con Eduardo Noriega, Ernesto Alterio, Eduard Fernández, Najwa Nimri, Pablo Echarri, Carmelo Gómez, Adriana Ozores y Natalia Verbeke ... casi nada. Piñeyro repite con gran parte de su equipo técnico (Alfredo F. Mayo, etc...) que usaba en Argentina, bueno, es que de hecho es una coproducción argentino-española. La historía va de lo siguiente: Madrid. Paseo de la Castellana. Manifestación de miles de personas. Fuerzas de seguridad anti-disturbios en las calles. Siete aspirantes a un alto puesto ejecutivo se presentan a una prueba de selección de personal para una empresa multinacional en un rascacielos de oficinas del complejo Azca. Entre ellos, las personalidades más dispares: el triunfador, el agresivo, la mujer insegura, el crítico, el indeciso... Tras un laberinto de formularios, acreditaciones y demás burocracia empresarial, los siete participantes se encuentran juntos en una fría sala a la que les ha conducido una secretaria, esperando a que de comienzo el proceso de selección... Desde ese instante, y en un clima de tensa competitividad, la inseguridad de los participantes se convertirá en miedo y dudas y estos a su vez en un estado de paranoia general. Tras presentarse con recelo los unos a los otros, se preguntarán si están siendo observados por cámaras o por qué la Compañía ha infiltrado un psicólogo entre ellos que les está ya examinando. Uno de los aspirantes hace alusión a un método de pruebas, similar al que sugieren, que se lleva en práctica en Estados Unidos. A partir de ese momento, los siete aspirantes al puesto serán sometidos a una serie de pruebas psicológicas con las que se pretende deducir cual de ellos posee el perfil que mejor encaja con los requisitos del voraz mundo empresarial.

A lo largo de un día, los aspirantes pasarán de las bromas y el juego inocente a las agitadas discusiones y las supuestas hipótesis y situaciones, donde se pondrá a prueba la personalidad de cada uno y la manera en que se relacionan con los demás. En este claustrofóbico clima de máxima desconfianza y absoluta falta de escrúpulos, se crearán alianzas, se producirán disputas, se revelarán secretos, se destaparán pasados... Y así, poco a poco, se irán eliminando participantes en lo que pasará a ser una mera y fría lucha por la supervivencia, nítido espejo del desalmado panorama laboral fuera de esas paredes de cristal y hormigón, en cualquier país capitalista partícipe en esta, nuestra economía global. El método, propone un reto psicológico como a la vez actoral, es decir, es una cinta de intriga y suspense digamos psicológico en clave de comedia negra, a parte, es una extraordinaria historia de personajes, en donde los propios personajes actúan para conseguir su objetivo. Las diferentes personalidades en la mesa de los candidatos son dispares, y según las situaciones muy variables, ello hace que el film mantenga la atención del espectador constantemente, el ritmo narrativo está perfectamente llevado y las actuaciones, sin duda fabulosas, ayudan a que nos interesemos por la trama. Personajes que se ven "encerrados" en un juego de pruebas estilo reality show, del cual saldrá el que más picardía y cabeza tenga. Se admiten apuestas ! Eduardo Noriega, el cual ya trabajó con Piñeyro en Plata quemada, lo veo un actor normalito, no es malo pero es algo inexpresivo y en este film no lo hace mal, pero bueno, creo que gente como Eduard Fernandez o Adriana Ozores le dan un repaso.

Najwa Nimri está estupenda, en una de sus últimas y mejores actuaciones hasta la fecha. Me encanta la voz de esta actriz. Buena actuación. Eduard Fernández está (como siempre) soberbio, es un actorazo y volverá a estar nominado al goya al mejor secundario. Sin duda, el personaje más carismático y rico de toda la película. Adriana Ozores, otra actriz que pelicula donde está se luce, ver ese cara a cara entre Noriega... fabulosa. Los demás: Alterio, Carmelo Gómez, Pablo Echarri y Verbeke están fantásticos en sus papeles también, incluido Natalia Verbeke que he leido que algunos la criticaban, en mi opinión pasa bastante bien la prueba. En definitiva, El método es una excelente película que nos recuerda por ejemplo a peliculas como 12 hombres sin piedad de Sidney Lumet, por su representación tan acertada de diferentes personalidades tratando una misma situación. Me alegro profundamente que el cine español este año haya levantado el vuelo después del horroroso 2004, y es que este año hay películas muy interesantes en la cinematografía nacional y que merecen un aplauso.

La vida secreta de las palabras - Isabel Coixet (2005)

2005-10-29T15:50:00.000+02:00

Su anterior película, Mi vida sin mí, no era más que la confirmación definitiva del talento de Coixet y que sin duda era una de las cineastas más prometedora e interesantes del paronama nacional.

Ahora se ha estrenado su última y a la vez esperada película titulada The secret life of words, aquí llamada La vida secreta de las palabras. De nuevo, rueda en inglés y repite con Sarah Polley. La película nos narra la historia de un lugar aislado en medio del mar: una plataforma petrolífera, donde sólo trabajan hombres, en la que ha ocurrido un accidente. Una mujer (Sarah Polley) enfermera, solitaria y misteriosa que intenta olvidar su pasado, es llevada a la plataforma para que cuide de un hombre (Tim Robbins) que se ha quedado ciego temporalmente. Entre ellos va creciendo una extraña intimidad, un vínculo lleno de secretos, verdades, mentiras, humor y dolor, del que ninguno de los dos va a salir indemne y que cambiará sus vidas para siempre. La vida secreta de las palabras es un film diferente, un regalo a los espectadores, lleno de mensaje, lleno de verdades sobre la vida, que nos cuenta la historia entre 2 personas, ella es alguien que ha sufrido mucho durante toda su vida, ello le ha hecho ser como es, le ha cambiado y la hace misteriosa e introvertida en ocasiones. Él ha sufrido un accidente y mientras es cuidado y curado mantiene una relación de amistad y posterior cariño con ella. El film está rodado fabulosamente, por momentos parece un film totalmente indie como ya pasara con la también extraordinaria Mi vida sin mí, en cambio en otros tiende a una filmación más clásica. Me ha gustado bastante como está rodada.

Sarah Polley ofrece otra interpretación llena de matices, profunda, que llega al corazón, una chica extranjera que ha tenido una vida llena de problemas, llena de preocupaciones, ... un papel maravilloso, emotivo y acentuado por el acento dado por la actriz. Me encanta Sarah Polley y sus interpretaciones en Mi vida sin mí, El dulce porvenir de Egoyan o el film comentado aquí !! Tim Robbins pues, qué vamos a decir ya de este actorazo, pues que aquí lo borda de nuevo. Una buena actuación, y remarcable que haya querido bajado su cache con tal de estar en el último film de Coixet. Javier Cámara está como siempre, convincente y totalmente natural. Siempre ha sido un gran actor. Atención a Leonor Watling que sale hacia el final en un cameo, y durante el film sale su voz en el mensaje telefónico del personaje de Sarah Polley.

Otra cosa destacable de la cinta son los dialogos llenos de verdades sobre la vida, y llenos de momentos bellos por su simpleza y minimalismo. La BSO tampoco está nada mal. Las peliculas de Isabel Coixet suelen ser bastante directas, suelen tratar temas duros pero con trasfondo esperanzador, sobre cosas de la vida con las que nos podamos identificar, sobre el sufrimiento, sobre el dolor, sobre la amistad, sobre el silencio, cariño, amor, emociones ... Y es que de todo eso habla La vida secreta de las palabras, habla del niño/a que tenemos dentro, habla del sufrimiento que representa el amor verdadero, habla de intentar olvidar/superar el pasado, habla de que no hay barreras, habla de que en un sitio aislado con gente aislada no es incompatible el aprecio, habla de que las mentiras no siempre es algo malo, habla de la melodía del silencio y de todos nosotros sin que nos demos cuenta. Muchas gracias Isabel.

Fotogramas #3

2005-10-27T21:57:00.000+02:00

Hoy, una de esas escenas que ya son míticas en la historia del cine. La escena entre un extraordinario Joe Pesci y el gran Ray Liotta en una de las obras maestras de Scorsese: Uno de los nuestros (Goodfellas). Como pasar de un ambiente festivo a uno tenso y lleno de suspense en apenas minuto y medio. Qué grande es Joe Pesci !!

Tommy deVito (TdV) -> Joe Pesci Henry Hill (HH) -> Ray Liotta TdV: Veréis chicos, lo que realmente tuvo gracia fue aquel golpe en el banco de Secaucus. Estaba echado en la hierba, se me acerca uno y me dice: ¿Qué haces? y yo digo: Descansando ¿Descansando aquí? como si estuvieras en la playa o en un parque. ¿Me tomas por gilipollas? ¿Es que no puedo descansar o que? Bueno, pues me trincaron y empezaron a hacerme preguntas, que si esto que si aquello, querían que soltará la lengua a fondo. ¿Qué iba a decirles? No sé nada en absoluto. ¿Hablar yo? Una mierda. El que manda me dice hoy vas a cantar de plano. Yo le digo, está bien, te diré algo: Vete a joder a tu madre. [risas] Luego me cae una lluvía de golpes pim pam pum. Bueno, ya me vistéis en el periódico, tenía la cara hinchada como un globo de verdad. De modo, que cuando recuperé el sentido resulta que me encuentro de nuevo frente a ese cabrón de mierda que me dices: ¿Vas a hablar ahora cabrón?, y le digo: ¿Pero que haces aquí no te dije que fueras a joder a tu madre?. [risas] Creí que me mataba. [risas] Cabrones! me dejaron como un tomate maduro. HH: Increíble, en esos momentos eres gracioso, muy gracioso. TdV: ¿Qué insinuas?... Di. HH: Pues nada, esa historia tiene mucha gracia, eres un tipo gracioso TdV: ¿Porque lo dices? ¿Por la forma en que hablo? uhhh? HH: Sí, claro. Eres gracioso. Me refiero al modo en que cuentas las cosas. TdV: ¿Gracioso por qué? ¿Qué tengo de gracioso? Anthony: Vamos, Tommy, no le interpretes mal TdV: Eh espera Anthony, es mayorcito, sabe lo que dice, contesta,.. ¿Gracioso porqué? HH: Yo.... TdV: ¿Qué...? HH: Yo solo he dicho que eres gracioso TdV: Vamos a ver si lo entiendo, porque quizás estoy algo bebido. Sí, es posible, pero ¿como soy de gracioso? ¿Quizás como un payaso de circo?. Te hago reir, crees que estoy aquí para divertirte. Bueno, ¿porque soy gracioso? ¿qué tengo de gracioso? HH: No sé.... es por como cuentas las cosas ya sabes TdV: No, no, yo no lo sé, lo dices tú. Tú eres el que dices que soy gracioso. ¿Porque demonios soy gracioso? Vamos !! que coño tengo de gracioso eh? Dime !! ¿qué tengo de gracioso? [momento silencioso y tenso] HH: Oye,.. no bromees conmigo, Tommy. TdV: Será cabrón, me ha descubierto, casi se la pego. Habéis visto como tartamudeaba. [risas] ¿A qué estaba temblando? [risas] A veces no sé que pensar de tí Henry, seguro que no aguantarías un interrogatorio [risas] Magistral escena para una de las grandes películas de la historia.

Notícia friki del día: por fin "The Fog" EE en mis manos !!!

2005-10-26T22:15:00.000+02:00

Pues si, por fin Universal se decidió a editar la edición especial de The Fog (La niebla), por esa (para ellos) tierra recóndita y llena de peligros e incultos xD llamada España. Sí si, srs de Universal, aquí también queremos disfrutar de las mejores ediciones en cuanto a calidad y si puede ser en un tiempo razonable,.... no esto. Y por favor, cuiden mejor sus productos por fuera, ya que la portada de esta edición parece hecha... ya no con Photoshop sino casi con Paint. Con la cantidad de portadas guapas de la película y van y me ponen esta, que justamente es la misma que la edición sencilla que ya sacaron pero con el pegote ese en medio diciendo "Edición 2 discos". Hoy en día aquí a todo se llama un buen diseño XD.

Bueno, fuera sermones, hoy toca estar contento (porque menuda edición :O), ya que por fin entra en mi coleccion una pieza de frikismo del Sr. Carpintero digoo Carpenter, una película con regusto ochentero y con toques de serie B de la buena. Pronto comentario peli & dvd en este blog.

En fín,... hoy es Navidad XD.

Fotogramas #2

2005-10-24T21:32:00.000+02:00

"It's the weirdest thing, I feel like I've been in a coma for about 20 years, and I'm just now waking up, ... ....Spectacular" (Lester Burnham- Kevin Spacey) American Beauty - Sam Mendes (1999)

El Aura - Fabián Bielinsky (2005)

2005-10-23T14:29:00.000+02:00

Esteban Espinosa (Ricardo Darín) es un hombre callado, seco, honrado. Es un taxidermista que gasta sus horas trabajando aislado en su taller, dando apariencia de vida a la materia muerta de sus piezas. Pero, detrás de sus ojos fríos, arde un deseo oculto, una obsesión, una extraña convicción para un hombre honesto: durante los últimos años, una y otra vez ha planeado e imaginado los asaltos más perfectos, exitosos siempre a fuerza de una inteligencia que, según él, lo diferencia de lo que pasa allí afuera, la lucha de “tontos contra tontos”: policías y ladrones. Él podría hacerlo mejor que nadie. Fabián Bielinsky vuelve tras las cámaras después de la excepcional Nueve Reinas, objeto de un reciente remake estadounidense titulado Criminal, y de nuevo cuenta con el gran Ricardo Darín pero esta vez abandona la comedia dramática de Nueve Reinas para adentrarse de pleno en un thriller lleno de momentos buenos y bien narrado. El aura nos narra la historia de un hombre llamado Esteban (Darín), un taxidermista, de una inteligencia y una memoria fotográfica abrumadora, que está pasando una mala etapa y que padece de epilepsia, que es justamente a lo que hace referencia el título, a los momentos (segundos) anteriores a tener un ataque de epilepsia. Esteban tiene la inteligencia y capacidad de hacer lo que se llama el atraco perfecto, en el mínimo tiempo posible y sin bajas ni problemas, es una idea algo enfermiza que ronda por su cabeza desde hace un tiempo.

Todo comienza cuando Estevan emprende un viaje con un amigo suyo para cazar, a raíz de ahí se verá envuelto en una serie de circustancias y con el tiempo se dará cuenta de que el atraco perfecto es casi una utopía. Lógicamente no explico más porque llenaría el texto de spoilers y no es plan. Bielinsky realiza en mi opinión una muy buena película, con elementos interesantes, narrada estupendamente y con grandes dosis de suspense. Usando la epilepsia del personaje de forma inteligente y ofreciendonos un film lleno de matices y con personajes bastante bien dibujados.

Una película en la que acompañamos al personaje en su descubrimiento de la trama, así a la vez cerrando la historia, de forma fabulosa. Ricardo Darín ofrece ,como es costumbre en él, una buena actuación, recordémosle en Nueve Reinas o El hijo de la novia y El mismo amor la misma lluvía ambas de Campanella. En esta, su personaje es mucho más oscuro que en ambas, quizás no nos haga identificarnos emocionalmente tanto como en El hijo de la novia, donde estaba sublime, pero su rol en El aura es fantástico, un personaje complejo, entre lo depresivo y la genialidad. El aura es un thriller de personajes, con buenas actuaciones y una preciosa música. Argentina es un país que siempre ofrece historias interesantes en bastantes de sus películas. Nueve Reinas es insuperable, pero El aura es también una buena película. Suramérica en los últimos años lleva ofreciendo una serie de trabajos deslumbrantes, el cine argentino y sobretodo el méxicano están en absoluto auge.

Fotogramas #1

2005-10-22T15:28:00.000+02:00

Iré poniendo de vez en cuando posts con un fotograma que destaque de algunas películas, ya sea por su belleza, por lo que signifique o por su fotografía, entre otras cosas,...

Para empezar, os dejo este genial plano cenital de Sin City representando la cama con un corazón (amor verdadero, entre los personajes de Mickey Rourke y Jaime King) y la creciente amenaza (el personaje de Elijah Wood), combinando fabulosamente el B/N con el color y un uso de la luz más que interesante.

Sin City - Frank Miller & Robert Rodriguez (2005)

Ichi the killer (Koroshiya 1) - Takashi Miike (2001)

2005-10-21T23:43:00.000+02:00

Antes de comenzar esta crítica daré un aviso: Este film es no recomendable para estomagos débiles. Quedáis avisados.

Takashi Miike, japonés y enfermo mental de nacimiento xD, es un director cuyos films o los amas o los odias, amante de la polémica, transgresor, cuyo cine se salta las barreras habidas y por haber y que es fiel a sus bizarras y a la vez enfermizas ideas. Un director que se ha convertido de culto para muchos tras los éxitos de cintas como Visitor Q, Izo, Three Extremes, Audition, la trilogía Dead or Alive o la misma Ichi the killer. Recalcar que One Missed Call (Llamada perdida), una película de poca calidad, es más un encargo que un proyecto propio, y lógicamente se nota. Ichi the killer es un film que explora terrenos que confunden placer con dolor, es decir, el film trata no solo del masoquismo y del "placer" por lesionarse o el disfrute de hacerlo a los demás, sino también nos habla de la manipulación, de la influencia, de sexo (ver como se tratan a las mujeres en el film), de las leyes yakuza, de que nada tiene sentido dentro de lo caótico. Un film sobre el miedo. El film es brutalmente violento, pero Miike sabiamente lo adorna con un aire constante de humor negro e incluso se ríe de sus propios personajes hiperboleizados hasta extremos justamente miikeanos xD.

Nada más empezar la película (del semen se crean los títulos de crédito del film XD), podemos augurar qué estamos viendo o qué vamos a supuestamente ver y decidir si continuar su visionado (allá uds) o seguir asistiendo a este espéctaculo friki y ultraviolento. Sinceramente creo que Ichi the killer tiene calidad pero no sé si la suficiente como para haberse convertido en lo que sin duda es, un film un culto, pero tiene algo. Ese algo es su radicalidad, su inconformidad, que a pesar de su absoluta brutalidad siempre parezca que se trate de un chiste, con muy mal rollo, pero chiste (humor muy negro, claro). Su estilo cercano al anime pero en imagen real, basado en un cómic homónimo (Koroshiya 1), el tratamiento de la violencia es original y aunque parezca mentira, Ichi tiene bastante mensaje. La manera de presentar los personajes es formidable, mirar la presentación de Kakihara (Tadanobu Asano) con una toma desde atrás y con un solo giro del actor y una calada ya sabemos lo temible que debe ser,.. antológica escena y presentación.

A ello ayudan las actuaciones que no son nada malas. Dentro de ellas destaca una por encima de todas, cuyo personaje se ha convertido en absoluto icono de la cinematografía contemporánea japonesa: Kakihara, interpretado brillantemente (como no) por el gran Tadanobu Asano. Un actor increíble, capaz de encarnar por ejemplo a un personaje tímido, retraído y suicida en potencia en Last life in the universe e interpretar a kakihara en Ichi the killer, un tipo chulo, seguro de sí mismo, totalmente enfermo y creedor de que el máximo placer es directamente proporcional al autosufrimiento. Asano es el film, sin su presencia y sin su actuación, Ichi the killer no sería ni la mitad de lo que es. Ver la parte final, durante el cara a cara entre Kakihara e Ichi, ahi podemos ver hasta donde llega la locura de su personaje, la extremidad absoluta, hasta donde llegan los límites... Kakihara espera poder dar con el asesino (Ichi) y que este no le defraude, desea que le sorprenda y le haga sufrir, es como una búsqueda en un entorno de una ya absoluta irracionalidad.

Pero a banda de los litros de sangre que salen en la peli, de las torturas y palizas, de las amputaciones de lengua (xD), etc.... ¿Alguien se puede tomar en serio esta película? En fin, Ichi the killer es un film en mi opinión mejor de lo que puede aparentar, con un tratamiento del tema de la violencia innovador aunque en algunos tramos irregular y divaga en la 2a parte del film en reiteraciones insulsas, curioso por su forma de presentar algo ultraviolento pero con aire cómico-friki y que nos regala un personaje (Kakihara) totalmente carismático, llenísimo de matices, con una caracterización tanto vestuario como él mismo (piercings, cicatrices, etc...) absolutamente genial. Escenas memorables son la parte final, la lengua cayendo en el vaso, Kakihara sacando humo por sus "branquias" o al llegar a la habitación tras el anterior paso de Ichi, etc...

No creo que sea fan de Takashi Miike, ya que sus films aún siendo interesantes y algunos buenos (vease Audition,... mucho más lynchiana de lo que aparenta), creo que recae demasiado en mostrar la violencia y muy explícitamente, aunque claro está todo ello con humor. Eso sí, este hombre es una autentica máquina de hacer cine, cada año rueda unas 6 o 7 películas en Japón, y ha tocado bastantes géneros. Sin duda, un director a seguir pero con ciertas manías que podrían ser mejorables. Sobre la película, dadle una oportunidad pero no os asustéis, tomarosla como un divertimento, pero os aviso que es durilla.

"El amor daña"

Sitges '05 (Parte 3)

2005-10-18T18:56:00.000+02:00

Bueno, vamos allá, último post sobre el festival.

Decir que este año ni mucho menos ha sido de los mejores, ha habido cintas de calidad pero también bastantes bodrietes, en fín haber en el 2006 qué tal, aprori promete.

Comento las otras que vi a continuación:

A BITTERSWEET LIFE - Kim Jee-woon (Corea del Sur, 2005)

Sun-woo no es sólo el gerente de un hotel, también es la mano derecha de un mafioso local llamado Kang. El día que éste le ordena que vigile a su prometida, de la que sospecha pueda estar viéndose con otro hombre, su suerte cambiará fatídicamente. Enamorado en secreto de la chica, Sun-woo decide perdonar la vida de su amante aunque eso provocará las iras de su jefe, con consecuencias en extremo dolorosas. El éxito internacional de la fabulosa y exquisita técnicamente A tale of two sisters, presentada en el Sitges 2003, acerca ahora al director al cine negro con un cinta inspirada en la estética francesa de los 70 y de una crueldad que hiela la sangre. A Bittersweet life ha sido sin dudarlo una de las mejores películas que han pasado por esta edición de Sitges. Seleccionada ya en innumerables festivales internacionales, el film cuenta una historia de venganza pero lo que es más importante a parte del qué, es el cómo lo hace. Esa elegancia que poseen sus imagenes, uniendo poética con violencia, mostrandonos el camino de un hombre hacia su propia muerte pero afrontada desde un inicio y todo ello por amor y por orgullo. Un film de una fuerza visual inaudita, que nos narra una historia llena de mensaje, con pasajes que ahonda en la filosfía de la vida, sus actos o simplemente que del caos de la vida en si. El film coreano sin dudarlo, para todo buen cinéfilo que se precie, es una absoluto espectáculo orgásmico, dos horas llenas de momentos a recordar, de escenas memorables, de planificación espectacular y de una acción rodada de forma ejemplar y contundente a la vez. Sin duda, Kim Jee-Woon y tras ya mostrarnos su dotes realizadores en la notable, técnicamente casi perfecta e infravalorada A tale of two sisters, en A Bittersweet life nos ofrece un impagable homenaje al cine noir, tanto hongkonés, americano o al polar francés y el resultado es absolutamente satisfactorio. Las actuaciones son buenas, en el caso del protagonista (Lee Byeong-heon), visto en Three Extremes, es soberbia y muy destacable perfomance. Ver las escenas del final de venganza o esa escena del "duelo" cargando las pistolas rusas... antológico. El final del film si le borramos ese corto epílogo, tenemos un final de esos que se recuerdan por su magnificencia y su absoluta sobriedad. Veo A Bittersweet life y estoy viendo a Wong Kar-Wai y su excelente corto para la BMW The Follow interpretado por Clive Owen, a Hitchcock y su obra maestra Vértigo (el inicio es innegable las similitudes y por tanto el homenaje), a John Woo y sus films de antaño (The killer, Hard Boiled, etc...) por los extraordinarios tiroteos que se suceden en el film magníficamente montados por cierto, el del final nos recuerda a Brian De Palma y su Scarface, o a cintas de Michael Mann o Johnnie To donde abundan los tiroteos, a cintas del polar francés como puede ser Le Samuräi de Jean-Pierre Melville, a películas de venganza como pueden ser OldBoy o Sympathy for Mr Vengeance ambas de Park Chan-Wook, etc... Elegancia, sobriedad, violencia artística, fotografía cuidada, BSO fabulosa,... en fin, Corea del Sur es el país del mundo en donde se hace el mejor cine a nivel mundial y es clarísimo. Una absoluta joya de película, NO SE LA PIERDAN.

LEMMING - Dominik Moll (Francia- 2005)

Alain, un joven y brillante ingeniero y Benedicte, su esposa, se trasladan a una nueva residencia más cercana a su nuevo empleo. Una velada desastrosa junto a sus nuevos jefes y el descubrimiento de un misterioso roedor muerto en el desagüe marcarán el comienzo de un particular descenso a los infiernos. Película elegida para inaugurar la reciente edición del festival de Cannes, el nuevo trabajo del tándem Moll-Marchand (Harry, un amigo que os quiere) se adentra en el fantastique con un historia dotada de una atmósfera de pesadilla y favorecida por unas estupendas interpretaciones. Película muy muy irregular de Dominik Moll, inferior a la estupenda Harry un amigo que os quiere recordad con un fabuloso Sergi López que le valió para ganar el César al mejor actor. El inicio es prometedor, con pinceladas cómicas pero de fondo con aire de mal rollo. Poco a poco va diluyendose la cinta hasta entrar en terrenos en donde el hastío puede vencer a los espectadores. Contiene tramos conseguidos y a ello ayuda mucho las interpretaciones que algunas son convincentes (Laurent Lucas, Charlotte Gainsbourg), otras fantásticas (Charlotte Rampling) y otras simplemente desaprovechadas (el gran André Dussollier). En el fondo, es una pelicula cuyo resultado se mueve entre las aguas de lo fallido y lo poco convincente, creo que la narración no es sólida, no sorprende demasiado, aunque tampoco es mala, en fin,... es una pelicula que podía haber sido muchísimo más de lo que es a la fin. Como cosa destacable, Dominik Moll vuelve a apostar por el terror digamoslo urbano, suspense en pocas localizaciones, con pocos personajes, con dualidad de personajes, muy influenciado por Hitchcock en temas como el falso culpable, dualidad de personajes, McGuffin etc... No es de lo mejor del festival ni mucho menos. Dejemoslo en pasable, siendo bondadosos claro XD.

PALMARÉS SITGES 2005: (Sacado de la web del festival)

La gran ganadora de la edición de este año ha sido HARD CANDY, de David Slade (Estados Unidos) que ha recibido los galardones a la Mejor Película y al Mejor Guión. Un año después Johnnie To ha vuelto a llevarse la María al Mejor Director por su último film ELECTION.

Hard Candy

A continuación encontraréis el palmarés completo. OFICIAL FANTÀSTIC JURAT / JURADO / JURY Blanca Li, Bill Plympton, Nieve de Medina, Elvis Mitchell i Àngel Quintana Millor Curtmetratge / Mejor Cortometraje / Best Short Film RESPIRE, de Wi Ding Ho (Taiwan) Millor Direcció Artística / Mejor Dirección Artística / Best Art Direction Dave McKean per MIRRORMASK Millors Efectes de Maquillatge / Mejores Efectos de Maquillaje / Best Make Up FX Jamie Niman per MIRRORMASK Millors Efectes Especials / Mejores Efectos Especiales / Best Special Effects Thomas Mulack per THE PIANO TUNER OF EARTHQUAKES Millor Banda Sonora Original / Mejor Banda Sonora Original / Best Original Soundtrack Dalpalan i Jang Yeong-gyu per A BITTERSWEET LIFE Millor Fotografia / Mejor Fotografía / Best Cinematography Keung Kwok Man per SEVEN SWORDS Millor Guió / Mejor Guión / Best Script Brian Nelson per HARD CANDY Millor Actriu / Mejor Actriz / Best Actress Lee Yeong-ae per SYMPATHY FOR LADY VENGEANCE Millor / Mejor / Best Actor Lee Kang-sheng per EL SABOR DE LA SANDÍA (THE WAYWARD CLOUD) Millor Director / Mejor Director / Best Director Johnnie To per ELECTION Premi Especial del Jurat / Premio Especial del Jurado / Special Jury Award EL SABOR DE LA SANDIA (THE WAYWARD CLOUD), de Tsai Ming-liang (Taiwan) Pel seu agosarat discurs estètic i moral en contra de l’alienació sexual / Por su atrevido discurso estético y moral en contra de la alineación sexual / For it’s bold aesthetic and moral discourse against sexual alienation Millor Pel·lícula /Mejor Película / Best Motion Picture HARD CANDY, de David Slade (Estats Units) JURAT CARNET JOVE / JURADO CARNET JOVE / CARNET JOVE JURY Manuel Yáñez, Salvador Solano, Albert Forns, Gonzalo López i Francisco Javier Rueda FANTÀSTIC ELECTION, de Johnnie To (Hong Kong) MIDNIGHT X-TREME THE DARK HOURS, de Paul Fox (Canadà) Menció especial a THE WILD BLUE YONDER, de Werner Herzog (Estats Units) per l’excepcional interpretació de Brad Dourif / Mención especial a THE WILD BLUE YONDER, de Werner Herzog (Estados Unidos) por la excepcional interpretación de Brad Dourif / Special Mention to THE WILD BLUE YONDER, by Werner Herzog (USA), for Brad Dourif’s exceptional interpretation. NOVES VISIONS JURAT / JURADO / JURY Antonio Santamarina, Carles Torres i Ezgi Yalynalp THE GIRL FROM MONDAY, de Hal Hartley (Estats Units). Menció especial a GRIZZLY MAN, de Werner Herzog (Estats Units) ja que els members del jurat encara estan discutint si el que relata és vertader o fals / Mención especial a GRIZZLY MAN, de Werner Herzog (Estados Unidos) ya que los miembros del jurado aún están discutiendo si lo que se relata es verdadero o falso / Special Mention to GRIZZLY MAN (USA), by Werner Herzog, because the members of the jury are still arguing over whether it’s a true story or not. ORIENT EXPRESS - CASA ÀSIA JURAT / JURADO / JURY Antonio Santamarina, Carles Torres i Ezgi Yalynalp ANTARCTIC JOURNAL, de Yim Phil-sung (Corea del Sud). ANIMAT – Premi Gertie / Premio Gertie / Gertie Award JURAT / JURADO / JURY José Luis de Vicente, Enric Martí i Álex Samaranch Millor Llargmetratge d’Animació / Mejor Largometraje de Animación / Best Animated Film THE DISTRICT, de Áron Gauder (Hungria) Millor Curtmetratge d’Animació / Mejor Cortometraje de Animación / Best Animated Short film CIRKUS de Thomas Pors (Dinamarca) BRIGADOON (PATROCINAT PER EDITORIAL DEVIR) JURAT / JURADO / JURY Eugenio Mira, Luis Royo i Sergio Molina Millor curtmetratge / Mejor cortometraje / Best short film GRAVELESS, de Christian Ray MÉLIÈS D’ARGENT / MÉLIÈS DE PLATA / SILVER MÉLIÈS JURAT / JURADO / JURY Kiko Amat, Christian Molina i Jordi Burgués Méliès d’Argent a la Millor Pel.lícula Fantàstic Europea / Méliès d’Argent a la Mejor Película Europea / Silver Méliès for Best European Motion Picture TROUBLE, de Harry Cleven (França-Bèlgica) Curtmetratge Fantàstic Europeu nominat al premi Méliès d’Or / Cortometraje Europeo nominado al premio Méliès de Oro / Short Film nominee for Silver Méliès Award CITY PARADISE, de Gäelle Denis ALTRES PREMIS / OTROS PREMIOS / OTHER AWARDS Gran Premi per votació popular a la millor pel·lícula / Gran Premio del público a la mejor película / Audience Award for Best Motion Picture (Patrocinat per El Periódico) HARD CANDY, de David Slade (Estats Units) Premi Nova Autoria / Premio Nova Autoria / Nova Autoria Award (Patrocinat per l’SGAE) Millor direccció La última Polaroid, de Mar Coll (curtmetratge, ESCAC) Millor guió Sin Piedras, (documental, Universitat Ramon Llull) Direcció i guió: Quim Fuster, Pau Iriarte Millor música 14 apóstoles, de Maialen Sarasúa. (Documental. Universitat Pompeu Fabra) Autor de la música: Oier Sarasúa Premi de la Critica Jose Luis Guarner / Premio de la Crítica Jose Luis Guarner / Jose Luis Guarner Critic Award EL SABOR DE LA SANDIA (THE WAYWARD CLOUD), de Tsai Ming-liang (Taiwan) Premi Citizen Kane al director/a revelació / Premio Citizen Kane al director/a revelación / Citizen Kane Award to an up-and-coming director LA MOUSTACHE, de Emmanuel Carrère (França). Menció especial a ZULO, de Carlos Martín Ferrera (Espanya) pel seu agosarat tractament d’un tema candent que pot succeïr-li a qualsevol ciutadà / Mención especial a ZULO, de Carlos Martín Ferrera (España) por su atrevido tratamiento de un tema candente que puede suceder a cualquier ciudadano / Special Mention to ZULO, by Carlos Martín Ferrera (Spain), for his bold treatment of a controversial subject that could happen to anyone. Saludos

Sitges '05 (Parte 2)

2005-10-17T19:29:00.000+02:00

Como hoy no tengo demasiado tiempo para escribir y estoy tremendamente cansado, os dejo con una foto del poster colgado en mi habitación XDDD que conseguí en el Festival, de la última peli del maestro Johnnie To: ELECTION, por cierto ganadora en esta edición.

Os recomiendo también el libro editado por Cine Asia (revista imprescindible e impecable para todo buen fan al cine asiático) en colaboración con el festival de Sitges sobre Johnnie To llamado "Johnnie To: Redefiniendo el cine de autor". Aquí otra foto con Tarantino entregandole el premio a la carrera como cineasta a Johnnie To. SE LO MERECE !!!!

Mañana si puedo pongo las críticas de las que vi que faltan y el palmarés que ya está disponible hoy, y ha ganado una de las que estaban entre favoritas: Hard Candy y Johnnie To vuelve, por 2º año consecutivo, a ganar el premio al mejor director, el año pasado por Breaking News (dios que pedazo de plano secuencia inicial de máxima duración para una bobina de 35mm, es decir 10 minutos, impagable!!) y este año por Election. De los pocos directores de HK capaz de ser seleccionado por Cannes o Sitges. Y qué bien rueda el condenao... Continuará...

Sitges '05 (Parte 1)

2005-10-16T14:42:00.000+02:00

Bueno, comentaré algunas de las pelis proyectadas en Sitges 2005. Ojalá pudiera haber asistido a muchas más, pero las entradas agotadas o el puñetero trabajo me lo impidieron. Me hubiera encantado asistir al homenaje de Johnnie To y a la proyección de Election (del cual tengo el póster en mi habitación XD) o a la premiere de Sympathy for lady Vengeance con la asistencia de ese genio llamado Park Chan-Wook,.... En fín, en esta vida no se puede tener todo, contento debo estar de haber podido ver las que haya visto :)

(Separo el post en varias partes, la 2a parte próximamente la pondré).

Ahí va unas criticas de las películas que vi:

THE LOST - Chris Sivertson (USA-2005)

Un buen día de verano, el joven Ray Pye asesinó a dos chicas que acampaban en el bosque. Su novia y un amigo, testigos del crimen, le ayudaron a encubrirlo. Cuatro años después, el detective Charlie y su ayudante Ed, se disponen a sacar el caso a la luz y comienzan a presionar a Ray, sin saber que todavía conserva las armas del crimen y no parece tener intención alguna de expiar su culpa. El director de May (Sitges ’02), produce esta cinta basada en la novela homónima de Jack Ketchum (uno de los mejores escritores de terror, según Stephen King) y dirigida por su colega Chris Sivertson, lo que supone su debut como director de largos.

La cinta americana incluída dentro de la sección del festival Midnight X-Treme, por cierto de presupuesto muy reducido, cuenta la gestación de un asesino de una forma bastante decente, con unas actuaciones muy buenas y una banda sonora muy completa y ajustada al tipo de historia. Un film que no deja indiferente, pero que no acaba de llenar y que a parte contiene algún que otro error a la hora de plasmar la historia, en formas me refiero. Película muy violenta, con una dirección que tiende hacia el estilo indie o presupuestamente indie, con algunos momentos logrados pero al fin y al cabo, falta de algunos elementos para que hagan de este film algo imprescindible. En Sitges se ha presentado en exclusiva, pues según imdb el film aún está en post-producción, por lo que o bien no se ha estrenado en salas (parece que solo se está estrenando en festivales y la versión montada que parece será la definitiva, aunque igual hay algún retoque posterior aunque lo dudo). El film para empezar no tiene ni póster XD. De todas formas, una película muy decente con unas interpretaciones en mi opinión tremendas, atención a Marc Senter (Ray Pye), Shay Astar (Jennifer Fitch) o Megan Henning (Sally Richmond). Una película que destaca por su gamberrismo y por radicalidad con ciertos toques de humor negro; ver esa escena de cuando Ray contesta al telefono desde su trabajo (trabaja en un motel) respondiendo: "Motel Bates ¿digame?".

AB-NORMAL BEAUTY - Oxide Pang (Hong-Kong-2004)

Jiney (Race Wong), apasionada de la fotografía, comienza a sentirse atraída por ideas macabras tras presenciar un accidente de tráfico. Retratar la muerte se convertirá en una obsesión que perturbará su existencia y despertará en ella viejos traumas del pasado. La aparición de una misteriosa cinta de vídeo le hará suponer que quizá no se a la única interesada en el tema. Firmada en exclusiva por Oxide y con el marchamo indiscutible de la factoría Pang Brothers, esta nueva película entremezcla thriller psicológico y slasher truculento sin olvidar una buena dosis de morbo protagonizada por las componentes del dúo musical 2R. Oxide Pang, sin se hermano Danny esta vez, nos ofrece de nuevo una cinta que se mueve en los terrenos del terror y el thriller. Recurre a los mismos y cuestionables, en cuanto a efectividad, métodos consisentes en efectos de montaje o de sonido para intentar crear miedo al espectador, pero esta vez con algo mejores resultados. Desde luego, es un film interesante, con unas actuaciones más o menos decentes y con una música y unos efectos sonoros tremendos. En mi opinión estamos ante la mejor película de Oxide Pang, porque ni The Teressact ni The eye o the eye 2, ambas codirigiendo con su hermano Danny, no llegan al nivel de ésta. Una película que desborda mal rollo y atmósferas extrañas. Cuidada fotografía de Decha Srimantra.

FRÁGILES (FRAGILE) - Jaume Balagueró (España-2005)

El hospital infantil de Mercy Falls está a punto de cerrar sus puertas tras más de un siglo de funcionamiento. La mayoría del personal ya ha sido despedido y sus instalaciones han sido prácticamente desmanteladas. Amy (Calista Flockhart), una enfermera americana, llega a Mercy Falls para cubrir el turno de noche mientras se lleva a cabo la evacuación de los últimos niños a otros centros. Pero pronto detecta algo extraño en este hospital. Los niños están nerviosos, asustados, hablan de algo intangible, invisible, algo que no debería existir, algo lleno de dolor y de odio. Algo a lo que los niños llaman la niña mecánica. Y aseguran que vive arriba, en la segunda planta, la planta que fue clausurada hace más de cuarenta años. Poco a poco, esta presencia se irá haciendo más y más evidente. Más agresiva, moviéndose por los corredores del hospital. Oculta entre las sombras. Porque este hospital esconde un secreto. Y para descubrir la verdad y proteger a los niños, Amy tendrá que enfrentarse a los que no quieren creerla, a sus propios miedos, a su propio pasado, a la verdad. Pero esta verdad es mucho más oscura de lo que nadie sospecha. Balagueró continúa en el mismo género que en Los sin nombre o Darkness, pero en mi opinión con muchísimos mejores resultados, por lo menos con su antecesora y muy fallida Darkness. Si en Darkness no sabia mantener la cámara quieta y recurría excesivamente a efectos ya usados en Los sin nombre y por cierto que no favorecían en nada al film, en Frágiles la realización es mucho más pausada y clásica y por ello he notado cierta mejoría en su trabajo en este aspecto. La historía es innegable que tiene algunos tópicos, y los personajes podrían estar mucho más trabajados pero bueno, veo una progresión desde Darkness bastante aceptable. La fotografía de Xavi Giménez como siempre una autentica maravilla (para cuando Goya para este genio), la música de Roque Baños está muy bien como también es costumbre en él, el diseño de producción y otras cosas son bastante destacables. La historia es curiosa y tiene algunos momentos conseguidos. El film no está tan mal como muchos lo ponen y Balagueró no es ni mucho tan mal director como también muchos lo quieren poner. Las actuaciones pues correctas, pensaba que la "Ally McBeal" lo haría peor y pasa la prueba bien, los niños/as no lo hacen mal, y Elena Anaya está muy pero que muy desaprovechada para la actriz que es. Richard Roxburch ya no tiene arreglo XD. Frágiles es una película tremendamente influenciada por cineastas como Shyamalan, en concreto de El protegido y no en una sola cosa sino en bastantes, también en cuestión de atmósferas, como no, a los films de David Fincher. Una película realmente entretenida que no da mucho miedo que digamos, pero como he dicho creo que es más un thriller que una historia de terror, aunque por momentos parezca lo contrario. Sé que muchos la vapulearán, pero yo recomiendo este film de género. Más vale que muchos potenciaran el fantástico de este país, que tiene futuro. También os recomiendo y mucho Hipnos ópera prima del prometedor David Carreras.

Continuará....

Phone- Ahn Byeong-Ki (2002)

2005-10-15T09:54:00.000+02:00

Ji-Won, periodista, decide cambiar el número de su teléfono móvil después de que un comprometido artículo suyo se ha publicado, lo que provoca en una cadena de llamadas amenazadoras que a parte le son también enviadas dichas amenazas vía correo electrónico. Tras cambiar su número, la hija de una amiga de Ji-Wong, Young-Ju, contesta a una llamada de su móvil inocentemente.Young-Ju comienza a comportarse de un modo extraño tras ser atemorizada por la llamada. Cuando Ji-Won investiga a los antiguos propietarios de su nuevo número de teléfono, un asombroso secreto será descubierto.

El cine de terror asiático empieza a necesitar una renovación casi total. Cada año se producen multitud de films de terror ya sea en Corea, Hong-Kong, Tailandia, Japón,... y casi todos utilizan siempre los mismos clichés y son demasiado tópicos y previsibles.

Siempre hay excepciones, claro está, como en el caso de la magnífica A tale of two sisters, la fantástica Three formada por 3 cortos de diferentes directores o la malsana y terroríficamente bizarra Kairo (pulse) de Kiyoshi Kurosawa, pero en general ocurre lo anteriormente comentado.

Y este es el caso de Phone. Film demasiado previsible, que nunca abandona esa sensación al espectador de déja vu. Es decir, una película llena de tópicos, película con escenas prácticamente calcadas a otros films de terror asiáticos y no asiáticos, además de que tiene un guión prácticamente previsible y simplón. Las referencias (por no hablar de plagio) en escenas son muy distintivas y fáciles de descubrir. Para empezar, como casi todas las nuevas películas de terror orientales, Ringu de Hideo Nakata. En el film japonés se utilizaba la cinta de video VHS como símbolo de una maldición, en Phone escuchar la llamada telefónica produce que el receptor tenga una maldición que le lleve a la muerte. A parte de esto, las escenas con personajes fantasmales con el pelo larguísimo que no nos permite ver su rostro. También una de las escenas finales similar en formas a la escena de Sadako saliendo del televisor. Las escenas de ascensor tanto la inicial (bastante buena) y la posterior ya con la protagonista de la cinta, son demasiado parecidas a la antológica secuencia de la primera The eye de los hermanos Pang.

Cuando Young-Ju está poseída y va con ese camisón blanco no podemos no asociarlo a las escenas de El exorcista con Linda Blair, son muy similares pero claro está mucho peor realizadas. La parte del flashblack final en la subida de escaleras está exactamente igual filmado que el film de Amenábar, Los otros cuando Nicole Kidman subía a la habitación de F. Flanagan. Pero es que es idéntico. Cuando la protagonista (Ji-Won) se encuentra pelos al abrir el grifo en el baño o esa lluvía constante y casi torrencial, no son más que referencias a otra película de Hideo Nakata: Dark Water. También hay aspectos que nos recuerdan otros fims como La maldición (Ju-On), o los títulos de crédito, demasiado parecidos a los de A tale of two sisters. Pero el caso más descarado (por decirlo de alguna manera) es el final, prácticamente el mismo que el del film de David Koepp, El último escalón.

Después de ver la cantidad de cosas demasiado similares a otros films, dan lugar a duda sobre la sospechosa calidad del film. Una película llena de situaciones ya vistas, con unas interpretaciones (a excepción de la amante) bastante malas, en concreto la niña que me parece que lo hace francamente mal, la dirección es mala, está muy mal montada,.....

La fotografía como en la mayoría de films coreanos, es correcta. Pero está lejos de películas como OldBoy, A tale of two sisters o cualquier obra maestra de Kim Ki-Duk. Otra cosa a comentar es lo liosa que es la cinta (no por su argumento o guión, que no es nada del otro mundo) sino por su mal montaje y mala planificación de la historia. Llena de falsos flashbacks fatalmente insertados como si se tratara de pegotes puestos en una peli sin ton ni son (incluso eso conlleva, claro está, a cortes de sonido en seco). Dichos pegotes o escenas no se argumentan en ningún instante, dejadas al aire y sin conexión aparente con el resto del film. Parecen como escenas eliminadas insertadas después. El montaje es malísimo y junto con la pésima dirección hacen que esta película pierda muchísimo.

En definitiva, tenemos una película entretenida, con los elementos bien marcados de toda película de terror oriental, pero está muy visto lo que explica y además no convence para nada en ningún momento. Para espectadores nada exigentes y para pasar la tarde. _______________________________________ EL DVD: Imagen: Respeta el formato original (1.85:1) que se presentó en las salas coreanas y demás cines asiáticos. Mejora anamórfica. En este apartado no encontramos prácticamente impurezas, rallas o manchas. La imagen de este dvd goza de una calidad buena. Para ser un film asiático (ver el dvd de Ringu) la calidad de imagen está muy bien comparada con otros films orientales, aunque es mejorable. En este aspecto, le damos un notable merecido.

Sonido: El sonido se nos presenta en: DD 2.0 Castellano: Simple estéreo, se escucha perfectamente, diálogos totalmente inteligibles. DD 2.0 en Coreano: Prácticamente igual a la pista en castellano. Siendo un film tan nuevo como Phone es inadmisible que no se incluyan pistas DD 5.1 o DTS. Creo que en Phone el 5.1 haría un trabajo más que bueno. Ambas pistas no se pueden seleccionar si el film está en reproducción, si se desea variar se ha de volver al menú principal, e ir al menú de audio. Subtítulos: se presenta solo los subtítulos en castellano, los cuales solo se pueden seleccionar o deseleccionar desde el menú de subtítulos. No se ha detectado ningún tipo de desincronización tanto en las pistas de audio como en los subtítulos. Extras: La edición de Phone cuenta con 1 disco, en el cual se incluyen todos los extras. Los menús son animados (solo el principal y el de capítulos), el resto solo con música.

Los extras que incluye esta edición son:

Trailer y Spot Tv: Espectaculares avances del film. Para mí, mejores que el film en sí. Alguna escena no se ve después en el film. En VO coreano sin subtitular en castellano.

Making Of: Un como se hizo falso ya que en realidad es un detrás de las cámaras. En realidad no cuentan absolutamente nada nuevo. Dura 44 min 14seg , y de nuevo en VO coreano sin subtitular en castellano.

Notas de producción: Escenas de maquillaje de los protagonistas y preparación de una de las escenas finales. Es un video con música de fondo. En VO Coreano sin subtítulos en castellano. Dura 5 min 47seg.

Detrás de las cámaras: Escenas del rodaje en donde se pueden ver comentarios de los protagonistas y algunas tomas falsas. En VO Coreano subtitulado en castellano Dura 13 min 15 seg

Escenas Eliminadas: 2 escenas eliminadas, una de una comida con amigos de la pareja protagonista y al otra en un museo. No aporta gran cosa al film, se entiende haber prescindido de ellas. En VO Coreano subtitulado en castellano. Duran 2 min 34 seg.

Comentario de la protagonista (niña): Una mini comentario de la niña, una de las protagonistas del film, muy simpático y agradable de ver. En VO coreano subtitulado en castellano Dura 10 min 04 seg.

Escenas de rodaje: Más escenas de rodaje ,en esta ocasión de nuevo para lucimiento de la niña. En VO coreano subtitulado en castellano. Dura 02 min 05 seg.

Ficha artística del film

Ficha técnica del film

Filmografías de Ha Ji-Won, Wun Suh-Woo, Choi Woo-Je, Kim Yu-Mi, Ahn Byung-Ki.

También tenemos la opción desde el menú: También en dvd, que incluye los trailers de Perfect Blue en VOSE de duración 1 min 32 seg y el de Battle Royale doblado de duración 1 min 47 seg Los extras de esta edición son abundantes pero en realidad no aportan prácticamente nada novedoso e interesante al film, ya que la mayoría de extras son tipo detrás de las cámaras. Ediciones de otros países: La mejor edición de Phone la encontramos en Corea (Z3), su país de procedencia, en donde suelen salir cantidad de ediciones limitadas tanto de películas nacionales como extranjeras. Posee un sonido de mucha más calidad que la edición lanzada por Manga Films. Dolby Digital 5.1 EX Surround, DTS 5.1 ES Surround en coreano. En cuanto al apartado de extras son los mismos que los de la edición española más Audiocomentario del director y de la actriz principal, Entrevistas, La historia real, Epílogo. Es de agradecer la labor de Manga Films en esta edición por el esfuerzo de traer tal cantidad de extras de un film asiático y por tanto algo minoritario. Aunque los extras podrían ser más interesantes o exhaustivos, sin duda la edición presentada por Manga Films en cuestión de extras e imagen es más que decente. Como film, Phone es una película demasiado típica, mal realizada pero algo entretenida, aunque de una calidad muy inferior al buen cine asiático. Como dvd es muy mejorable en cuanto a extras y sonido, como imagen está bastante bien. En conclusión, hay muchas mejores pelis de terror tanto orientales como de otros países.

PELÍCULA: DVD:

El Verano de Kikujiro (Kikujiro no natsu) Takeshi Kitano (1999)

2005-10-12T11:50:00.000+02:00

Masao (Yusuke Sekiguchi) vive con su abuela. Un día encuentra una foto de su madre y decide buscarla.

Pero Masao no puede viajar sólo, así que un amigo de su abuela, Kikujiro, se ofrece a ayudarle en su búsqueda. No parece la compañía ideal puesto que es un tipo acostumbrado al dinero fácil y no está dotado para tratar con niños y menos con un niño tan sensible como el pequeño Masao. Pero pronto se pondrá de manifiesto que ambos tienen en común más de lo que parece; Masao descubrirá que el mundo no tiene sentido sin un poco de magia y Kikujiro aprenderá que a veces, un simple juego de niños nos enseña lo que no funciona en nuestra propia vida. Con reminiscencias a Mi tío de Jacques Tati o a El chico de Charles Chaplin, en el año 1999, Takeshi Kitano, finalizaba su octavo film: El verano de Kikujiro. Tras sus anteriores films policíacos y llenos de violencia que no exentos de su personal humor, como pueden ser Sonatine o la premiada Hana-Bi (Flores de fuego), en El verano de Kikujiro se aparta de ese tipo de cine, para entregarnos una comedia deliciosa llena de vitalidad y mensaje. Se trata de una road movie que une comedia con drama de forma ejemplar. El film comienza con una imagen de Masao cruzando un largo puente en la ciudad de Tokio (en donde podemos ver que ya lleva las alas de ángel, que le regalaron unos titiriteros, colgadas de su mochila) y a partir de ahí se produce un gigantesco flash-back que nos ocupa el resto del film hasta el final. Kitano separa la película en diversos episodios como si se tratara de la libreta de verano de Masao. Dichos episodios son los siguientes: Los amigos de la abuela, el hombre que da miedo, el señor es muy raro, no salió bien, la campana de ángeles, el señor juega conmigo, el señor se cae por las escaleras, el hombre pulpo, Adiós.

Masao cruzando el puente

Llega el verano y Masao, un niño de unos 8 años, se queda solo en la ciudad. Él vive con su abuela que trabaja y su madre vive fuera trabajando para ganar dinero para él por eso su abuela le dice que ha de estudiar mucho y esforzarse, a parte él jamás la ha visto. Para colmo, sus amigos, como Yuji ,se marchan de vacaciones a la playa con sus respectivas familias. El pobre Masao sospecha que dicho verano será un hastío, un verano lleno de soledad y aburrimiento (ver esa escena desoladora del campo de fútbol y la burla que le hace el hombre que va en bicicleta (una de las cosas prácticamente omnipresentes en la filmografía de Kitano) a Masao, que ha ido hasta allí con su indumentaria y el balón). Un día, mientras la abuela estaba en el trabajo, viene el cartero y le entrega una carta. Al verla Masao, ve que es de su madre. Apunta la dirección, recoge sus ahorros y decide irse a buscarla y por fin conocerla. Los amigos de su abuela (Kikujiro y su mujer), deciden que él, Kikujiro, acompañe a Masao en su viaje. Aquí se nos presenta a Kikujiro (Beat Takeshi) como un hombre despreocupado, sin aparente faena o trabajo a realizar. Se nos dice que es un hombre sin estudios debido a su holgazanería y ya da pistas de su posteriormente demostrada soberbia, mala educación y grosería chulesca. Kikujiro dando una lección de irresponsabilidad, el primer sitio donde lleva a Masao es a las carreras de bicicletas. Apuesta todo el dinero que tiene más el ahorrado por el niño, y para más inri la única vez que ganan se lo gastan en dormir una noche en un hotel de lujo. Ahí se produce el primero de los sueños de Masao. A destacar ese surrealista plano desde dentro del vaso en donde se vierte el champagne. Más adelante se pueden ver otros planos algo arriesgados como el de la visión de la libélula o el del reflejo de Kikujiro y Masao en la llanta de un coche. A partir de ahí emprenden un viaje en busca de la madre de Masao, Kikujiro intentará por todos los medios divertir y sustituir las desgracias o decepciones por elementos infantiles y actuaciones que se mueven entre lo chaplinesco y lo absurdo. Debido a el gasto del dinero dado por su mujer a Kikujiro más el ahorrado por Masao, ambos están destinados a pulular por las carreteras en busca de alguien que les lleve o simplemente ir caminando. Kitano en este film bebe mucho del cine mudo, de grandes del cine mudo como pueden ser Charles Chaplin o Buster Keaton. No obstante, no deja atrás su lado más circense y nos regala una serie de números al más puro estilo humor amarillo que juega con lo absurdo más radical y a veces surrealista.

Kikujiro y Masao por los caminos

En un principio, Masao no confía en el Señor, que es como él llama a Kikujiro. Kikujiro ha dado muestras de su falta de madurez a pesar de su mediana edad, lo ve casi como un personaje de cómic, como algo extraño a conocer, gracias en parte a las inmaduras acciones cometidas como las apuestas, el robo de un taxi, pisar el césped ignorando el cartel el cual pequeño no es, pescar en un estanque de un hotel, enfrentarse con un camionero, hacerse pasar por ciego, irse del hotel sin pagar y un largo etcétera de circunstacias y situaciones impropias de un señor de esa edad y más si está al cargo de un pequeño. Como se verá más adelante, este viaje será una lección no sólo para Masao, sino también para Kikujiro el cual se reencontrará consigo mismo. Vease esa frase que dice Kikujiro cuando están en la parada de autobús: “Se parece mucho a mí”. El segundo sueño de Masao, en este caso protagonizado por el hombre que da miedo (un pederasta que intentaba acosar al pobre Masao), como si queriéndole hacer daño, a su lado una mujer (que quizás representa a tan buscada madre) la cual llora y finalmente el hombre se asemeja al del tatuaje de la espalda de Kikujiro, esto queda patente con ese fundido entre la imagen tatuada y el inicio del sueño. Nos viene a decir como si también Kikujiro tuviera 2 personalidades o caras en cuanto a la vida. Quizás Kikujiro tenga solución y puede cambiar y hacerse responsable de algo. En posteriores sueños se podrá ver como El señor (Kikujiro) adopta un puesto privilegiado en ellos, tratándose ya de una persona importante y de confianza en la vida de Masao.

Segundo sueño de Masao

La actitud de Kikujiro con los personajes de este film, tan grotesca y maleducada es como mínimo inverosímil. Quizás el toque fantástico del relato y sobretodo el hecho de tratarse en el fondo de una fábula (recordemos explicada o recordada por Masao, el niño), explique esto. O quizás lo explique su pasado yakuza. En El verano de Kikujiro podemos ver fácilmente 2 homenajes claros, uno de ellos clarísimo. Tras pegarse con un camionero y marcharse junto a Masao con unos titiriteros en su coche, se produce una transición del palo a la naranja, que nos recuerda inevitablemente a la mítica escena de 2001: Una odisea del espacio, la escena de lo que es la herramienta, su importancia y su utilidad. En una transición o elipsis, claro está, menos elaborada, más sencilla y más corta que en el film de Kubrick. El otro homenaje es a Kagemusha. Los sueños de Masao nos recuerdan a los sueños del ersatz en el film de Kurosawa. Kitano es un gran fan de Akira Kurosawa.

Pasando por un puente, tras haberlos dejado el poeta.

Pescando en el estanque del hotel.

Esperando en la ,llamada por Kikujiro: “la parada de autobús más vieja del mundo”

Cuando finalmente llegan al lugar en donde supuestamente han de encontrar a la madre de Masao, se produce una de las escenas más preciosas del film. En realidad, allí ya no vive su madre, y el pesimismo y la tristeza se apodera de Masao que huye hacia el mar (otro de los elementos básicos en la filmografía de Kitano y pilar básico de films como por ejemplo Hana-Bi). Kikujiro entonces le hará un regalo y se ganará parte del cariño de Masao. En este caso, el engaño será piadoso no como en ninguna de las anteriores ocasiones, ya que le dice que es un regalo que le ha dejado su madre, cuando no es así.

Cara de decepciones de Masao y Kikujiro tras el encuentro frustrado con su madre.

El momento en que abandonan la playa y deciden regresar a casa.

En el tramo final de El verano de Kikujiro, ambos se encuentran en un camping circunstancial acompañados por los llamados Sr. Simpático (un poeta que se lo reencuentran tras haberles sacado de la parada de autobús) y el Sr. Gordo y el Sr. Calvo (los motoristas ingenuos). Y aquí empieza el festival de humor amarillo made in Kitano lleno de absurdidades y juegos infantiles solo para quitarle de la cabeza a Masao la angustia que le provoca no saber de nuevo donde está su madre y sobretodo no poder haberla visto. Y Kikujiro los “maltrata” usándolos como “pelota de fútbol” para que el niño se divierta como por ejemplo: los motoristas haciendo de peces, de pulpo (para que pesque ya que en el río ya no hay peces), juegos con cuerdas, a los indios, juego de Si te veo pagas prenda, se visten de extraterrestres,.... y muchas más bajezas kitanianas. Y es a que dichos personajes ,Kitano, nos los presenta como torpes, ingenuos, ilusos pero con un trasfondo y un corazón grandísimos, los cuales no les importa perder su dignidad con tal de que Masao ría y se lo pase en grande.

Masao jugando a un juego con estos singulares personajillos del mundo kitaniano.

En ese tramo hay un inciso en donde Kikujiro aprovecha un instante para visitar a su madre que está ingresada en una residencia o hospital relativamente cercano al lugar del camping. Cuando la ve, Kikujiro entra en un estado similar al que había estado Masao tras la decepción causada por la expectación frustrada por ver a su madre. Y se empieza a dar cuenta que tiene que cambiar su actitud ante la vida y ante los demás. Al acabar el film en una escena para recordar, Masao le pregunta a el hasta ahora llamado Señor cual es su verdadero nombre, y este le responde Kikujiro. Y le promete que volverán de nuevo a buscar a su madre. Al finalizar todos los créditos, se puede ver otra de las pinturas hechas por el propio Kitano, en donde se nos muestra a Masao en el centro durmiendo como en una cuna y seis ángeles (representados como la campana de ángeles regalada por Kikujiro a Masao), en mi opinión representan a las 6 personas que han ayudado a Masao, Kikujiro, los 2 motoristas, el chico y la chica malabaristas y el Sr. Simpático, el poeta. Kitano se interesó por la pintura tras el accidente grave que sufrió hace unos años. En Hana-Bi, incluso en Battle Royale aparecen algunas de sus pinturas. Ha sido un viaje de aprendizaje para ambos muy fructífero. Han comprobado aunque parecía que en un principio no tenían nada en común, al final parece ser que no era cierto. Es el inicio de una amistad y cariño mútuo. El film en sí, representa una lección a Masao importante: la de que hay que seguir luchando por lo quieres sin dejarlo estar. A Kikujiro el viaje le ha enseñado que es capaz de encargarse de alguien, de responsabilizarse de algo si quiere. En un inicio, parecía la persona menos idónea para acompañar al pequeño pero a pesar de las dificultades y las irresponsabilidades cometidas por parte de él ha cumplido con el trato que acordó con su mujer. Y es que a veces un simple juego de niños enseña a uno lo que no funciona en su propia vida. Ambos partieron como 2 desconocidos con muchas cosas en común desconocidas para los 2, como por ejemplo que ambos adoran a sus madres y sienten no poder estar con ellas.

En el circunstancial camping.

El hecho de que el viaje en cuestión haya sido más importante para Kikujiro que para Masao, que creo que es evidente, queda también reflejado en el título del film, cuando aparentemente el protagonista es Masao y es por él que se van de viaje ambos. En El Verano de Kikujiro, la música corre a cargo de uno de los ilustres colaboradores de Kitano: Joe Hisaishi (que por cierto, también compone para los films del Studio Ghibli dirigidos por el gran Hayao Miyazaki). Una melodía que une simpleza con calidad la cual produce inevitablemente nostalgia. Junto a Kenji Kawai (Avalon, Princess Blade, Ghost in the shell, Innocence) , uno de los mejores compositores de bandas sonoras japoneses actuales. El tema principal es una de las mejores partituras de Hisaishi hasta el momento. Como anécdota decir que que en parte este film es un homenaje al padre de Takeshi Kitano llamado curiosamente Kikujiro. La relación que se dan en el film entre Kikujiro y Masao es similar , solo en parte claro está. Su padre, parece ser, que era una persona distante, con poca relación con su hijo (Takeshi), vamos que lo veía como un personaje duro pero con buen corazón algo así como el Kikujiro del film (ex-yakuza problemático e insultón pero con un grandísimo corazón y en el fondo una excepcional persona). En conclusión, El verano de Kikujiro es una fábula preciosa, minimalista y que por primera vez en un film de Kitano gustará a todos los públicos, ya sean usuales del cine oriental o no, porque lo que nos transmite es un mensaje universal y utiliza un lenguaje (salvo en los sueños de Masao) linial y sin demasiados usos narrativos tan abstractos como en la mayoría de su restante filmografía. Y otra cosa a tener en cuenta, la violencia es prácticamente inexistente en esta cinta.

____________________________________________________ EL DVD: Imagen:

Se presenta en una caja Cervic simple. Los menús son animados , con una animación simple pero efectista. También tienen música de fondo. Los menús podrían estar más elaborados pero tratándose de films minoritarios a nivel de taquilla como este, no creo que estan tan mal.

Manga Films nos presenta este dvd en donde se respeta el formato de cine pero no tiene mejora anamórfica. La calidad de la imagen es, en términos generales y siendo muy benevolente, regular. Se aprecia grano en muchas escenas, manchas, rallas. El salto de capa está bien situado. En definitiva, creo que se podría haber conseguido un máster de mejor calidad que supongo que existe debido a la juventud del estreno de la cinta.

Sonido:

Se presentan 2 pistas de audio, ambas en Dolby Surround (2.0) en Japonés (V.O.) y en Castellano. La pista en japonés es obligatorio verla con subtitulos. Ambas pistas gozan de buena calidad sobretodo en los canales frontales. En todo momento se entienden los diálogos sin problemas, eso sí, inexistencia de efectos traseros y demás, claro está tratándose de un audio estéreo. No se ha detectado ningún tipo de desincronización sonora o de subtitulado.

Extras:

Los Extras que se incluyen son: - Ficha Artística - Ficha Técnica - Filmografía de Takeshi Kitano - Los Trailers de Kitano: Contiene los siguientes trailers, todos con una calidad de imagen de muy baja calidad: o Boiling Point: VOSE (1’57’’) o A scene at the sea: VOSE (1’04’’) o Sonatine: VOSE (51’’) o Getting Any?: VOSE (2’47’’) o Kids Return: VOSE (58’’)

- También en Dvd: Trailers de Hana-Bi (VOSE) 1’10’’ y de Violent Cop (VOSE) 2’06’’. Ambos también con muy poca calidad de imagen. A destacar también la opción desde el menú principal “Continuar”, que permite continuar el visionado del film desde el último tramo en donde fue vista antes de volver al menú principal. Eso sí, como punto negativo, comienza desde el inicio del capítulo en donde se encontraba la última escena vista.

Ediciones Extranjeras: Se comentan algunas de las ediciones disponibles en el extranjero de esta película: L’été de Kikujiro- Edición Francesa (Z2): - Audio en Japonés y Francés DD 2.0 - Formatos de imagen: 2:35:1, 1:33:1 (No respetan el formato de cine) - Extras: • Entrevista a Takeshi Kitano (24 min) • Filmografías y Biografía • Notas de producción Kikujiro- Edición Z1: - Audio en Japonés y Francés DD 5.1 - Subtítulos: Inglés, Español, Francés - Formato de imagen: Widescreen 1.85:1 - Extras: • Trailer de cine • Filmografías y Biografía de actores y director • Acceso directo a escenas, Menús interactivos Kikujiro (Summer of Kikujiro) – Edición Z3: - Audio en Japonés DD 2.0 - Subtítulos: Inglés, Coreano, Japonés - Formato de imagen: Widescreen 1.85:1 - Extras: • Trailer de cine • Entrevistas al reparto y director • Making of • Acceso directo a escenas, Menús interactivos

Estamos ante un dvd flojo para este film tan delicioso y tremendamente divertido, no exento de momentos de gran cine. Kitano siempre nos sorprende en cada una de sus películas. Es capaz de hacer cine violento, cómico, género samurai y salir airoso del intento, y es que creo que estamos ante uno de los mejores cineastas de la actualidad y posiblemente de la historia. Recomendable su compra para todo buen cinéfilo sin demasiadas pretensiones en cuanto a ediciones en dvd.

Película: Dvd:

Próximamente: Syriana y Jarhead

2005-10-08T16:38:00.000+02:00

Ya os digo que os apuntéis este título: Syriana como una de las muy posibles mejores películas del 2005 y clara candidata a los premios de la academia en muchos apartados. Atención al reparto que es impresionante y la gran impresión que deja el trailer, el cual presenta una cinta que recuerda en dinamismo y dureza a Traffic. Aquí os dejo el link del espectacular y prometedor trailer de Syriana (tanto en su versión hi-res como en fullscreen): TRAILER DE CINE (HI-RES) TRAILER DE CINE (FULLSCREEN)

Muy esperado es lo último del genio Sam Mendes creador de 2 obras maestras del cine (American Beauty y Camino a la perdición). En este caso, es un film bélico pero atípico lleno de actores de talento como son Jake Gyllenhaal, Peter Sarsgaard, Chris Cooper o Jamie Foxx. Posiblemente (y si se hace justícia) junto a Syriana, Crash y alguna otra más, será una de las favoritas a las estatuillas de la academia. Os adjunto aquí los links de los trailers de esta supuesta maravilla: TRAILER DE CINE (HI-RES) TRAILER DE CINE (FULLSCREEN)

Saludos

After Hours - Martin Scorsese (1985)

2005-10-05T21:20:00.000+02:00

Tras fracasar en intentar llevar al cine la adaptación de la novela The last temptation of Christ con la Paramount que algunos años más tarde consiguiera rodar, Scorsese necesitaba redimirse como director tras esa decepción. El libreto de After Hours se le fue entregado a él y a Tim Burton, del que los guionistas admiraban su obra Vincent y creían que podría valer como director de esta historia. Finalmente, Martin Scorsese se decidió por rodar este film y con ello consiguió recuperar sus ganas de seguir haciendo cine. Es una película independiente, de bajo presupuesto y pequeña, pero muy importante personalmente para el director y una grandísima película. Gracias a ella ganó el premio al mejor director, merecidamente por cierto, en el Festival de Cannes.

Una película en donde Scorsese recupera su independencia de antaño, como en obras como Mean Streets o Taxi Driver por ejemplo. Un gran montaje, un ritmo absolutamente acelerado propiamente del estilo scorsesiano que más adelante continuaría en su carrera con las “veloces” Goodfellas, Casino o Bringing out the dead entre otras. Es innegable que Scorsese ha creado un estilo propio, un sello, y eso solo lo hacen los genios (véase por ejemplo Kubrick). La dirección es de escuela. Los planos cenitales, los planos secuencias, esos travellings mientras el personaje corre, excelente en todos los sentidos, como siempre en todos sus films. El plano de la llave cayendo (que lo hizo con una plataforma móvil) o el plano secuencia de los créditos finales deberían ser de obligada visión en todas la escuelas de cine.

La atmósfera creada por Michael Balhaus es soberbia, esas calles mojadas durante la noche, esos reflejos continuos. Crea un sello propio del film, crea un ambiente cercano a una pesadilla nocturna que es lo que vive el protagonista. El film en si es sumamente irónico, metafórico, radical, con una libertad creativa propia del cine europeo, una historia sobre una noche de pesadilla todo ello con un humor negrísimo y unos detalles increíbles. Atención a ese bar llamado con ese nombre totalmente metafórico: "Terminal Bar": Impagable XD.

Como en toda obra de Scorsese nos encontramos algunos elementos singulares. La religión tiene un lugar importante en la historia, aunque parezca que no. Ver esa escena en donde el protagonista se arrodilla mirando el cielo, como un pecador esperando que sea absuelto de sus errores. O esa metáfora del final del film saliendo de la figura ye entrando de nuevo en el trabajo por la mañana, empezando de nuevo, algo como una resurrección. La cuidad de Nueva York también tiene un papel importante en el film (como en todas las películas del director neoyorquino.), la zona del Soho, etc... en general todas las calles por donde circula el protagonista. La música es la adecuada. Muy destacable es el tema prinicpal con sonido de relojes en el fondo.

En España se la titulo After Hours con el subtítulo (Jo, qué noche), para con los años dejarla como Jo, qué noche. Simplemente bochornoso. Las actuaciones son fabulosas empezando por el protagonista, un gran Griffin Dune seguido por la hipnótica Rosanna Arquette, la alocada Teri Garr, etc....

After Hours es una película totalmente dinámica, que no da respiro al espectador, que parece hecha en tiempo real debido a su excelente realización y un montaje fascinante. Gran dirección, muy buenas actuaciones, gran guión, pura diversión y Scorsese en auge... ¿Se puede pedir más?

The Frighteners D.Cut: ¿Cuando aquí?

2005-10-05T08:08:00.000+02:00

Ya va siendo hora de que se edite en dvd en condiciones The Frighteners aquí titulada con el espantoso (como viene a ser costumbre) título Agárrame esos fantasmas, una película de Peter Jackson (trilogía ESDLA, Criaturas celestiales, etc..) absolutamente de culto, friki a más no poder y con unos personajes de lo mejorcito en mucho tiempo. Qué grande es Michael J. Fox !! En USA se va a editar el director's cut, edita Universal, espero que nos llegué por aquí también y prontito.

Menús:

Saludos

Lost (Perdidos) 2nd Season

2005-10-02T20:49:00.000+02:00

Ya se estrenó en la ABC la esperadísima 2a temporada de Lost (Perdidos), y madre mía como ha empezado, totalmente al grano. En definitiva, es una gozada seguir esta serie, que a pesar de contar con algún tramo de realización mejorable y otras cosas como que juega a veces con el espectador, estamos ante posiblemente una de las mejores series de Tv de la historia. Ya espero el 2o episodio con impaciencia. En mi opinión, es actualmente la serie que más engancha junto con 24 de la Fox. Una jodida maravilla.

The Passion of the Christ Recut

2005-10-02T14:02:00.000+02:00

Buscando por la red, me he encontrado de que existe otra versión (o eso dice) de La pasión de Cristo de Gibson. En USA se estrenó el 11 de mayo de este año, y en España se reestrenó en Semana Santa en algunos cines, pero juraría que en su versión de cine. No tiene ningún sentido en este caso ningún tipo de versión, ya que el montaje final para cine era ya la director's cut. Desde luego... hoy en día se saca dinero de donde sea, y las versiones extendidas o nuevas versiones de películas son habituales (vease El reino de los cielos y su presumiblemente soporífera versión extendida de 5 horas (haber quien es el listo que aguanta al tomatito tantas horas...) o Titanic Extended version,....). Página Oficial de The Passion of the Christ Recut TRAILER de The Passion of the Christ Recut

Próximamente: Everything is illuminated

2005-10-01T23:11:00.000+02:00

Everything is illuminated es la 2a película de Liev Schreiber (RKO 281), podemos considerar más esta obra como su "debut" de obra cinematográfica ya que su anterior película tenía un aire algo televisivo. Cuenta de protagonista con Elijah Wood en un rol de lo más curioso. Mirad el trailer y opinad por vosotros mismos, pinta a joyita. TRAILER DE CINE

Saludos

Monster's Ball - Marc Forster (2001)

2005-09-17T21:22:00.000+02:00

El otro día tuve el placer de revisionar el film de Marc Forster, Monster’s Ball, y si bien en un primer visionado (hara años) me pareció una gran película, ahora alcanza cotas de algo extraordinario.

En la línea de la posterior Lost in translation de Sofía Coppola aunque solo en algunos aspectos de la 2ª mitad del film de Forster (salvando las distancias claro), Monster’s Ball nos cuenta una historia dura, sobre unos personajes perfectamente construidos y definidos que viven en la más grande de las míseras humanas. Hank (Billy Bob Thornton) es un funcionario de prisiones que trabaja en el corredor de la muerte, allí también trabaja su hijo (Heath Ledger). El padre de Hank (Peter Boyle) es un ser despreciable, racista, con prejuicios y que con su educación y sus modales ha destrozado la vida de toda esa familia. Ha inculcado el odio a los negros, la falta de respeto a su madre y a las mujeres en general, etc… Su influencia ha sido devastadoramente negativa tanto en Hank como en su nieto. Las consecuencias serán irreversibles. Por otro lado, nos encontramos con Leticia (Halle Berry), cuyo marido está a punto de morir en el corredor de la muerte, y que justamente se encargará de ejecutar el proceso Hank e hijo entre otros, aunque ella no lo sabe. Leticia tiene un hijo, al que la ausencia de su padre le ha sumergido en su mundo en donde solo sabe comer chocolatinas, llegando a un estado de obesidad tremendamente preocupante.

El film en cuestión trata del reencuentro a sí mismos, de la búsqueda de la felicidad, de la amistad, del perdón, de la pena de muerte, del racismo, de los prejuicios, del amor verdadero, de dolor por una pérdida. Y todo eso, hilvanado en un guión perfecto que Forster dirige con sobriedad y con ello hace que el film deje respirar a la historia. A ello también ayuda las actuaciones que son espectaculares.

Se dice que es una película oscura, quizás demasiado. La historia no niego que sea trágica pero a medida que avanzan los minutos nos damos cuenta de que todo va llegando a buen cauce a pesar de las dificultades. La actuación de Billy Bob Thornton es comedida, profunda, inteligente, en definitiva asombrosa y merecedora de oscar, y al nivel de su actuación en El hombre que nunca estuvo allí de los hermanos Coen, incluso mejor. Uno de los mejores actores en la actualidad. Dicho año merecía ser nominado por los 2 films.

Halle Berry está mejor que nunca pero aún así, pienso que otra actriz lo hubiera incluso podido hacer mejor. Pero merece todos los aplausos porque es una increíble actuación también. Ganó en la Berlinale.

Los demás, tanto Boyle como Ledger (sorprendentmente en el caso del último) están fantásticos. Otra cosa que veo acertadísima es el título del film que hace referencia a la última noche de un condenado a muerte. Porque es como una metáfora, los personajes del film están condenados ya sea por sus ideas, por sus actos,… tienen ellos mismos que salir y reencontrarse. Hay personajes que ya no tienen solución, han cogido el camino del mal y no pretender apartarse de él. En cambio otros, que sí quieren, ayudándose mutuamente, a pesar de no tener nada y de haber perdido a todo lo que más querían siguen ahí, luchando aunque solo sea por ellos. Intentándose perdonar por sus errores pasados. La influencia puede hacer mucho daño, y en este film se puede comprobar. El padre de Hank convirtió a éste a una imagen y semejanza de quien realmente quería que fuera, apartándole de su madre y de todo lo que le podía haber inculcado ella.

El perdón y la compasión son elementos claves en la historia. Con ello no quiero decir que sea un film de lágrima fácil o algo así, es totalmente lo contrario, se aparta de ese prototipo y siempre se centra en la historia sin en ningún momento intentar manipular o infravalorar la inteligencia del espectador. Y eso ya dice mucho del film. Para mí, la mejor escena del film es la escena final. Una escena de una inteligencia y una elegancia formidable. Leticia ya sabe lo que le ocultaba Hank, aunque éste no es que se lo ocultara, sencillamente es que no serviría de nada explicárselo porque ya no había vuelta atrás. Ella al enterarse llora y está confusa, al llegar él con los helados y salir al patio a mirar las estrellas, se da cuenta de que lo ha perdido todo, echa un vistazo y ve las tumbas y con eso tb recuerda que él lo ha perdido todo. Entonces reflexiona si merece la pena perder lo único que le queda o pasar de largo y alegrarse de haberle encontrado. Porque en el fondo ambos se están rescatando de su particular infierno. La aceptación de la cuchara de helado de Leticia a Hank es uno de los "Te perdono" más bellos de la historia del cine. Y es que en el fondo, nada merece la pena para caer en el odio o en el rencor. Con ese plano del cielo estrellado acaba este film redondo. Un final sin apenas dialogos, pero sus miradas dicen más que cualquier palabra. Impecable final.

La realización de Forster es impresionante, para ser su primer film en serio, denota tener un control fílmico a la altura de muy pocos. Planos muy bien rodados y teniendo muy en cuenta el encuadre. La fotografía no se queda atrás, vaya joya. Atención a los créditos iniciales, con ese uso tan inteligente de los colores, jugando con la sombra del ventilador de techo, y la sobreexposición de imágenes en movimiento. Además cualquier escena nocturna ya sea dentro de un habitáculo o en un coche, está fotografiada de lujo.

La música no se queda atrás. Nos recuerda al mejor Cliff Martínez de Traffic. Uno ve las imágenes del film con la música de Asche & Spencer, sobretodo el tema Resignation, y no puede obviar que estamos ante algo de cómo mínimo calidad. Sinceramente no entiendo como se la marginó en los oscars con tan solo 2 nominaciones, me parece una de las mejores películas de aquel año y de muchos. Algunos han opinado que es algo lenta, yo creo que no es así. Recordemos que es un film totalmente independiente, hecho con un presupuesto bajísimo, pero con mucha imaginación y un casting de lujo que bajó sus pretensiones económicas mucho. Su duración no es excesiva y el ritmo está bien llevado por tanto no creo que sea muy lenta, eso sí, no es tan rápida como algunas películas de acción lógicamente y tiene un montaje al estilo clásico y que es de agradecer. En fín, Monster’s Ball es una de las películas más inteligentes y bien realizadas que he visto en mucho tiempo. Es un canto a la esperanza desde lo más profundo de las tinieblas, una historia que sobretodo es real y nos hace involucrarnos en ella y en sus personajes y eso es impagable. Cualquier cosa puede hacerte cambiar la vida y puede ocurrir en cualquier momento. En un instante ya no eres el que eras. Eso es Monster’s Ball.

Palmarés Mostra de Venecia 2005

2005-09-11T10:16:00.000+02:00

PALMARÉS MOSTRA DE VENECIA 2005:

León de Oro a la mejor película Brokeback mountain, de Ang Lee

Trailer de cine Pinta a otro peliculón de Ang Lee. Y con Jake Gyllenhaal y Michelle Williams, casi nada.

Gran Premio del Jurado Mary, de Abel Ferrara Premio Especial al director Philippe Garrel por Les amants réguliers Osella a la mejor contribución técnica William Lubtchansky por la fotografía de Les amants Osella al mejor guión George Clooney & Grant Heslov por Good night, and good luck Copa Volpi a la mejor actriz Giovanna Mezzogiorno por La bestia nel cuore Copa Volpi al mejor actor David Strathairn por Good night, and good luck Premio Marcello Mastroianni al actor o actriz revelación Ménothy Cesar por Vers le sud León de Oro Especial: Isabelle Huppert VENECIA ÓPERA PRIMA León del futuro-Premio Luigi De Laurentiis a la mejor ópera prima 13 (Tzameti), de Gela Babluani SECCIÓN HORIZONTES Premio Venecia Horizontes East of paradise, de Lech Kowalski Documental Horizontes Pervye na lune (The first on the moon), de Aleksey Fedortchenko SECCIÓN CORTO CORTISSIMO León d'Argento Citroën Xiaozhan (Small station), de Lin Chien-ping Mención especial Layla Afel, de Leon Prudovsky Premio UIP mejor corto europeo Butterflies, de Max Jacoby

Al final las grandes triunfadora fueron Brokeback Mountain y Good night, and good luck, que por sus trailers auguran ser grandes películas. Se confirma el talento de Clooney tras las cámaras, por fin se reconoce al gran David Strathairn, y habrá que echar un vistazo a lo último de Ferrara, gran premio del jurado. Sympathy for Lady Vengeance se ha ido de Venecia sin nada, veremos en su momento si merecidamente o inmerecidamente.

Saludos

La pasión de Cristo (The Passion of the Christ)- Mel Gibson (2004)

2005-09-09T22:31:00.000+02:00

Mel Gibson después de rodar la extraordinaria y ya mítica Braveheart ,muy criticada injustamente por algunos, se propuso llevar a la gran pantalla las últimas horas de Cristo y plasmar todo el sufrimiento del pecado humano que cayó sobre él. Sin duda, es una de las películas más duras que he visto jamás, una autentico sufrimiento de 2 horas que cuesta tremendamente acabar de verla, un caso similar a lo que ocurre con Casualties of War de Brian de Palma. El tono tan sumamente realista y en ocasiones cercano al documentalismo hasta límites exagerados que se le ha querido dar no sé si es un acierto y si en ocasiones es de absoluto mal gusto. Pudo haber sido tal cual, pero ¿es realmente necesario mostrar toda esa violencia tan continuada y tan explícitamente?, más que nada afecta por a quien representa. Sigo pensando que aunque el film tiene momentos de una elegancia superlativa, en otros se opta por la crudeza más devastadora. Adoro la sugerencia, no la imagen explícita.

Aún así, en este segundo visionado ha mejorado mi opinión sobre tan polémico film. En un primer visionado salí bastante enfadado del cine, no por ser una mala película sino por la forma en como está hecha y lo más grave es que me pareció ,y en ocasiones me lo sigue pareciendo, lo más cercano a un espectáculo gore. Reitero, pudo ser así (de hecho lo fue), pero sigo sin entender lo que llevó a Mel Gibson a hacer dicho film así, ya sabemos lo que sufrió Jesús en su camino hacia su crucifixión. Pero bueno, por lo menos la violencia mostrada en el film no es gratuita, ya que históricamente es tremendamente fiel. En una historia así no debe haber lugar para el sadismo y la recreación, aunque la historia fuera así, creo que Gibson ha abusado de ella en algunos momentos sobretodo en las escenas de la flagelación , simplemente insoportable, fuera de lugar y sin ningún tipo de excusa por parte del director (no me vale eso de que quería mostrar todo lo que sufrió jesús ya que otras películas históricas sobre el tema lo narran muy vagamente y eludiendo realismo, no me vale eso). ¿No hubiera sido mejor poner una toma en el suelo y que se oyeran solo los latigazos? Sería una forma de representar el sufrimiento de Cristo, terrible también pero no sádica y mucho más elegante. Supongo que Gibson habrá querido rendir un homenaje a su sacrificio por nuestra redención. Lo que no hay duda es que La pasión de Cristo es una película tremendamente valiente.

El film técnicamente es perfecto, eso está clarísimo. La fotografía de Caleb Deschanel es una maravilla, y junto a la de Robert Richardson en The Aviator, la mejor del pasado año sin duda.

Sus referencias caravaggianas, su toque barroco, su gran trabajo con la luz (ver la escena final en donde la luz abre el campo de imagen al espectador o las escenas del campo de los olivos, sublime fotografía nocturna), una autentica joya fotográfica es este film. Sólo por la fotografía ya merece la pena comprarse esta película. Una obra maestra fotográficamente hablando.

El vestuario y el maquillaje son espectaculares, las localizaciones perfectas, la música de John Debney una obra maestra con un uso de la cuerda y las voces corales apasionante. La dirección de Gibson es muy buena, aunque como es costumbre en él, hace un uso abusivo del ralentí, en algunas veces puede estar más o menos justificado y dota de elegancia a la escena pero en otros casos es porque sí. A recalcar que no me gustó pero nada el uso que hace de él durante el inicio del film, usándolo de forma similar a la trilogía Matrix, todo un desacierto y que está totalmente fuera de lugar. La historia que explica solo se puede rodar de forma bastante clásica, para estar acorde. Gran dirección artística.

Todos los flashbacks están extraordinariamente intercalados con la historia principal contada, me encanta la forma que tiene Gibson de explicarnos el mensaje de Cristo de una manera tan sutil.

Sin duda, el flashback más emotivo y conseguido es el de la madre que recuerda cuando en su día fue a recoger a su hijo tras una caída y se repite ahora con su hijo de nuevo caído pero con una cruz a cuestas con ese desgarrador grito de una madre destrozada: “Estoy aquí, estoy aquí”.

Una gran escena y en donde el rostro de Morgenstern nos describe perfectamente la impotencia y el terrible dolor con el que carga su difícil personaje.

El uso del flashback en La pasión es uno de las puntos positivos de la película.

El film está basado en los evangelios y en las memorias de las visiones de una monja. Muy destacable y acertada es también la representación del diablo en el film. Las actuaciones son muy buenas todas, incluídas las de los secundarios. A destacar Jim Caviezel, un excepcional actor y una persona muy religiosa que aceptó el papel encantado, Maia Morgenstern, una gran actriz rumana que aquí nos ofrece un impagable papel como María, el resto (Monica Bellucci, Sergio Rubini, etc... están muy correctos).

Buena dirección de actores y muy buena selección en el casting que en su totalidad es europeo a excepción de Caviezel.

Otro grandísimo punto a favor del film es haberla rodado en su idioma original (arameo y latín), y tener la valentía de estrenar un film en VOS en todo el mundo cuando la gente en su mayoría es recelosa de ver las películas así, cuando es como se deberían ver. La pasión de Cristo, como ya ocurriera en su día con La última tentación de Cristo de Martin Scorsese, ha sido duramente criticada y ha levantado una gran polémica sobre todo en ámbitos religiosos. Ha sido tachada de antisemita (cuando no lo es) y de muchas otras cosas. En mi opinión, creo que el film de Scorsese es más polémico que en este caso.

A parte de todo esto, este film fue un inusitado éxito de taquilla en medio mundo y eso que en un principio nadie quería distribuirla.

La película producida, coescrita y realizada por Gibson finalmente encontró distribuidor en Newmarket, la compañía independiente responsable de títulos de la calidad de Memento o Donnie Darko entre otros, proyectos siempre arriesgados y buen cine. No tan solo se arriesgaron en distribuir un polémico film sino que tuvieran una gran valentía en apostar por una película en VOS, y eso en Estados Unidos es casi equivalente a fracaso.

A diferencia de lo que pensaron, fue un éxito de taquilla, sobretodo porque el film es muy visual y se siguen muy bien los subtítulos.

Creo recordar haber leído que Gibson tenía la intención en un principio de rodar el film en VO sin el uso posterior de subtítulos (si nos fijamos en el montaje final del film tenemos algunos dialogos sin subtitulos y aún así se entiende perfectamente lo que quieren decir), que con la fuerza visual de las poderosas imágenes fuera suficiente. Por supuesto, vio que aquello no se lo distribuiría nadie nunca, optó por los subtítulos. Pero es de admirar la valentía de este director, mucho mejor que actor por cierto.

De La pasión se quedan en mente muchas escenas, algunas por su belleza poética, otras por su emotividad y otras por su terrible realismo y dureza.

Todos los flashback son en mi opinión lo mejor de la cinta, el verdadero mensaje de Cristo, lo que realmente importa. A mi no me importa ver como todo el pecado humano recae sobre un cuerpo destrozado y violentamente golpeado sin cesar, lo interesante del film es sin duda el trasfondo y el mensaje de amor existente entre las personas.

Sublime me parece el inicio con ese dialogo entre Jesús y Satanás, esa lucha entre el bien y el mal, que le acompaña durante el resto de sus horas de vida. Jamás habrá lugar para el odio, el rencor o la venganza.

Os recomiendo el dvd editado por Aurum, que aunque no disponga de extras (en principio se espera en un futuro una edición especial de este film) con una imagen y sonido (tanto dolby digital como DTS) de autentica referencia, formato panorámico con mejora anamórfica y una nitidez increíble. Un máster de alta definición con una tasa de bits altísima, podría pasar perfectamente como una edición SuperBit.

La calificaría como una notable película pero terrible. Una historia con momentos bellos (todos los flashbacks, la escena de la gota digital, la escena de cuando Judas besa a Jesús y al que le dice “Judas, ¿entregas con un beso a el hijo de El Hombre?”, ....) pero otros durísimos. Una película ante todo valiente por su propuesta de presentarla mundialmente en VOS.

Es un film que afecta tremendamente, hace partícipe del sufrimiento de Cristo y ahonda en los sentimientos más puros de los espectadores. Una de las películas que más llega al corazón que haya visto jamás.

Last life in the universe (Ruang rak noi nid mahasan) - Pen-Ek Ratanaruang (2003)

2005-09-07T12:07:00.000+02:00

Una gran película. De Obligada visión. Tras verla y pensar en ella, me ha recordado algo a Lost in translation de Sofía Coppola, pero esta es mucho más oscura, abstracta, misteriosa y violenta. Es una especie de Lost in translation tailandesa.

Last life in the universe es ante todo una historia de amor imposible entre 2 personas muy diferentes pero que se aprecian de alguna forma, eso sí, una forma muy extraña, peculiar pero que no llega a extremos ki-dukianos, todo haya que decirlo. Una historia sobre miedo, sobre escapar ya sea por medio de un viaje o suicidio, sobre la esperanza en un mundo desperanzador, la ilusión, etc.... Una película tremendamente de autor, compleja, muy profunda, abstracta y dificil.

Nos relata la relación de 2 personas, Kenji (Tadanobu Asano), un chico que trabaja en una librería, obsesionado en tener todo ordenado y en su sitio y que en su casa solo dispone de libros y más libros, y suicida crónico y potencial . Kenji es un japonés afincado ahora en Tailandia hasta que por circustancias de la vida y cuando creia que el final estaba a punto de llegar, conoce a Noi (Sinitta Boonyasak), cuya hermana Nid (Laila Boonyasak), acaba de morir de accidente de coche, y desea ir a Osaka (Japón). Es una película llena de momentos silenciosos, de dialogos cortos, de miradas, de gestos, lleno de sentimientos coartados pero verdaderos, todo ello en una historia de aprecio atípica, surrealista y sobretodo extraña.

La filmación de Pen-Ek Ratanaruang, es no buena no, es impresionante. Qué gran talante en rodar las escenas, qué maravilla de planos encuadrados, que escenas quietas que no veia desde la época de Yasujiro Ozu,... extraordinariamente rodada. Sin duda, el mejor realizador tailandés del momento y de lo mejor de Asia.

Mención especial a la fotografia de Christopher Doyle, simplemente perfecta la atmósfera creada para el film que sin duda es la representación gráfica del estado emocional de los personajes.

Las actuaciones: de altura. Me rindo ante Tadanobu Asano, un maravilloso actor, visto en las estupendas Ichi the killer, Survive Style 5+, Vital, Zatoichi, Café Lumiere, etc.... En este film está soberbio. Por Last life in the universe ganó el premio al mejor actor en el Festival de Venecia al mejor actor.

Los demás actores/trices tb muy bien. A destacar esa aparicíón freak del poster de Ichi the killer, y el yakuza interpretado por Takashi Miike. Muy buena.

Mostra de Venezia 2005

2005-09-01T12:47:00.000+02:00

MOSTRA DE VENEZIA 2005:

La seconda notte di nozze, de Pupi Avati (Italia) O Fatalista, de Joao Botelho (Portugal/Francia) Vers le sud, de Laurent Cantet (Francia/Canadá) Gabrielle, de Patrice Chéreau (Francia/Italia) Goodnight and Good Luck, de George Clooney (EEUU) La bestia nel cuore, de Cristina Comencini (Italia) I giorno dell’abbandono, de Roberto Faenza (Italia) Mary, de Abel Ferrara (Italia/EEUU) Les Amants réguliers, de Philippe Garrel (Francia/Italia) Garpastum, de Aleksey German Jr. (Rusia) The Brothers Grimm, de Terry Gilliam (Gran Bretaña) Changhen ge, de Stanley Kwan (China/Hong Kong) Brokeback Mountain, de Ang Lee (Canadá) Proof, de John Madden (Gran Bretaña/EEUU) The Constant Gardener, de Fernando Meirelles (Gran Bretaña/Kenia/Alemania) Espelho magico, de Manoel de Oliveira (Portugal) Chin-jeol-han Geum-ja-ssi (Sympathy for Lady Vengeance), de Park Chan Wook (Corea) Romance and Cigarettes, de John Turturro (EEUU) Persona non grata, de Krzysztof Zanussi (Polonia/Rusia/Italia) Fuera de concurso: Frágiles, de Jaume Balagueró (Spain) Backstage, de Emmanuelle Bercot (France) Corpse Bride, de Tim Burton & Mike Johnson (UK) Perhaps Love, de Peter Ho-sun CHAN (China/Hong Kong) All the Invisible Children, de Mehdi Charef, Emir Kusturica, Spike Lee, Kátia Lund, Jordan Scott, Ridley Scott, Stefano Veneruso, John Woo Elizabethtown, de Cameron Crowe (USA) The Exorcism of Emily Rose, de Scott Derrickson (USA) Edmond, de Stuart Gordon (USA) Casanova, de Lasse Hallström (USA) Cinderella Man, de Ron Howard (USA) The Fine Art of Love-Mine Haha, de John Irvin (Italy/Czech Republic/UK) Initial D, de Andrew Lau & Alan Mak (Hong Kong) Yokai Daisenso, de Takashi Miike (Japan) Final Fantasy VII: Advent Children, de Tetsuya Nomura (Japan) Le parfum de la dame en noir, de Bruno Podalydes (France) Four Brothers, de John Singleton (USA) Bubble, de Steven Soderbergh (USA) Seven Swords, de Tsui Hark (China/Hong Kong)

Este año la mostra de Venecia nos ofrece una sorprendente (para mal) mezcla de obras, que irán desde una a priori clara calidad elevada a otras obras ya posiblemente infumables viendo sus creadores y sorprendentes que formen parte de un festival internacional de este calibre.

En principio las mejores pueden ser: Goodnight and good luck de Clooney (con un gran debut con la fantástica Confessions of a dangerous minds) rodada en B/N, Brockeback Mountain, lo último del gran Ang Lee con Jake Gyllenhaal de protagonista en una historia totalmente atípica y con una temática que ciertamente no me interesa, pero la quiero ver por su realizador el cual siempre ofrece algo de calidad, The Brothers Grimm: si Gilliam mantiene el altísimo nivel de su excepcional 12 Monkeys, podemos estar ante otra joya surreal suya, The Constant Gardener, lo último de Meirelles director de la obra maestra Ciudad de dios, pinta realmente esta adaptación de Le Carré, con el siempre convincente y excelente actor Ralph Fiennes; Espelho Magico del maestro Oliveira, cuya anterior obra suya (una película hablada) era una joya; Sympathy for Lady Vengeance de Park Chan-Wook cerrará la exquisita y maestrísima trilogía de la venganza formada por las anteriores (y obras maestras) Sympathy for Mr. Vengeance y OldBoy, decir que existirán dos versiones del propio film, una en B/N y otra en color, la proyectada será la copia en B/N, uno de los films más esperados tras OldBoy; Romance & Cigarretes la opera prima de Turturro, que pinta realmente bien.

De las de fuera de competición, interesantes pueden ser Corpse Bride, película animada de Burton y Johnson, el film chino Perhaps Love, Casanova del siempre eficaz Hallström (Chocolat, Quien ama a Gilbert Grape?), Initial D, el regreso tras las cámaras de los creadores de la extraordinaria trilogía hongkonesa de Infernal Affairs, lo último del loco de Takashi Miike y Final Fantasy VII: Advent Children.

Sorprende y mucho que nombres como Ron Howard, Balagueró o Tsui Hark aunque estén fuera de concurso hayan entrado a formar parte del festival, la verdad es que dice muy poco de Venecia que esos proyectos que parecen bastante flojos a priori estén ahí.

Ojalá gane Park Chan-Wook, sería el broche de oro para una trilogía inmejorable e inolvidable. Un premio por realizar 3 clásicos contemporáneos y por su labor de realización tan exageradamente perfecta.

Saludos

El fuego de la venganza (Man on fire)- Tony Scott (2004)

2005-08-30T14:14:00.000+02:00

Man on fire: El samurai que encontró su camino

Antes de nada decir que ha sido para mí, un autentico sorpresón de película. Pensaba que sería el típico producto comercial al uso, y me parece un autentica peliculaza de venganza, que ojalá hubiese caído en manos de un director más talentoso. Lo dicho, una muy agradable sorpresa. La definición perfecta para esta película es desgarradora. Cuya trama principal se centra en la ola de secuestros que azota a América Latina, en concreto en Ciudad de Méjico, y la alta seguridad llevada a cabo por los vigilantes, sin ignorar, claro está, la corrupción policial de estos países. Man on fire es una historia que no solo trata de venganza, sino también sobre cariño, entrega, esperanza y redención. Creasy, el personaje interpretado por Denzel Washington es una persona dura, dejada al destino, necesitada de atención y cariño a pesar de ese “vestido” que lleva que le hace parecer alguien que no teme a nada. Abandonado en la lamentable vida alcohólica que le impide trabajar en algo importante a pesar de su extraordinario currículum, ahora se encargará de proteger a una niña de posibles secuestros.

A Creasy lo veo como un samurai, un guerrero solitario, un ángel exterminador, con algunas similitudes a el personaje de Alain Delon en una de las cumbres del polar francés El silencio de un hombre (le Samuräi) de Jean-Pierre Melville, o por ejemplo al personaje de Edward Fox en la original Chacal de Fred Zinemann, salvando las distancias claro. También a muchas películas de samuráis japonesas con Toshiro Mifune de actor. Personajes oscuros, implacables, que anteponen su misión incluso a sus propias vidas. Creasy, es también alguien triste, alguien perdido, sin ganas ni futuras expectativas, cuya frustración ahoga con la bebida, pero de la que no puede huir. Véase esa escena en su primera noche. Gran escena la de la bala, una bala que vale una vida, y como dice Creasy: “Una bala siempre dice la verdad”. Por tanto, quizás merezca vivir, quizás aún tenga algo que hacer en este mundo y de lo que sentirse satisfecho.Fantástica esta escena bajo la lluvia con la bala de Creasy apretada fuertemente con su mano, una escena que nos viene a dice ,como si dijera Dios: “Toma, aquí te doy una segunda oportunidad, aprovéchala”.

Solo Pita (Dakota Fanning) es capaz de ver la tristeza que abunda en el corazón de Creasy. Una niña mucho más inteligente y madura de lo que se espera y que sabe lo que le costará su amistad y cariño, bien demostrada durante la segunda mitad del film. En un inicio, Creasy se mentaliza de que es un trabajo más y no quiere ningún tipo de relación demasiado social con quien va a proteger, por el simple hecho de no identificarse emocionalmente y no tener posibles consecuencias en su trabajo. Ella, Pita, consigue devolver una sonrisa, algo ya olvidado, a Creasy, le ofrece su amistad incondicional, y lo que es más importante es que confía y cuenta con él.Primeramente, él no valora eso pero con el tiempo se da cuenta que es como un segundo padre para ella. Lo que para Creasy parecía un trabajo más, se convierte casi en un placer, ya que su compañía le devuelve la fe en sí mismo. La autoestima es algo tremendamente importante en un trabajo como el suyo. Incluso, Creasy la entrena para que pueda conseguir ganar el título de natación tan ansiado por ella.

Los padres de Pita interpretados por Marc Anthony (Samuel) y Radha Mitchell (Lisa), son padres que suelen viajar mucho por negocios, gente con dinero, expuesta a secuestros, robos y demás delitos extendidos en Méjico.La relación con Pita es muy diferente con ambos. Su padre es la autoridad, es como alguien con quien poder solo hablar y al que hay que obedecer. En cambio, con su madre existe una relación mucho más afectiva y sincera. Todo va bien hasta que Pita es secuestrada por una cofradía. En el suceso, Creasy es herido de mucha gravedad, y en seguidamente acusado por matar a 2 policías, que en el fondo eran corruptos. Mientras tanto, se negocia el rescate de Pita. Todo se va al traste.

Tras una larga recuperación en cama, Creasy al enterarse de tan horrible noticia (la muerte de Pita) jura venganza a todo/a aquel/la relacionado/a con la muerte de la pequeña. Una escena que me encanta de Man on fire es la de la conversación entre Rayburn (Christopher Walken) y Manzano(Giancarlo Giannini), que en el fondo es un guiño a las ya famosas escenas de dialogo entre Dennis Hopper y Christopher Walken en Amor a quemarropa o a la de Gene Hackman y Denzel Washington en Marea Roja, ambas de Tony Scott justamente. Como dice en dicha conversación Rayburn, el colega de Creasy: “él impartirá más justicia en un fin de semana que sus tribunales en 10 años, pero no se cruce en su camino” Y le sigue la siguiente frase, también de Rayburn: ”un hombre puede ser un artista, en lo que sea, cocinando por ejemplo. Depende de lo bueno que sea haciéndolo. El arte de Creasy es la muerte y está a punto de pintar su obra maestra”.

Creasy empieza junto a el apoyo documental de una periodista la búsqueda de los responsables mayores o menores del secuestro y posterior posible asesinato de Lupita “Pita” Ramos, en donde a quien encuentra va sacando información. Y su venganza será implacable y sin lugar a la compasión.A quienes pidieron piedad respondía con la frase: “El perdón es entre Dios y ellos, yo solo les facilito la entrevista”.

Dentro de esta parte me parece magnífica la escena de cuando Creasy vuelve a la casa de los Ramos para aclarar cuentas con el padre de la familia Samuel (Marc Anthony), involucrado junto a su abogado (Mickey Rourke) en el secuestro de su propia hija. Su mujer, Lisa (Radha Mitchell) explota y pide a Creasy que le mate o lo hará ella. De forma elegante, Creasy decide entregarle la bala que le salvo la vida y repite la frase: "Una bala siempre dice la verdad". En una escena ante esa capilla frente a la virgen de Guadalupe llena de la luz de las velas incandescentes, es donde se hace justicia en forma de suicidio. Destaco también la escena debajo del puente entre el jefe mayoritario de la cofradía y policía corrupto y Creasy, en donde lamentablemente en la edición en dvd a nivel mundial se ha suprimido el contador de la cuenta atrás ubicado en la imagen, con ello dotaba de mucha más tensión de la que ya tiene. Finalmente, y tras un camino lleno de violencia, sangre y muerte, da con uno de los máximos responsables: “La voz”. Tras conseguir hablar vía movil con él, Creasy le ofrece un trueque: un cambio entre el hermano de “La voz” ,que lo tiene atado, por Pita, que aún está bajo secuestro, y por él mismo. Creasy al enterarse de que aún sigue en vida, contacta con Lisa, la madre de Pita, para informarle que el lugar y la hora en donde se hará el cambio. Dicho cambio se realizará justamente en un puente. Un puente que unirá dos vidas separadas (Lisa y Pita) por la tragedia y en medio se encuentra Creasy, el héroe, ahora herido de bala.

Tras conseguir reunir madre e hija de nuevo, él acepta su destino: la muerte. Como acordó se entrega a ellos. Es un hombre de palabra, honorable, como lo eran en su tiempo los samuráis. Será una muerte lenta pero ha conseguido algo, en el fondo está orgulloso de cómo ha acabado todo, sabe que estará siempre en el corazón de esa madre y de esa niña y que su coraje y su memoria perdurará para siempre. Creasy siempre será el padre que Pita no tuvo. Impresionante y valiente final. Emotivo, realista y con unas actuaciones de altura, sobretodo por parte del triplete mágico Washington, Fanning y Mitchell. Y para culminar la canción de Carlos Varela (Una palabra) acompaña a Creasy en los últimos minutos del film y en sus últimos minutos de vida, sujetando fuertemente su tesoro más preciado: ese colgante de San Judas patrón de las causas perdidas, que en su día le regaló Pita. Memorable. Sin dudarlo, de lo mejor de la cinta, son las actuaciones, excelentes y sobrecogedoras todas y cada una, empezando con el gran Denzel Washington que de nuevo nos ofrece una de tantas actuaciones complejas e impactantes. Seguido iría la extraordinaria actriz ya, a su corta edad, Dakota Fanning, una actuación a recordar, y sobretodo muy sorprendente, aunque en Yo soy Sam ya nos regaló otra actuación memorable. Por último y para acabar este gran triplete de oro, estaría la siempre fabulosa Radha Mitchell vista en Melinda & Melinda (qué gran doble actuación), Finding Neverland o Pitch Black entre otras, y en Man on fire se luce también. Gran actriz que debería ser más conocida por la calidad que tiene. Lo cierto es que me ha sorprendido mucho que la academia ignore tales interpretaciones, bajo mi punto de vista, las 3 merecedoras de nominación. Del resto, Walken, Giannini, etc... convicentes. Muy destacable también es la historia y el guión. Tras el guión, está Brian Helgeland, magnífico guionista creador de los libretos de nada más y nada menos que L.A. Confindetial y Mystic River. Aquí nos cuenta otra historia de venganza pero en otro marco y con otros elementos. Fantástica historia. Uno de los mayores alicientes del film. La música de Harry-Gregson Williams contiene algunos temas bastante buenos, pero destaco el tema final: The End con la colaboración inestimable de Lisa Gerrard, cantante del grupo Dead Can Dance, y que también colaboró muy activamente en las soundtracks de Gladiator o The Insider. Man on fire, demuestra que hoy en día y aunque parezca mentira, la comercialidad no está reñida con la calidad. He aquí una muestra. Es algo muy excepcional pero ojalá todas las películas comerciales fueran como esta. Uno de los puntos más negativos es la dirección y el posterior montaje.Es una pena como una película con tan buena historia, tan magnas actuaciones, con música decente y un equipo bueno pueda ser estropeado de la forma tan insultante como lo ha hecho Tony Scott. Ojalá hubiera caído en manos de un director con más talento tras las camaras. La dirección de esta película y el posterior montaje en post-producción es lo más parecido a un autentico bombardeo infinito de imágenes, efectos sin ton ni son del tipo videoclipero por decirlo suavemente, constantes vaivenes de efectos de contraste, luminosidad (con flashes muy molestos) que lo único que consiguen es aturdir al espectador y que su proyección llegué a ser cansina por su reiterativo uso efectos de montaje que van desde el desenfoque, zoom constante, movimiento de cámara exagerado, etc.. El film, tiene detalles curiosos como los subtítulos iniciales móviles y muy originales, que el director los califica de narración visual. Pero bueno a mi sinceramente Tony Scott siempre me ha parecido un director que abusa muchísimo de la sala de montaje y cree estar haciendo un videoclip de 2 horas y 20 minutos y eso no hay quien lo aguante a parte de él, claro. A banda de su filmación, que cuando la camara se queda quieta da gusto pero el resto no, como he dicho me sigue pareciendo una gran película. La dirección y el montaje no empañan el resultado final, ya que las actuaciones y la historia son buenísimas. Haber, claro está, que si la hubiese dirigido otro realizador quizás sería mucho mejor, pero como no es así, le bajo la puntuación por esa mala dirección y horroroso montaje. A los que no la hayáis visto, solo les pido que la vean sin prejuicios, es lo mejor. Disfrutad de esta película, que os aseguro que ofrece mucho más que un film comercial normal.

Una gran película. Saludos

Oleada de buen cine francés de la mano de Sherlock Films e Intermedio

2005-08-17T14:21:00.000+02:00

Distribuidas por Sherlock: Increíble lo que nos está ofreciendo la distribuidora Sherlock Films, exiliada de Manga FIlms, grandes productos con una calidad audiovisual impresionante con la certificación de cines Verdi. De Jean-Luc Godard: - Banda aparte (al fin!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!) - Week-End - Todo va bien - Yo te saludo María

De Jean Vigo: Digipaq de LUJO con su obra integra. Un servidor ya lo tiene comprado del Fnac que lo tenía en exclusiva y es un tesoro a guardar casi bajo llave. Impagable edición.

distribuidas por Intermedio: De Jacques Rivette: (prox. lanzamientos) - El amor por tierra - La banda de los cuatro - Historia de Marie y Julien - La bella mentirosa - Cumbres borrascosas - Confidencial La ruina xD,.... si a eso le añadimos las ediciones de la filmoteca de la Fnac con títulos como Down by Law o Mystery Train de Jarmush o las muchas obras imprescindibles de Fassbinder, Kitano o Cassavetes, la rehostia, vamos. Saludos

Los 4 fantásticos (Fantastic Four) - Tim Story (2005)

2005-08-15T20:47:00.000+02:00

El otro día, y esta vez no invitado, me fui a ver la última tontería americana: Los 4 fantásticos, todo ello en un cine al aire libre con mosquitos por todos lados, con una pantalla de lo peor, y un sonido que si no era Mono Aural poco le faltaba. Para colmo la entrada valía 4.50, que es lo mismo que el día del espectador en cualquier cine decente, y oigo a uno decir: ¡Qué bien, lo han bajado! xD. Yo soy fan del cine al aire libre y si puede ser que esté uno ahí tirado en el césped, pero con un mínimo de condiciones, que el cinema paradiso ese de los años de la catapum se oía y veía mejor xD. Antes de empezar a verla me provisioné de palomitas y bebidas y helados no vaya a ser que me dé algo viéndola y no lo cuente y me levante en urgencias con una gastronteritis aguda (y no por las palomitas justamente). Señores, señoras, la serie B ha vuelto a los cines en todo su esplendor pero sin su encanto de antaño. Me explico, Los 4 fantásticos es un producto blockbuster majete y algo entretenido, con muchas bromas (no hace falta que diga tontas no?) con muchos y muy buenos FX y un score que me pareció del todo inexistente, unas actuaciones muy regulares, y una Jessica Alba increíble. En pocas palabras, nos explica la historia de 4 tipos que se ven expuestos a una fuerza radioactiva de origen desconocido y que se quedan hechos unos cromos. Uno puede alargar las partes de su cuerpo (chistes tontos con lo que puede o no alargar), uno se ha quedado hecho un trozo roca (chistes tontos de si es feo o no), la otra se hace invisible pero para que cada vez se debe desprender de la ropa (chistes tontos a ver si alguien la ve en bolas), el otro que está medio día chamuscao y que además se dedica a hacer en la peli el papel del típico chulito, gracioso, bromista y pone-motes (este es el “ingenioso” creador de la mayoria de los chistes) y el malo, un tipo que más que malo es tonto (ese no hace chistes, él solo ya lo es). Me habían dicho que la peli era la chusma del año, una de las peores pelis, ... yo no lo creo así, nos ofrece muchas cosas xD. Para empezar, una historia que no nos importa un pimiento pero nos entretiene, unos personajes a cual más "ingenioso" xD, una chica guapa que luce modelitos, unos FX cojonudos, una duración muy justita, la peli no es pretenciosa. En fín, una peli de aquellas para usar y tirar pero se han visto cosas peores (o eso creo..). En cuanto a la dirección de Tim Story muy sosita y sencillita, sin ningún tipo de alarde o de riesgo. Muy regular en este aspecto. Casi parece que me haya gustado.... pero no es así eh?? Lo peor de todo es que habrá secuela, bueno.. ellos verán. En fín, haber si Sin City arregla este verano lleno de pelis vacías y bajas en calidad y por fin no tengo que acudir a kilos de palomitas para contrarrestar la basura en pantalla. Saludos

Especial Gángsters WB Vol. 1: Los violentos años 20 (The Roaring Twenties) - Raoul Walsh (1939)

2005-08-12T23:34:00.000+02:00

Introducción histórica (sacado de internet) sobre el período de la ley seca estadounidense: Gracias al tráfico de esclavos, el cultivo del tabaco, la importación de especias y manufacturas del lejano Oriente y la industria manufacturera que a partir de 1820 observó un crecimiento espectacular, la Unión Americana comenzó a perfilarse como la superpotencia económica que es ahora. No obstante, junto con este grandioso despegue fueron surgiendo cinturones de relativa miseria en torno a los principales núcleos urbanos. Entre los primeros pobladores, estas condiciones suscitaron una preocupación y una desconfianza que fueron creciendo conforme la inmigración avanzaba en los estados sureños, conforme la criminalidad pudo asociarse a la alteración de la conciencia, y conforme el gusto por ésta pudo atribuirse a los recién llegados. Así pues, durante la segunda mitad del siglo XIX, los sectores más conservadores de la sociedad se dieron a la tarea de organizar distintas asociaciones promotoras de la templanza y el deber cristiano. En 1869 se fundó el Prohibiton Party, que pronto logró controlar varios senados y ligas dedicadas a la defensa del decoro y la sobriedad como la Women's State Temperance Society. Ligas que coincidían en temer "la degradación etílica de América". En 1873 surgió la Vice Suppression Society y en 1895 la Anti-Saloon League, que rápidamente alcanzó millones de asociados al proponer el cierre de los salones "para acabar con la embriaguez, el juego y la fornicación". Todas estas agrupaciones tienen en común su aversión por el alcohol y otras drogas psicoactivas a las que relacionan con ciertos grupos étnicos. Grupos a quienes se atribuyen problemas como el desempleo, la sedición y la violencia. En el caso concreto del alcohol, el estigma recayó sobre los inmigrantes italianos e irlandeses y, en menor medida, sobre los judíos. El aumento en los niveles de alcoholismo en aquel entonces coincide con la implementación de nuevas condiciones de vida tales como: turnos de doce horas siete días a la semana en instalaciones insalubres, hacinamiento en suburbios miserables, indefensión ante cualquier mano de obra dispuesta a trabajar por menos salario, segregación por razones étnicas o nacionales, etc. No obstante, en el nuevo sistema penitenciario, la orientación segregativa e institucional se combina con el convencimiento de que las nuevas condiciones de vida no son un factor determinante del alcoholismo sino al revés. Estando así las cosas, no resulta sorprendente que en 1914 el Congreso norteamericano reciba un pliego con seis millones de firmas recabadas por las agrupaciones conservadoras pidiendo la Ley Seca. Hasta estos momentos sólo habían aparecido los intereses ideológicos y económicos de las comunidades que, al buscar mano de obra barata, se vieron afectados por las condiciones que ellos mismos propiciaron; pero a partir del pliego petitorio comienzan a surgir otro tipo de intereses: los intereses del estamento médico. Durante todo el siglo pasado, no había droguería que no contemplara entre sus existencias varias bebidas alcohólicas porque no había terapeuta (con o sin título) que no incluyera al alcohol entre sus recetas. Sin embargo, en 1916 la Pharmacopeia of the USA comienza por borrar el whisky y el coñac de su lista de drogas medicinales y un año después, la Asociación Farmacéutica retira de la Pharmacopeia todas las bebidas alcohólicas. A simple vista, esto podría interpretarse como la aceptación expresa de médicos y farmacéuticos sobre los efectos nocivos del alcohol y su inutilidad terapéutica, pero como pronto se verá, aquí hay algo más en juego. Debido al espíritu libertario de los pioneros, una ley que prohibiera el consumo de cualquier bien o producto no podía aprobarse sin modificar la Constitución, por lo que los prohibicionistas se vieron en la necesidad de "enmendar" su Carta Magna para permitir el recorte de las libertades civiles. De esta manera, en 1919, cuando entra en vigor la Enmienda XVIII que permite aprobar la llamada Ley Volstead o Ley Seca, la venta y la fabricación de todo tipo de alcohol se castiga con multa y prisión. Sólo el vinagre y la sidra quedan exentos, mientras que se autoriza la utilización del vino "para la santa misa" y (aquí viene lo interesante:) el "uso médico" de las demás bebidas alcohólicas. Nos es de extrañarse pues, que al año siguiente la Asociación Farmacéutica vuelva a incluir nueve clases de alcohol en la Pharmacopeia. Casualmente las más apreciadas por los bebedores estadounidenses. En cuanto la Ley Seca entra en vigor miles de médicos, dueños de droguerías y farmacéuticos solicitan licencias para recetar y vender bebidas alcohólicas. Lo que acontece a continuación en el territorio estadounidense resulta obvio: En 1923, a tres años de la prohibición, hay ya todo un sindicato del crimen organizado que irá afianzándose durante los años sucesivos. En 1928, a ocho años de la prohibición, hay más de 100,00 terapeutas inscritos en el registro especial para expender alcohol y están ganando el equivalente al 100% de lo no percibido por el Tesoro por concepto de impuesto sobre alcohol. En 1932, a doce años de la prohibición, hay ya casi 30,000 personas muertas por beber alcohol metílico y otras adulteraciones venenosas, y hay 100,000 consumidores con lesiones permanentes como ceguera o parálisis. Lo siguiente también es obvio: en 1933, al cumplirse los trece años de vigencia de la prohibición, la Enmienda XVIII es derogada por la Enmienda XXI: vuelven a admitirse la fabricación, el tráfico y el consumo público del alcohol, convencida la nación de que la Ley seca, lejos de rendir los resultados esperados, provocó una abrumadora corrupción, injusticia, hipocresía, la creación de grandes cantidades de nuevos delincuentes y la fundación del crimen organizado.

Sobre el film (texto y capturas mías):

Una absoluta obra maestra del cine de gánsters. Sin dudarlo, The Roaring Twenties es el film de gánsters de la Warner Brothers más completo y que abarca un período más amplio, desde la 1a guerra mundial hasta el final de la ley seca. Un autentico referente ya no cinéfilo solamente, sino a nivel histórico. Porque dicho film es ,en el fondo, histórico, las historias acontecidas y los personajes que circulan en ella son semi-reales o una imagen cercana de lo que realmente serían, teniendo en cuenta que el guionista y escritor tenía muchos contactos con gente de mafias. The Roaring Twenties nos narra la historia de 3 personajes, cada cual simboliza una cosa. Eddie Bartlett (James Cagney), simboliza el anhelo de ser alguien. Un tipo bondadoso, con corazón que se ve casi obligado ,por el abusivo paro y malas condiciones de trabajo, a formar parte del crimen organizado. Eddie llega a lo más alto desde la nada, en eso, recuerda a los personajes Tony Montana (Scarface) o Henry Hill (Goodfellas). Eddie es alguien sencillo, en el que nos podemos sentir identificados, pero a raíz de la depresión se enbarca en algo peligroso y que le costara muy caro.

George Hally (Humphrey Bogart) representa el mal, el lado oscuro de la mafia. Un hombre sin sentimientos, al cual matar a alguien le resulta un juego y al que la traición le cuesta bien poco.

Lloyd Hart (Jeffrey Lynn) es sin duda la responsabilidad, el ejemplo, el buen hacer, el camino a seguir. El tiempo le dará la razón. A parte de estos 3 personajes, hay otros 2 con su importancia en el film. Panama Smith (Gladys George) representa la mano derecha de Bartlett (Cagney). Una mujer que lo da todo por él, paga su fianza cuando le encarcelan, se asocia con él al principio para el tráfico de alcohol usando el club donde canta ella, está con él hasta cuando ya lo ha perdido todo y no es nadie. Ella siempre le quiso y jamás recibió casi nada a cambio.

Jean Sherman (Priscilla Lane) es la cantante del club recomendada por Bartlett(Cagney) a los propietarios de dicho local. Conoció a Bartlett tras mandarle cartas cuando él era soldado, y tras visitarla un día en su hogar quedaron en que se verían en un futuro y así fue. Bartlett siempre estuvo enamorado de Jean, pero ella prefirió a Lloyd.

La película usa tono documentalista en una buena parte del film, eso dota de realismo y calidad. Esa voz en off, esos zooms, esa dirección de Walsh nos recuerda a momentos de films de Scorsese. Se diría que es muy Scorsesiana, pero como aún no estaba este buen hombre haciendo pelis, diremos que es Walshiana. Se podrían destacar innumerables escenas de esta fabulosa película, como la curiosa metáfora del inicio del film con los 3 personajes principales en medio de la batalla, o la escena final entre Cagney y Bogart lo que claramente representa un duelo entre alguien que ha aceptado quien es a pesar de estar en lo más bajo, y de alguien que sigue soñando y aspirando a lo inalcanzable, o esa escena en donde la siempre agradable Panama Smith abraza al cuerpo de Bartlett en las escaleras nevadas, etc... Reconozco que soy un autentico fan del cine negro, me parece un género con mucho juego a dar, que muchas veces nos da personajes impagables y cuyas tramas suelen ser apasionantes. Este film está claro que ha inspirado a otros grandes realizadores como pueden ser Sergio Leone con Érase una vez en America (Once upon a time in America) o Martin Scorsese con por ej. Uno de los nuestros (Goodfellas) o más vagamente en Casino, entre otros.

Las actuaciones son fabulosas, sobretodo James Cagney un pedazo de actor, que le ocurre exactamente lo mismo que a Edward G. Robinson, ya que no son tan famosos como otros como Humphrey Bogart o Cary Grant pero son mil veces mejores como artistas. Lo que comentaba, fabuloso Cagney, sobretodo porque se aparta del prototipo de matón que ya había rodado en otras pelis de la Warner como Al rojo vivo por ej.. Aquí nos ofrece una actuación llena de matices, y un personaje totalmente atípico en este tipo de films e interesante. Ver por ej. la escena hacia el final ante Bogart, está sublime, ahí sale realmente el interior de su personaje. Os recomiendo que veáis a Cagney en Un Dos tres de Billy Wilder, una de las mejores actuaciones de la historia del cine. Humphrey Bogart y Jeffrey Lynn están correctos. Priscilla Lane es una actriz bastante decente. En este film además baila y canta y muy bien por cierto. Pero la mejor actuación con diferencia del film junto con la de James Cagney, es la de Gladys George como Panama Smith. Un personaje totalmente carismático, que transmite felicidad, diversión pero también tristeza, ternura e incluso en ocasiones pena. Ver la escena de cuando Bartlett (Cagney) la agarra la mano, y días después y tras haberse enamorado de Jean (Priscilla Lane) simplemente le pica encima de la mano siguiendo la canción que Jean está cantando. El cambio en su rostro es soberbio y ese uso tan inteligente de Walsh de mostrar eso así y sin cortar. Una joya de papel. Os recomiendo que os hagáis con el dvd editado hara poco tiempo por Warner Bros, con una imagen y sonido muy decente, y unos extras de lo más interesante sobre todo uno de Noche de Warner, con toda la emisión de la Tv antes del film con cortos de la Warner y animaciones. Raoul Walsh, el director, un autentico maestro en esto, consiguió con esta, una de sus películas más logradas y en mi opinión, una mirada seria y documentada sobre el mundo del crimen organizado durante la ley seca. Una historia sobre la gloria y la posterior caída de un hombre (cosa ya vista aunque de forma diferente en por ejemplo Goodfellas o Scarface tanto la versión de Hawks como la de De Palma).

Y aquí os pongo el fantástico dialogo final, que al fin y al cabo es un resumen del film y de los personajes de James Cagney y Gladys George: Atención, spoilers: Panama Smith (abrazando a Bartlett en las escaleras): Está muerto Policía: ¿Quién es ese hombre?[Viniendo a decir que no es nadie, en su día sí fue importante, pero ahora ya no, nadie le conoce ni recuerda salvo su insperable Panama] Panama Smith: Eddie Bartlett Policía: ¿Era usted algo de él? Panama Smith (con lágrimas en los ojos): No, solo una gran amiga. Policía: Parece un pordiosero. Panama Smith: Era un gran tipo. Final tremendamente duro pero realista. Gran final. Una obra maestra del cine negro y del cine en general. La siguiente a comentar será Hampa Dorada con Edward G. Robinson

Frases: Adaptation (dirección: Spike Jonze, guión: Charlie Kaufman)

2005-08-11T20:27:00.000+02:00

He aquí el monólogo interpretado en el film por Nicolas Cage: "Hay alguna idea original en mi cabeza, en mi cabeza calva. Tal vez, si fuera más feliz, no se me caería el pelo. La vida son dos días. Necesito vivirlos al máximo. Hoy es el primer día del resto de mi vida. Soy un tópico ambulante. Tengo que ir al médico a que me vea la pierna. Tengo algo, un bulto. He vuelto a llamar al dentista. Lo voy dejando. Si me dejara las cosas de un día para otro, sería más feliz. Me paso el día sin mover este culo de foca. Si no tuviera el culo tan gordo, sería más feliz. No tendría que llevar siempre las camisas por fuera; como si engañara a alguien. FOCA. Debería empezar a correr otra vez. 8 kilómetros al día, pero hacerlo de verdad. O hacer escalada, pero tengo que dar un giro a mi vida. ¿Qué tengo que hacer? Tengo que enamorarme. Tengo que echarme novia. Tengo que leer más, cultivarme... Si aprendiera ruso o yo qué sé... O tocar un instrumento. Podría aprender chino, sería "el guionista que sabe chino y toca el oboe". Eso sería brutal. Debería cortarme el pelo al uno. Dejar de hacer creer a todos y a mí mismo que tengo una mata de pelo... ¡Qué ridículo! Ser auténtico, una persona segura, ¿no es eso lo que atrae a las mujeres? Los hombres no tienen que ser atractivos. Aunque eso no es verdad, sobretodo hoy en día. Hoy se les exige tanto a los hombres como a las mujeres. ¿Por qué debería creer que debo pedir perdón por existir? Quizás sea la química celular. Quizás es eso lo que me pasa, una alteración química. Todos mis problemas y mi ansiedad podrían deberse a un desequilibrio químico o a una serie de psinapsis defectuosas. Tengo que hacérmela mirar. Aunque seguiré siendo feo, eso no tiene cura" IMPAGABLE guión de Kaufman.

Te adoramos Charlie XD You are the best.

Saludos.